miércoles, 30 de diciembre de 2009

Reinhold Glière -

Reinhold Moritzovich Glière (Ruso: Рейнгольд Морицевич Глиэр, Rejngol'd Moricevič Glièr) (Kiev, 11 de enero de 1875 – Moscú, 23 de junio de 1956) Fue un compositor post-romántico ruso, soviético de origen germano-polaco. 
Concierto para Arpa y Orquesta en Mi bemol mayor, op. 74 (1938)

domingo, 27 de diciembre de 2009


Continuando con la mùsica coral....

Georg Friedrich Händel (Halle, 23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

En 1751, Händel perdió la vista mientras componía el oratorio Jephta. A comienzos de abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías. Terminado el concierto, se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa, donde se le acostó; nunca más volvió a levantarse. Händel murió siendo venerado por todos; fue sepultado con los honores debidos en la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de 1759, Sábado Santo.



El Mesías HW 56 es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel. La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duetto, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

La mayor parte del libreto procede del Antiguo Testamento. La primera sección se basa en el Libro de Isaías, el cual profetiza la venida del Mesías. Hay algunas citas de los Evangelios, que están al final de la primera sección y al principio de la segunda. Se refieren al episodio de la Anunciación del Ángel a los pastores narrado en el Evangelio de San Lucas, dos enigmáticas citas del Evangelio de San Mateo y una del Evangelio de San Juan: "Contemplad el cordero de Dios". El resto de la segunda sección se compone de las profecías de Isaías y citas de los evangelistas. La tercera sección incluye una cita de Job: "Yo sé que mi redentor vive", y el resto proviene principalmente de la Primera Carta a los Corintios de San Pablo. Es interesante la interpolación de coros del Apocalipsis. El conocido coro Aleluya al final de la parte II y los coros finales ("Digno es el cordero que fue asesinado" y Amén), ambos tomados del Apocalipsis.

El libreto fue compilado por Charles Jennes y consiste de fragmentos de versículos de la Biblia del Rey James. Jennes concibió el trabajo mas como una ópera con tres actos, constando cada una de varias escenas:

I – El Nacimiento.

1. – La profecía de la Salvación.

2. – La profecía de la llegada del Mesías.

3. – Anuncios al mundo en general.

4. – Profecía del nacimiento virginal.

5. – La Aparición del ángel a los pastores.

6. – Los Milagros de Cristo.

II – La Pasión

1 – El sacrificio, la flagelación y la agonía en la cruz.

2 – Muerte, descenso a los Infiernos y Resurrección.

3 – La Ascensión.

4 – Dios revela su identidad en el Cielo.

5 – El comienzo de la predicación del Evangelio.

6 – El mundo y sus dirigentes rechazan el Evangelio.

7 – El triunfo de Dios.

III – Las Secuelas

1 – La promesa de la redención desde la caída de Adán.

2 – El día del Juicio Final.

3 – La victoria sobre la Muerte y el Pecado.

4 – La glorificación de Cristo.

5 - Amén.

La interpretación es a cargo de La orquesta sinfónica y coros de la Alta Toscana, el director de orquesta es Giorgio Lambrusconi, grabaciòn de 2003. Una obra magnífica realmente.


Que lo disfruten

jueves, 24 de diciembre de 2009

Rachmaninoff - Las vísperas


Las vísperas o Misa de vísperas, Opus 37, es una composición coral a cappella de Sergéi Rajmáninov, escrita y estrenada en 1915. Consiste en la representación de textos tomados de la celebración rusa ortodoxa de ceremonía de vísperas. Ha sido considerado como el mayor logro del compositor y el mayor logro musical para la  «Iglesia rusa ortodoxa». Es una de las dos composiciones favoritas de Rajmáninov junto con las Las campanas y el compositor pidió que uno de sus movimientos (el quinto) fuera cantado en su funeral. El título de la obra a veces se traduce como Vísperas, lo que es tanto literalmente como conceptualmente erróneo al aplicarlo a la obra al completo: sólo los seis primeros movmientos de los quince totales cuenta con textos de las vísperas, la hora canónica de la Iglesia rusa ortodoxa.

Las vísperas fue escrita en menos de dos semanas entre enero y febrero de 1915 y fue estrenada en Moscú en marzo de ese año, en parte para apoyar el esfuerzo de Rusia durante la Primera Guerra Mundial. Nikolai Danilin dirigió el coro masculino sinoidal de Moscú en el estreno. Tuvo una buena acogida por parte del público y los críticos, y tuvo tanto éxito que fue reinterpretada cinco veces más en sólo un mes. Sin embargo, la Revolución rusa de 1917 y el surgimiento de la Unión Soviética provocaron la prohibición de toda la música religiosa, y el 22 de julio, 1918 el coro sinoidal fue sustituido por el «coro no relgioso del pueblo». Se ha escrito que «ninguna composición representa el final de una era tan claramente como esta obra litúrgica».




Durante el período comprendido entre 1880 y 1917 ocurrió un renacimiento en música coral rusa, lo que da como resultado la nueva escuela rusa de compositores de mùsica coral. Esto fue una época de gran auge de composiciones para la iglesia por los compositores más importantes, entre ellos Rachmaninov, Chaikovski, Chesnokov y Kastalsky. La etapa previa de  150 años de música coral rusa había sido dominada por influencias alemanas e italianas - los compositores de la "nueva escuela coral rusa" estableció un estilo coral de fondo ruso. Mientras que Sergei Rachmaninov escribió sólo unas pocas obras corales, su vísperas representa la culminación de la obra de la nueva escuela coral de Rusia de compositores.

Las vísperas se compone de textos para los servicios de vísperas, Matins y primer. Compuesta en 1915, fue probablemente diseñado para concierto en lugar de uso litúrgico, aunque no se ha especificado en la  partitura por Rachmaninov. Sin embargo, desde el momento de su estreno hasta el día de hoy, ha sido escuchada casi exclusivamente en la configuración de concierto. Rachmaninov no era particularmente religioso y no estaba muy familiarizado con la liturgia y la configuración musical tradicional de la Iglesia; así, el  enfoque compositivo en las vísperas era fresco, innovador y único. Uso melodías de auténtico canto ruso como su base compositiva para nueve de los quince movimientos, compuso melodías a sonar como canto para los otros seis movimientos, llamándolos "falsificaciones conscientes". De los cantos auténticos utilizados, algunos eran familiares y ampliamente cantados en servicios de la Iglesia de la época (por ejemplo, # 2 - yesi Blagosloven, Ghospodi), mientras que otros eran melodías de canto de znamenny antiguos y desconocido. (Znamenny significa "escrito en signos" y se refiere al antiguo sistema ruso de notación musical no occidental).
Como la mayoría de los compositores de la nueva escuela de mùsica coral Rusa, Rachmaninov empleó un procedimiento conocido como "orquestación coral," que exhorta a los cantantes a hacer uso de una amplia gama de técnicas: variedades de color coral, cuidadosamente colocan articulaciones, y una paleta vívida de controladas matices dinámicos. También hizo uso de una técnica encontrado en canción folclórica rusa, llamado counter-voice polifonía, que evita el contrapunto Europeo occidental.

La interpretaciòn fue realizada por el coro de la BBC, conducido por David Hill, grabaciòn en vivo.


Que la disfruten

 

viernes, 18 de diciembre de 2009

Edouard Lalo - Concierto para violin en fa mayor Op. 20


El concierto para violín en fa mayor Op. 20  fue estrenado por Pablo Sarasate en el Teatro Châtelet de París en 1874.

Es una obra rica en invención técnica y melodías seductoras. Lalo estaba muy preocupado por la melodía, en la creencia de que, aunque la esencia de una buena melodía no puede explicarse, sin ella, todos los conocimientos técnicos en el desarrollo musical serían en vano.

La versión que les presento corre a cargo de Olivier Charlier al violin con Yan Pascal Tortelier como director de la orquesta filarmónica de la BBC.


http://www.mediafire.com/?znymjmmz2mz

martes, 15 de diciembre de 2009

Édouard Lalo - Sinfonía Española Op. 21


Édouard-Victoire-Antoine Lalo (Lille, 27 de enero de 1823 - † París, 22 de abril de 1892) violinista y compositor francés de ascendencia española


Dedicado durante mucho tiempo a una labor oscura, conoció el éxito con Symphonie espagnole, para violín y orquesta (1873), Concerto pour violoncelle (1876) y Rhapsodie norvégienne (1881), entre otras obras. En las dos primeras se observa una brillante valoración del virtuosismo, superada por la calidad de su Sumphonie en "sol" mineur (1873).

La Sinfonía española, op. 21 es en realidad un concierto para violín y orquesta compuesto por cinco movimientos (aunque generalmente se omite el tercero), a medio camino entre la suite y la antigua sinfonía concertante. Tiene tres movimientos


Allegro non troppo

Scherzando (Allegro molto)

Intermezzo (Allegretto non troppo)

Andante

Rondo (Allegro)

La Sinfonía Española tuvo como destinatario al gran virtuoso español del violin Pablo de Sarasate, amigo del compositor. Aunque nacido en España, Sarasate se había formado en París y Francia fue su patria adoptiva. Por su parte, Laló nacido francés, tenía ancestros españoles por parte de padre y madre. También se formó en Francia pero amaba y sentía profundamente su espíritu español.

Laló tuvo que recorrer un largo camino antes de recibir reconocimiento, en parte, a causa del ambiente de frivolidad que dominó la música francesa durante el segundo imperio, tenía cincuenta años cuando alcanzó la fama con el estreno de su concierto para violín opus 20 dedicado y estrenado por Sarasate. La Sinfonía Española opus 21, también dedicada a Sarasate, se estrenó en París el 7 de febrero de 1875, tuvo un éxito inmediato y permanece como una obra popular hasta hoy.

Les presento una grabación de Shlomo Mintz en el violin, con la Orquesta filarmónica de israel dirigida por Zubin Mehta, grabación en vivo de 1988


Que la disfruten



miércoles, 9 de diciembre de 2009

Chopin - Waltzes Nos. 1-14 - Dinu Lipatti

Dinu Lipatti (Bucarest (Rumania), 19 de marzo de 1917 - Ginebra (Suiza), 2 de diciembre de 1950) era un pianista y compositor rumano. Su carrera fue cortada por su temprana muerte debido a la enfermedad de Hodgkin a los 33 años. A pesar de su corta carrera, Lipatti es considerado uno de los pianistas más finos del siglo XX.


Lipatti nació en Bucarest en una familia con herencia musical: su padre era violinista, su madre era pianista y su padrino era el violinista y compositor George Enescu. Estudió en el Colegiul Naţional Gheorghe Lazăr (Colegio Gheorghe Lazăr). Participó en el Concurso Internacional de Piano de Viena en 1934, en el cual ocupó la segunda posición, lo que provocó que Alfred Cortot renunciara como jurado, ya que creía que Lipatti debería haber ganado. Luego de esto Lipatti estudió en París, siendo alumno de Cortot, Nadia Boulanger (junto con quien grabó Valses para piano Op. 39 de Johannes Brahms), Paul Dukas y Charles Munch.


La carrera de Lipatti fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial. Aunque continuó dando conciertos en Europa, incluyendo en países ocupados por los Nazis, Lipatti abandonó Rumania en 1943 y se estableció en Ginebra (Suiza) con su esposa, donde aceptó una posición como profesor de piano en el Conservatoire de musique de Genève (Conservatorio de Música de Ginebra). Fue entonces que los primeros síntomas de su enfermedad aparecieron. Al principio, los doctores estaban confundidos, pero en 1947 fue diagnosticado con la enfermedad de Hodgkin.

Lipatti dio su recital final, el cual fue grabado, el 16 de septiembre de 1950 en Besanzón. Murió menos de tres meses más tarde. Fue enterrado en el cementerio de Chêne-Bourg.

Lipatti es reconocido por sus interpretaciones de Frédéric Chopin, Wolfgang Amadeus Mozart y Johann Sebastian Bach, aunque también realizó grabaciones de Alborada del gracioso de Maurice Ravel, Franz Liszt, George Enescu, Concierto para piano de Robert Schumann y Concierto para piano en La menor de Edvard Grieg.

Su grabación de los Valses (1 al 14) de Chopin sigue siendo una de las favoritas de los seguidores de la música clásica. Se las presento con alta calidad de sonido.


Que los disfruten.

Visitar el Blog Chopiniano

Amigos y amigas, los invito a visitar el excelente Blog de mi amigo Juan, El blog Chopiniano, nos presenta un homenaje a el gran pianista Arthur Rubinstein, increible, visiten este link:

http://chopiniano.blogspot.com/

domingo, 6 de diciembre de 2009

Rachmaninoff - Concierto para piano y orquesta No.1 Op. 1


Sergei Rachmaninov compuso su Concierto para piano N º 1 en fa sostenido menor Op. 1, en 1892 , a los 19 años de edad. Dedicó el trabajo a Alexander Siloti. Rachmaninoff realizó una revisión del trabajo a fondo en 1917.

Este fue en realidad el segundo intento de Rachmaninoff  por componer un concierto de piano.  En 1889 se había comenzado, pero abandonado un concierto en Do menor (la misma clave, por cierto, en la que más tarde escribiría su segundo Concierto para piano). 

Rachmaninoff escribió a Natalya Skalon el 26 de marzo de 1891, "ahora estoy componiendo un concierto para piano. Dos movimientos ya están escritos, el último movimiento no está escrito, sino que está compuesto, probablemente termine todo el concierto en el verano"
Terminó de componer la pieza de ensayo y el 6 de julio se mostró satisfecho con lo que había escrito.

Rachmaninoff basó su concierto en el Concierto para piano de Grieg, que era un favorito de su trabajo y uno que había sido familiarmente practicando en el hogar Rachmaninoff durante la primavera y el verano de 1890 por Siloti para presentaciones futuras.

El concierto cuenta con tres movimientos:

Vivace (F-sharp minor)
Andante cantabile (D major)
Allegro Vivace

La versión es interpretada por Sergei Rachmaninov como pianista con Eugene Ormandy dirigiendo a la Orquesta de Filadelfia, grabado en 1941


Que lo disfruten

jueves, 3 de diciembre de 2009

Robert Fuchs - Concierto para piano en Si bemol menor, op 27


Robert Fuchs (15 de febrero de 1847 - 19 de febrero de 1927) compositor y profesor de música austriaco muy bien considerado en su tiempo. Siendo profesor de teroría de la música en el conservatorio de Viena enseñó a muchos compositores relevantes como Sibelius y Mahler. Nació en Frauental and der Lassnitz en Styria en 1847, siendo el más pequeño de trece hijos. Estudió con en el conservatorio de Viena, en donde obtuvo una plaza de profesor en 1875, que ocupó hasta 1912. Murió en 1927 a la edad de ochenta años.
Su obra no es muy conocida principalmente porque él mismo no hizo mucho para promocionarlas, prefiriendo llevar una vida tranquila en Viena y negándose a organizar conciertos, incluso cuando le llegaban oportunidades en otras ciudades. De todos sus admiradores el más remarcable es Brahms, quien prácticamente nunca valoró el trabajo de otros compositores. Sin embargo refiriéndose a Fuchs escribió:

"Fuchs es un músico espléndido, todo es tan refinado y tan bien elaborado, inventado tan encantadoramente, que uno siempre está encantado"

 Que se sepa, ningún otro compositor recibió este tipo de elogio de Brahms.

El Concierto para piano de Fuch, fue compuesto entre 1879 y 1880, bajo la atenta mirada de Brahms, el concierto se abre con una introducción extendida y dramática para la orquesta.  La música se convierte en calmada y pastoral antes de la entrada del solista que hace una apertura espectacular. El desarrollo de la música es inventiva y la calidad heroica de los temas atrae al oyente. El movimiento lento es tranquilo,  con melodías profundamente sentidas. El último movimiento que es impresionante en su virtuosismo. Interpretan Martin Roscoe con la Sinfónica de la BBC Scottish, dirigida por Martyn Brabbins.

http://www.mediafire.com/?zjznhgnmdyn

Que lo difruten.

lunes, 30 de noviembre de 2009

Rachmaninoff - sonata para violonchelo en sol menor, op. 19


La sonata para violonchelo en sol menor, op. 19 de Sergéi Rajmáninov es una sonata para piano y violonchelo, compuesta en 1901 y publicada un año después. Está escrita en cuatro movimientos, algo usual en las sonatas del período romántico.

Lento – Allegro moderato

Allegro scherzando
Andante
Allegro mosso

A Rajmáninov no le gustaba llamarla sonata para chelo, dado que opinaba que ambos instrumentos eran igualmente importantes. Por ello, a veces es llamada Sonata en sol menor para violonchelo y piano. Muchos de los temas son introducidos por el violonchelo y luego adornados y expandidos por el piano.


La sonata fue eclipsada por el tremendo éxito del Concierto para piano n.º 2, que se estrenó el 24 de noviembre de 1901. La pieza está dedicada a Anatoliy Brandukov, quien junto al compositor la interpretó por primera vez en Moscú el 2 de diciembre de 1901.

Esta interpretación es a cargo de Emanuel Ax y Yoyo Ma, una ejecución sorprendente.




Que la disfruten, realmente es tan bella.... que no tengo palabras para describirla¡¡¡¡¡¡¡
 


Rachmaninoff - Piano Trio Elegiaco No. 2 Op. 9


El Trio elegiaco en D minor es un trio para piano, escrito a la memoria de Tchaikovskyu entre el 5 de octubre y el 15 de diciembre de 1893.

El estreno de la obra fue en moscú el 31 de enero de 1894, por un trio que incluía al propio Rachmaninoff

Contiene tres movimientos:
Moderato
Quasi variazione
Allegro risoluto

El primer movimiento comienza con un tono sombrío y entra en erupción violentamente cerca del final. El segundo movimiento consiste en variaciones construidas sobre el primer tema, y el movimiento final, aunque breve está dominado por la parte de piano, sin cesar, poderoso y dramático.

Luego de escuchar ambos trios para piano de Rachmaninoff y la sonata para chello y piano, me doy cuenta que Rachmaninoff era un gran compositor, de obras muy bellas para el Chello, la melancolía y el romanticismo se unen en cada creación de una manera sublime...

La interpretación corre a cargo del Trio Borodin, grabación de 1984. En el blog de elcuervolopez, fue publicada originalmente.


Que lo disfruten





martes, 24 de noviembre de 2009

Beethoven - Concierto para violin y orquesta


El Concierto para violín en re mayor Op. 61 de Ludwig van Beethoven, escrito en 1806, es el único concierto del compositor para este instrumento. Es una importante obra del repertorio violinístico, y es frecuentemente interpretada y grabada hoy en día. La obra se estrenó el 23 de diciembre de 1806 en el Theater an der Wien de Viena. Beethoven escribió el concierto para su colega Franz Clement, destacado violinista del momento, que anteriormente le había aconsejado durante la composición de su ópera Fidelio.

Se cree que Beethoven terminó el solo tan tarde que Clement tuvo que leer a primera vista una parte de su actuación. Quizás para expresar su disgusto, o para mostrar de lo que habría sido capaz si hubiera tenido tiempo para prepararse, Clement interrumpió el concierto entre el primer y el segundo movimiento, tocando una composición propia.
La obra no tuvo buena recepción por parte de los espectadores, y el concierto fue ejecutado pocas veces durante las décadas siguientes. La obra fue resucitada hacia 1844, 17 años después de la muerte de Beethoven, interpretada por Joseph Joachim y con la orquesta dirigida por Felix Mendelssohn.

Consta de tres movimientos:

Allegro Ma Non Troppo (re mayor)
Larghetto (sol mayor)
Rondo. Allegro (re mayor)

La interpretación es acargo del violinista Itzhak Perlman, con la Philharmonia Orchestra dirigidos por Carlo Maria Giulini.


Una interpretación fantástica, extremadamente buena, la cadenza fue escrita por Kreisler, que lo disfruten...

sábado, 21 de noviembre de 2009

Paganini - Concierto para violin y orquesta No. 4


Niccolò Paganini compuso su Concierto para violín N º 4 en Re menor entre el otoño de 1829 y el invierno de 1830.  Pero sintió la necesidad de un nuevo repertorio al mismo tiempo que realizaba una gira por Alemania, Paganini escribió el cuarto concierto entre las actuaciones, y aunque le escribió a su editor que tenía la intención de "desvirgar" el trabajo en París, realmente lo interpreta varias veces en Alemania. En su reseña de la obra, Ludwig Spohr escribió "en su composición y su estilo es una extraña mezcla de talento consumado, infantilismo y falta de sabor que encanta alternativamente y repele". Sobre el estreno parisino, el crítico de Castil-Blaze, dijo que el trabajo tenía una "forma más original" y  "varios efectos muy pintorescos." El Concierto se abre con un Allegro maestoso tormentoso en re menor seguido de un sentimentalismo muy emocional en el  Adagio con flebile en Fa sostenido menor y se cierra con un galante Rondó en Re menor.
La interpretación a cargo de Salvatore Accardo; acompañado por la London Philharmonic Orchestra dirigida a su vez por Charles Dutoit una interpretación magnífica, y un magnífico concierto.


Que lo disfruten, a mi personalmente me parece fascinante...


miércoles, 18 de noviembre de 2009

Chopin - Concierto para piano No. 2


El Concierto para piano y orquesta n.º 2 en fa menor, Op. 21 de Frédéric Chopin es uno de los dos conciertos para piano del compositor polaco. Pese a haberse publicado en segundo lugar, en realidad es anterior al Concierto para piano y orquesta n.º 1, Op. 11 en mi menor. Está dedicado a la condesa Delphine Potocka. Se terminó al final del invierno de 1829 y fue estrenado por el propio compositor al piano el 17 de marzo de 1830 en Varsovia.

El concierto consta de tres movimientos:


Maestoso. Escrito en forma sonata. Es una amplia introducción orquestal que expone los dos temas principales. El primero de ellos es de suave hermosura, con un fraseo amplio y lírico; el segundo es íntimo, desarrollado por el solista. Cuando tras un fortissimo el piano irrumpe con brillantez, ya no dejará su puesto privilegiado: éste será el que lleve el protagonismo en todo el movimiento.

Larghetto. Intimista y amoroso, fue inspirado por un amor de juventud de Chopin, la soprano Konstancia Gladkowska. Tiene estructura tripartita, con las secciones extremas plenas de efluvios amorosos, mientras que la central tiene un contrastado sentido dramático. La línea cantabile está adornada en una escritura a veces lánguida y otras de indudable contemplación erótica.

Allegro vivace. Escrito en forma de rondó, este tiempo final consta de dos temas principales: el primero está dotado de sencillez y encanto, mientras que el segundo es prácticamente una mazurca de claro sabor polaco. El piano juega con ambos temas, en un clima desenfadado y muy luminoso acompañado por una orquesta en la que domina la cuerda. La última sección está escrito a moto perpetuo.







La interpretación del concierto corre a cargo del pianista Arthur Rubinstein, con la Symphony of the Air y Alfred Wallenstein en la batuta, grabación de 1958, con remasterización en 2005.


Que lo disfruten; una interpretación maravillosa...

jueves, 12 de noviembre de 2009

Paganini - Tercer Concierto para Violin y Orquesta


El Concierto para violín N º 3 en Mi mayor fue compuesto por Niccolò Paganini en 1826. El 12 de diciembre de 1826, Paganini escribió desde Nápoles a su amigo LG Germi, tras haber completado recientemente su segundo concierto de violín, que ahora tiene "acabado de orquestar un tercero con una Polacca", y agregó: "Me gustaría probar estos conciertos con mis propios paisanos antes de producirlos en Viena, Londres y París. " Pero el tercer concierto para violín fue estrenado hasta julio de 1828 en Viena.

El concierto consta de tres movimientos:

Introduzione. Andantino - Allegro marziale

Adagio. Cantabile spianato
Polacca. Andantino vivace

La interpretación a cargo del violinista italiano Salvatore Accardo.


Que lo disfruten, es un concierto bastante tranquilo y melodioso.

miércoles, 11 de noviembre de 2009

LA PIEDAD



La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.



Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.
 

Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

 
Vasari dice de ella «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatigue, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

 
El artista contaba entonces veinticuatro años, Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari, quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra
 
Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:
  • Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
  • Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración
  • Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".
LA MISERIA DEL FANATISMO:
 
El 21 de mayo de 1972 la imagen sufrió un brutal atentado cuando un perturbado golpeó el rostro de la Virgen con un martillo, motivo por el que hubo de ser restaurada y luego protegida con medidas de seguridad.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_del_Vaticano"




Beethoven - Septima Sinfonía


La Sinfonía n.º 7 en La mayor (Op. 92) de Ludwig van Beethoven fue compuesta en 1811, cuando estaba en la ciudad bohemia de Teplice, intentando mejorar su salud. La obra fué terminada en 1812 y Beethoven dedicó la composición al conde Moritz von Fries.


La obra fue estrenada en Viena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la Batalla de Hanau. El propio Beethoven dirigía la orquesta y estaba llena de músicos de cualidades ilustres, tales como Louis Spohr, Giacomo Meyerbeer, Johann Nepomuk Hummel, Ignaz Moscheles, Domenico Dragonetti, Andreas Romberg y Antonio Salieri; que se encontraban en la orquesta. La pieza fue muy bien acogida por la crítica del momento y el allegretto tuvo que ser repetido el día de su estreno.


Tiene cuatro movimientos:



I. Poco sostenuto — Vivace
II. Allegretto
III. Presto
IV. Allegro con brio

La interpretación suele durar 34 minutos aproximadamente.

Una gran obra, bajo la batuta de un gran director Carlos Kleiber y la orquesta filarmónica de Viena, una grabación considerada de referencia¡¡¡¡¡


http://www.mediafire.com/download.php?zeo5dmrmqdv

Que la disfruten

sábado, 7 de noviembre de 2009

Rachmaninoff - Sonata para piano No. 2


Hoy les presento otra interpretación de  la sonata para piano no. 2 Op. 36, fue compuesta en 1913. Revisada en 1931. Al piano el excelente pianista cubano Santiago Rodríguez, su interpretación de esta sonata es puro fuego, se siente su pasión al ejecutarla, desde el primer momento lo hace de una forma sorprendente.

http://www.mediafire.com/download.php?tmmijmv0zzz

Que la disfruten.


Además les presento una obra muy interesante de Rachmaninoff, su Scherzo in F major.

http://www.mediafire.com/download.php?miqymzztnm0

Que lo disfruten

miércoles, 4 de noviembre de 2009

Liszt - Rapsodia Húngara No. 2


La Rapsodia húngara n.º 2, S. 244/2 forma parte de las diecinueve Rapsodias húngaras del compositor húngaro Franz Liszt y es, con seguridad, la más famosa de todas. Muy pocas piezas para piano solo han conseguido tanta popularidad, por lo que ofrece al pianista la oportunidad de mostrar su virtuosismo al mismo tiempo que atrae enormemente al público.

Está escrita en Do sostenido menor y está dedicada al conde Ladislas Teleky ("au Comte Ladislas Teleky"). Fue compuesta en 1847 y fue publicada por primera vez como pieza para piano solo en 1851 por Senff and Ricordi.
La Rapsodia húngara n.º 2 apareció en el cortometraje The Cat Concerto de Tom and Jerry, en 1947; en el Convict Concerto, del Pájaro loco (1954); y en el Rhapsody Rabbit de Bugs Bunny (1946), y Mario Moreno "Cantinflas" dirigió en su película Si yo fuera diputado la Rapsodia húngara n.º 2.

Les presento para descargar la interpretación de Josef Hofmann, y además en la parte de abajo de la página; encontrarán el video de la interpretación del pianista canadiense Marc-André Hamelin; que contiene una cadeza muy especial.

http://www.mediafire.com/download.php?jmz3mjceyjg

Además pueden descargar la interpretación de Vladimir Horowitz

http://www.mediafire.com/download.php?mwoydzamnmd

Y la interpretación de Sergei Rachmaninoff

http://www.mediafire.com/download.php?mmoyew4ohzy

Que la disfruten, (los invito a comparar las cuatro interpretaciones) si alguien quiere el video de Hamelin, en formato Avi, que lo solicite en los comentarios y lo subiré.

Richard Strauss - Violin Piano Sonata, Violin Concierto







Richard Georg Strauss (Múnich, 11 de junio de 1864 — 8 de septiembre de 1949) fue un compositor alemán. Hijo de un intérprete de trompa de la corte de Múnich, Franz Strauss, Richard fue «niño prodigio».










Les presento la Sonata para violin y piano Op. 18 y el concierto para violin Op. 8 de Richard Strauss, interpretado por la violinista Sarah Chang, y al piano Wolfgang  Shwallisch.



Sonata para violín y piano Op. 18 en Mi bemol: Esta obra es considerada como la última pieza "clásica de Strauss,". Todavía bajo la influencia de su padre conservador, su producción de cámara, de la que sólo dejó un puñado de obras que datan de antes de 1890, sigue los patrones clásicos de aceptación general.

Strauss dejó sólo tres obras en el género de sonata, es decir, la "Sonata para violonchelo, la Sonata para piano, y la Sonata para Violín. La última es considerada la obra más madura de las tres, y su lenguaje musical, que iba a ser tan evidente en sus obras posteriores, ya está presente. Las dos partes, el violín y el piano, están densamente escritas, y las líneas melódicas se entrelazan, creando una textura sinfónica. A pesar de que es una sonata, es casi como si los dos instrumentos estubieran tocando un concierto doble.
Strauss compuso la Sonata para violín bajo el encanto romántico de Pauline de Ahna, que más tarde se convirtió en su esposa. La obra está llena de energía juvenil, esperanza y  anticipación.
Aunque no se considera en la cumbre de la literatura violín, la Sonata para Violín de Richard Strauss ha estado en el repertorio activo de la mayoría de los violinistas más importantes del siglo 20 y sigue ofreciendo su encanto y melodías sinceras a los oyentes de hoy
 
 
 
El concierto para Violin y orquesta en Re menor, Opus 8, fue escrito entre 1881 y 1882.  A pesar de su virtuosismo, está fuertemente influenciado por la época clásica. Se divide en tres movimientos:

Allegro
Lento, ma non troppo
Rondo. Presto

Que los disfruten

domingo, 1 de noviembre de 2009

Rachmaninoff - La isla de los muertos Op. 29


La Isla de los Muertos opus 29, es un poema sinfónico del compositor ruso Sergei Rachmaninoff compuesto en 1908 en Dresde. La obra está inspirada por el cuadro homónimo de Arnold Böcklin, que había visto en París en 1907. Esta obra está considerada como un claro ejemplo del postromanticismo ruso de principios del siglo XX.


La duración aproximada de la pieza oscila entre los 18 y los 25 minutos. La música comienza suavemente, con un movimiento de vaivén que sugiere el rumor de las olas mientras Caronte rema por el río Estigia. A lo largo de esta obra, Rajmáninov utiliza una figura recurrente en un compás de 5/8 para imitar el movimiento del agua y del remo de Caronte. Al comienzo de la obra, el tema principal se repite en un prolongado crescendo; en la sección central, la orquesta explora distintas variaciones del tema, hasta llegar a un momento de silencio tras el cual, al igual que sucede en varias de sus obras, Rajmáninov introduce el motivo de la música del Dies irae como referencia a la muerte. Al mismo tiempo, el vaivén de la música también sugiere el sonido de una respiración, indicando de esa manera que la vida y la muerte se entrelazan.
 
La isla de los muertos es una conocida serie de cuadros del pintor suizo Arnold Böcklin.




Böcklin creó múltiples versiones del mismo cuadro, en el que se representa un remero y una figura blanca sobre una pequeña barca, cruzando una amplia extensión de agua en dirección a una isla rocosa. El objeto que acompaña a las figuras en la barca se identifica generalmente como un ataúd, y la figura blanca con Caronte, el barquero que en la mitología clásica conducía a las almas al Hades.



Böcklin nunca explicó el significado de su pintura, y de hecho el título de la obra no se debe a él sino al tratante de arte Fritz Gurlitt, quien la bautizó así en 1883.







La primera versión del cuadro, que actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, fue creada en Florencia en 1880 a petición de Marie Berna, cuyo marido, el Dr. Georg Berna, había fallecido recientemente.








La segunda versión del cuadro es llamada Basel,
y se encuentra en Basilea (Suiza) pintada en 1880














La tercera versión del cuadro
data de 1883 y se encuentra en
Berlín.








La cuarta versión del cuadro, que existía en Rotterdam fue destruida durante la segunda guerra mundial.





La quinta versión del cuadro
de 1886 se encuentra en la ciudad
de Leipzig (alemania).









Una obra magnífica, muy buena representación musical del cuadro de Böcklin. La interpretación es por la Orquesta Filarmónica real de Inglaterra, y el director Enrique Batiz, grabación de  1994.

http://www.mediafire.com/download.php?eyfzdmy5yyt

Que la disfruten.



 

miércoles, 28 de octubre de 2009

Jozef Hofmann - Chopin Concierto para Piano y Orquesta No.1



Józef Kazimierz Hofmann  nació el 20 de enero de  1876 y murió el  16 de febrero de 1957.  Fue un compositor, pianista virtuoso e inventor. Él es ampliamente considerado como uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos.
Su padre era el compositor, director y pianista Kazimierz Hofmann, y su madre era la cantante Matylda Pindelska. Fue un niño prodigio, que dio un recital de debut en Varsovia a la edad de 5 años. Dio una larga serie de conciertos en toda Europa y Escandinavia, que culminó en una serie de conciertos en Estados Unidos en 1887-88, donde se convirtió en una celebridad instantánea (a los doce años).  Después de escuchar (a los siete años de edad) tocar a Hofmann en Varsovia, el legendario músico ruso Anton Rubinstein, declaró que Hofmann era un niño prodigio como el mundo nunca antes habia visto. Por insistencia de Rubinstein ell empresario alemán Hermann Wolff ofreció una beca para el niño y mandarlo en una gira por Europa, pero el padre de Hofmann se negó a permitir los viajes de niño hasta que cumpliera 9 años de edad.
 A los 9 años, Hofmann dio conciertos en Alemania, Francia, Holanda, Noruega, Dinamarca, Suecia y Gran Bretaña.  El año siguiente, una gira por Estados Unidos fue organizada en la que el joven Josef Hofmann tocó ochenta conciertos, realizan cuatro presentaciones por semana y se convirtió en una celebridad en los medios de comunicación de los Estados Unidos. Después de todo este trabajo la Sociedad para la Prevención de la Crueldad a los Niños intervino citando la frágil salud de Hofmann.  Sin embargo, según el contrato de presentaciones de Hofmann él estaba legalmente obligado a completar el recorrido. Por último, el contrato se hizo nulo y sin efecto por Alfred Corning Clark, quien donó $ 50.000  y, a su vez, legalmente le prohibió a Hofmann actuar en público hasta que cumpliera  los 18 años.  El resto de la gira fue cancelada y la familia regresó a Alemania.

El legendario virtuoso ruso Anton Rubinstein tomó a Hofmann como su estudiante privado  en 1892 y dispuso el debut de Hofmann como adulto en Hamburgo, Alemania en 1894. Hofmann viajó y trabajó extensamente en los próximos 50 años, y fue el pianista más famoso de una gran parte de esta era.


Como inventor tenía más de 50 patentes en su haber y su invención de amortiguadores neumáticos para automóviles y aviones le valió una fortuna en el siglo 20.

Hofmann tenía manos pequeñas pero excepcionalmente fuertes. Steinway  le construyó un teclado personalizado con las teclas ligeramente más estrechas. A diferencia de su famoso maestro Rubinstein, Hofmann era tranquilo y poco demostrativo en el piano ya que  raramente levantaba las manos por encima del nivel del hombro. El enfoque y estilo de Hofmann probablemente se resume en su lema: "Un aristócrata nunca se apresura".  Hofmann se adhirió estrictamente a la partitura impresa y al sentimentalismo.


El repertorio de Hofmann se limita principalmente a la música publicada antes del inicio del siglo 20. En 1913 dió una serie de conciertos en  San Petersburgo, sin repetir una sola pieza, tocando 255 obras diferentes.
Una vez que había aprendido una pieza musical, al parecer en su mente y los dedos quedaba grabada para siempre.

En el diario que su esposa llevó durante su gira de 1909, ella menciona que Hofmann vió la partitura de las Variaciones sobre temas de Handel, escritas por Brahms; una pieza que no había tocado ni practicado, y que ni siquiera miró durante dos años y medio y que luego las interpretó en un concierto, sin un pensamiento o una vacilación.
Se dice que poseía la capacidad de Franz Liszt para escuchar una composición una sola vez y tocarla  de nuevo sin problemas, sin ver las notas impresas.  Maurice Aronson, quien se desempeñó como asistente del pianista Leopold Godowsky, relata como Hofmann aprendió la transcripción de Godowsky  sobre la opereta Fledermaus de Johann Strauss: Godowsky y Hofmann se reunieron en Berlín en 1900, convirtiéndose en amigos de toda la vida.  Hofmann visitó el estudio de  Godowsky y se sentó con la boca abierta, mientras Godowsky se encontraba trabajando sobre la transcripción del Fledermaus. El  padre de Hofmann un día  se encontró con Godowsky y le preguntó: "¿Qué has hecho con Josef? Él se sienta en casa todo el día y toca valses de Strauss."  Una semana después, Hofmann visitó Godowsky y tocó la transcripción completa, nota por nota. Hofmann, nunca había visto la partitura, de hecho, Godowsky aún no había anotado. Schoenberg ha señalado que la transcripición de Godowsky sobre el Fledermaus de Strauss es una de las más fantásticas, ingeniosas y complicadas transcripciones jamás escritas para el piano.

Como un niño prodigio que se hizo famoso, siendo alumno privado de uno de los virtuosos más legendarios (Anton Rubinstein), Hofmann  llegó a disfrutar de una larga carrera como el pianista más famoso de su época. Schoenberg ha argumentado que Hofmann fue el más perfecto y posiblemente el más grande pianista del siglo 20.

Josef Hofmann murió en Los Ángeles, California en 1957. El Concurso de Piano Josef Hofmann, co-patrocinado por el Consejo Americano para la Cultura Polaca y la University of South Carolina Aiken se creó en su honor en 1994.

Luego de esta basta biografia...

Con ustedes una grabación de 1938 de Josef Hofmann interpretando el concierto para piano No. 1 de Chopin.

http://www.mediafire.com/download.php?hmz23qewx1d

Que la disfruten.

martes, 27 de octubre de 2009

Rachmaninoff - Elegiac Piano Trio No.1


El Trio elegiaco No.1 en sol menor es una composición para piano, violín y chello de Sergei Rachmaninoff. El trio fue escrito en del 18 al 21 de enero de 1892 en moscú, cuando el compositor tenía 19 años de edad. La premiere del trabajo fue el 30 de enero del mismo año, con el compositor al piano, David Dreyn en el violín y Aatoliy Brandukov en el Chello. La obra esperó hasta 1947 para que la primera edición saliera  a la luz, sin tener número de opus.
Este trio elegiaco fue consevido en un solo movimiento, en contraste con los demás trios para piano, que tienen tres o cuatro movimientos. Est movimiento tiene la clásica forma de una sonata, pero la exposición está construida sobre doce episodios que simetricamente serán representdos en la recapitulación. El tema elegiaco es presentado en la primera parte como un Lento lugubre por el piano. En las partes siguientes la elegía es presentada por el chello y el violín, mientras que el espiritu evoluciona constantemente (più vivo - con anima - appassionato - tempo rubato - risoluto). el tema de la última melodía es presentado como una marcha fúnebre.
A pesar de su juventud Rachmaninoff muestra su virtuosismo en el piano y su habilidad para cubrir una amplia gama de colores musicales.
Es una obra de belleza sublime, los pasajes con el chello son maravillosos. Les presento la grabación del trio Borodín (Rostislav Dubinsky - violin, Luba Edlina - piano, Yuli Turovsky - chello), grabación de 1984.


Que lo disfruten

lunes, 26 de octubre de 2009

Leonardo Da Vinci - La Gioconda


El cuadro La Gioconda, conocido también como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.


Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Que la disfruten...

viernes, 23 de octubre de 2009

Johann Strauss hijo - Grandes exitos


Johann Strauss II (25 de octubre de 1825, St. Ulrich, Viena - 3 de junio de 1899, Viena) fue un compositor austriaco conocido especialmente por sus valses, como El Danubio Azul. Hijo del compositor Johann Strauss I y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss, Johann II es el más famoso de la familia Strauss. Fue conocido en su vida como "el rey del vals" y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo.

La música de Strauss es interpretada regularmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, como resultado de los esfuerzos de Clemens Krauss quien realizó un programa especial dedicado a Strauss en 1929 con la orquesta vienesa. Varios intérpretes de Strauss, como Willi Boskovsky, continuaron la tradición de dirigir violín en mano como era costumbre en la familia Strauss, así como Herbert von Karajan y Riccardo Muti.

Con ustedes un disco de Grandes exitos de Johann Strauss hijo, interpretados por la orquesta de Filadelfia y dirigidos por Eugene Ormandy, en 1961.

Contiene: 
The Blue Danube - Waltz
Tritsch-Tratsch Polka
Tales from the Vienna Woods
Voices of Spring
Pizzicato Pola
The Emperor Waltz

http://www.mediafire.com/download.php?klmlmkyzwym

Que los disfruten, son obras muy conocidas en la música clásica.

martes, 20 de octubre de 2009

Rachmaninoff - Concierto para piano y orquesta No. 3 Op. 30


Les presento a un Gigante  entre los conciertos para Piano, que recién cumplió 100 años de existencia.
El concierto para piano n.º 3 en Re menor, Op. 30 de Sergéi Rajmáninov es famoso por su exigencia musical y técnica para el intérprete. Tiene la reputación de ser uno de los conciertos para piano más difíciles del repertorio pianístico. Compuesto en la quietud de su hacienda familiar, Ivanovka, Rajmáninov lo completó el 23 de septiembre de 1909 y se estrenó el 28 de noviembre del mismo año por la antigua Sociedad de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la batuta de Walter Damrosch y el propio compositor al piano.

(en la fotografía Rachmaninoff componiendo el tercer concierto en 1909)

Siguiendo la forma estándar de un concierto, la obra consta de tres movimientos:


Allegro ma non tanto (re menor)
Intermezzo: Adagio (fa ♯ menor/re ♭ mayor)
Finale: Alla breve (re menor → re mayor)

El tercer movimiento sigue al segundo sin pausa, lo que se denomina attacca subito. Una interpretación normal del concierto suele tener una duración de unos cuarenta minutos.

El compositor se proponía utilizarlo como una pieza para exhibir su talento como intérprete. De la misma época son la Sonata para piano n.º 1, el conocido poema sinfónico La Isla de los Muertos y la Liturgia de San Juan Crisóstomo.


El concierto es muy respetado e incluso temido por muchos pianistas. Józef Hofmann, a quien dedicó la obra, nunca lo interpretó públicamente, argumentando que "no era para él". Y Gary Graffman se lamentaba de no haber aprendido este concierto cuando fue estudiante, cuando "todavía era lo suficientemente joven para enfrentarse al miedo".

Por las restricciones de tiempo, Rajmáninov no pudo practicar la obra mientras estaba en Rusia, y lo hizo en un piano mudo que embarcó con él en su viaje a los Estados Unidos.

El concierto fue estrenado el 28 de noviembre de 1909 por la antigua Sociedad de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la batuta de Walter Damrosch y el propio compositor al piano. La siguiente representación la dirigió Gustav Mahler pocas semanas después, siendo "una excelente experiencia para el compositor".

La interpretación del concierto corre a cargo del pianista Lázar Berman y la orquesta sinfónica de Londres, dirigidos por el maestro Claudio Abbado, grabación de 1977.

Muchas gracias a nuestro amigo el cuervo lopez, blog del cual obtuve esta grabación de la obra. Les invito a visitar ese gran blog, contiene muchas obras muy buenas, y se puede aprender mucho de él.


Lázar Naúmovich Berman (San Petersburgo, 26 de febrero de 1930 - Florencia, 6 de febrero de 2005) fue un pianista de música clásica, discípulo de Sviatoslav Richter. Debutó en el Conservatorio de Moscú desde 1940 hasta 1957, en Londres en 1958 y en Nueva York en 1976. Son muy apreciadas sus interpretaciones de Liszt, Schumann, Chaikovski, Skriabin y Rajmáninov.
 
Esta interpretación es muy recomendada personalmente, porque encuentra en las manos del pianista un gran mensajero de los sentimientos que fueron escritos con el concierto.
 
 
 
 
 
Una nota sobre el pianista maravilloso a quien fué dedicado este concierto:
 

Józef Kazimierz Hofmann (nacido el 20 de enero, 1876 en Cracovia, Imperio Austrohúngaro; murió el 16 de febrero, 1957 en Los Angeles), fue virtuoso pianista y compositor polaco-americano. Los expertos en la materia lo consideran como uno de los mejores pianistas de todos los tiempos.
 


http://www.mediafire.com/download.php?ny3mhtumgxy


Que lo disfruten.

lunes, 19 de octubre de 2009

Alexander Scriabin - Concierto para Piano y Orquesta



El concierto para piano en Fa sostenido menor, op. 20, es una pieza temprana del compositor ruso Alexander Scriabin. Fue compuesto en 1896 y es el único concierto que escribió. El concierto tiene muchas dificultades técnicas, especialmente largos y rápidos arpeggios. A pesar de la popularidad de otras trabajos para piano de Scriabin, el concierto no se programa con regularidad en las salas de concierto.

La obra está estructurada en tres movimientos y típicamente tiene una duración aproximada de 28 minutos. Los movimientos son:

Alegro

Andante

Allegro moderato

En el primer movimiento el el piano introduce el tema principal y luego la orquesta lo repite mientras el piano la acompaña en octavas. En este movimiento las frases son largas y las melodías tienden a ser muy cromáticas, algo común en el estilo de Scriabin; también destaca su alta carga de síncopas y poliritmos.

El segundo movimiento es inusual porque toma la forma de un tema y cuatro variaciones (lo que cual en los conciertos suele asignarse a los terceros movimientos). La orquesta es la responsable de introducir el tema. El piano aparece en la primera variación acompañanado a la orquesta con arpegios y poliritmos cambiantes . La segunda variación es más rápida y destacan saltos en octavas en la mano izquierda. La tercera variación es una lenta marcha fúnebre. La cuarta variación posee una intrincada ornamentación y el clarinete acompaña en forma contrapuntística al solista. El movimiento termina con el regreso del tema, prácticamente en su forma original, a la orquesta y al piano.

En el tercer movimiento se desarrolla el tema principal del primer movimiento.


Aleksandr Nikoláyevich Skriabin (Moscú, 6 de enero de 1872 - Moscú 27 de abril de 1915), fue un compositor y pianista ruso. Scriabin nació en Moscú. Estudió piano a una temprana edad, tomando lecciones con Nikolái Zvérev que era al mismo tiempo profesor de Sergéi Rajmáninov. Estudió luego en el Conservatorio de Moscú con Antón Arenski, Sergéi Tanéyev, y Vasili Safónov. Se convirtió en un pianista notable a pesar de sus pequeñas manos que cubrían poco más de una octava. Scriabin se interesó sucesivamente en la teoría del Superhombre de Nietzsche y en la teosofía, y ambas teorías influyeron su música y su pensamiento musical. Entre 1909 y 1910 vivió en Bruselas, donde se interesó en el movimiento teosofista de Delville y profundizó en las lecturas de Helena Blavatsky. Scriabin falleció el 27 de abril de 1915 en Moscú a causa de Septicemia.


Que lo disfruten, un concierto muy bonito, bastante agradable al oido. Una muestra de música para todos los filósofos......

viernes, 16 de octubre de 2009

Dvorak - Concierto para violonchelo Op.104



El Concierto para violonchelo y orquesta en Si menor Op.104 (1895) es el más conocido concierto para violonchelo compuesto por Antonín Dvořák. Consta de tres movimientos:
Allegro 
Adagio ma non troppo 
Allegro moderato.
Pertenece al repertorio general de piezas para violonchelo y es uno de los más interpretados.


El concierto comienza con una introducción orquestal con dos temas, uno de ellos marcado por los clarinetes, y el otro por las trompas, y con este último se inicia la presentación del solo de violonchelo. El segundo movimiento empieza con con un pasaje interpretado por el viento, que se continúa con un fragmento interpretado por la cuerda, al que sigue el instrumento solista, con el que inicia un diálogo. El último movimiento comienza con una introducción similar a una marcha e inmediatamente después vuelve a entrar el violonchelo.

Dvořák inició su composición el 8 de noviembre de 1884 y le dio fin el 9 de febrero de 1895, lo que quiere decir que le dedicó los últimos meses de su estancia en Estados Unidos. Hay que recordar que, al aceptar la invitación de Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York, para que se hiciera cargo de la dirección de esta institución, se trasladó a América en 1892 y permaneció allí hasta el 30 de abril de 1895. No era el primer concierto que se proponía escribir para violonchelo; ya había escrito un concierto anterior, en La mayor, para este mismo instrumento solista en 1865, que no llegó a orquestar y del cual hay varias reconstrucciones.

Aunque concebido y escrito en Estados Unidos, este concierto no contiene elementos folclóricos americanos, como otras de sus obras allí compuestas, sino que rezuma esencias bohemias como si quisiera expresar su deseo de retorno a la patria. Por cierto, a su regreso se encontró con que su cuñada Josefina Čermáková se hallaba gravemente enferma y moría escasamente un mes después, el 27 de mayo de 1895. Dvořák, que había estado enamorado de ella en su juventud, antes de que se casara con su hermana Anna, y que la seguía queriendo entrañablemente, decidió tributarle un homenaje musical insertando en el centro del segundo movimiento, y evocándolo rápidamente al final, un tema de melancólica melodía extraído de su Lied Op.82 "Lasst mich allein in meinen Traümen gehn" que era la canción preferida de Josefina.

Este concierto se estrenó en el Queens Hall de Londres el 19 de marzo de 1896 bajo la batuta del propio compositor y con Leo Stern como solista.


La interpretación que les presento es de alto nivel, con la Orquesta sinfónica de Chicago dirigida por Daniel Baremboim y en el violonchelo Jacqueline du Pré. Grabación de 1970.



Que lo disfruten, una gran interpretación como siempre las hacia la señora du Pré.


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