miércoles, 28 de octubre de 2009

Jozef Hofmann - Chopin Concierto para Piano y Orquesta No.1



Józef Kazimierz Hofmann  nació el 20 de enero de  1876 y murió el  16 de febrero de 1957.  Fue un compositor, pianista virtuoso e inventor. Él es ampliamente considerado como uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos.
Su padre era el compositor, director y pianista Kazimierz Hofmann, y su madre era la cantante Matylda Pindelska. Fue un niño prodigio, que dio un recital de debut en Varsovia a la edad de 5 años. Dio una larga serie de conciertos en toda Europa y Escandinavia, que culminó en una serie de conciertos en Estados Unidos en 1887-88, donde se convirtió en una celebridad instantánea (a los doce años).  Después de escuchar (a los siete años de edad) tocar a Hofmann en Varsovia, el legendario músico ruso Anton Rubinstein, declaró que Hofmann era un niño prodigio como el mundo nunca antes habia visto. Por insistencia de Rubinstein ell empresario alemán Hermann Wolff ofreció una beca para el niño y mandarlo en una gira por Europa, pero el padre de Hofmann se negó a permitir los viajes de niño hasta que cumpliera 9 años de edad.
 A los 9 años, Hofmann dio conciertos en Alemania, Francia, Holanda, Noruega, Dinamarca, Suecia y Gran Bretaña.  El año siguiente, una gira por Estados Unidos fue organizada en la que el joven Josef Hofmann tocó ochenta conciertos, realizan cuatro presentaciones por semana y se convirtió en una celebridad en los medios de comunicación de los Estados Unidos. Después de todo este trabajo la Sociedad para la Prevención de la Crueldad a los Niños intervino citando la frágil salud de Hofmann.  Sin embargo, según el contrato de presentaciones de Hofmann él estaba legalmente obligado a completar el recorrido. Por último, el contrato se hizo nulo y sin efecto por Alfred Corning Clark, quien donó $ 50.000  y, a su vez, legalmente le prohibió a Hofmann actuar en público hasta que cumpliera  los 18 años.  El resto de la gira fue cancelada y la familia regresó a Alemania.

El legendario virtuoso ruso Anton Rubinstein tomó a Hofmann como su estudiante privado  en 1892 y dispuso el debut de Hofmann como adulto en Hamburgo, Alemania en 1894. Hofmann viajó y trabajó extensamente en los próximos 50 años, y fue el pianista más famoso de una gran parte de esta era.


Como inventor tenía más de 50 patentes en su haber y su invención de amortiguadores neumáticos para automóviles y aviones le valió una fortuna en el siglo 20.

Hofmann tenía manos pequeñas pero excepcionalmente fuertes. Steinway  le construyó un teclado personalizado con las teclas ligeramente más estrechas. A diferencia de su famoso maestro Rubinstein, Hofmann era tranquilo y poco demostrativo en el piano ya que  raramente levantaba las manos por encima del nivel del hombro. El enfoque y estilo de Hofmann probablemente se resume en su lema: "Un aristócrata nunca se apresura".  Hofmann se adhirió estrictamente a la partitura impresa y al sentimentalismo.


El repertorio de Hofmann se limita principalmente a la música publicada antes del inicio del siglo 20. En 1913 dió una serie de conciertos en  San Petersburgo, sin repetir una sola pieza, tocando 255 obras diferentes.
Una vez que había aprendido una pieza musical, al parecer en su mente y los dedos quedaba grabada para siempre.

En el diario que su esposa llevó durante su gira de 1909, ella menciona que Hofmann vió la partitura de las Variaciones sobre temas de Handel, escritas por Brahms; una pieza que no había tocado ni practicado, y que ni siquiera miró durante dos años y medio y que luego las interpretó en un concierto, sin un pensamiento o una vacilación.
Se dice que poseía la capacidad de Franz Liszt para escuchar una composición una sola vez y tocarla  de nuevo sin problemas, sin ver las notas impresas.  Maurice Aronson, quien se desempeñó como asistente del pianista Leopold Godowsky, relata como Hofmann aprendió la transcripción de Godowsky  sobre la opereta Fledermaus de Johann Strauss: Godowsky y Hofmann se reunieron en Berlín en 1900, convirtiéndose en amigos de toda la vida.  Hofmann visitó el estudio de  Godowsky y se sentó con la boca abierta, mientras Godowsky se encontraba trabajando sobre la transcripción del Fledermaus. El  padre de Hofmann un día  se encontró con Godowsky y le preguntó: "¿Qué has hecho con Josef? Él se sienta en casa todo el día y toca valses de Strauss."  Una semana después, Hofmann visitó Godowsky y tocó la transcripción completa, nota por nota. Hofmann, nunca había visto la partitura, de hecho, Godowsky aún no había anotado. Schoenberg ha señalado que la transcripición de Godowsky sobre el Fledermaus de Strauss es una de las más fantásticas, ingeniosas y complicadas transcripciones jamás escritas para el piano.

Como un niño prodigio que se hizo famoso, siendo alumno privado de uno de los virtuosos más legendarios (Anton Rubinstein), Hofmann  llegó a disfrutar de una larga carrera como el pianista más famoso de su época. Schoenberg ha argumentado que Hofmann fue el más perfecto y posiblemente el más grande pianista del siglo 20.

Josef Hofmann murió en Los Ángeles, California en 1957. El Concurso de Piano Josef Hofmann, co-patrocinado por el Consejo Americano para la Cultura Polaca y la University of South Carolina Aiken se creó en su honor en 1994.

Luego de esta basta biografia...

Con ustedes una grabación de 1938 de Josef Hofmann interpretando el concierto para piano No. 1 de Chopin.

http://www.mediafire.com/download.php?hmz23qewx1d

Que la disfruten.

martes, 27 de octubre de 2009

Rachmaninoff - Elegiac Piano Trio No.1


El Trio elegiaco No.1 en sol menor es una composición para piano, violín y chello de Sergei Rachmaninoff. El trio fue escrito en del 18 al 21 de enero de 1892 en moscú, cuando el compositor tenía 19 años de edad. La premiere del trabajo fue el 30 de enero del mismo año, con el compositor al piano, David Dreyn en el violín y Aatoliy Brandukov en el Chello. La obra esperó hasta 1947 para que la primera edición saliera  a la luz, sin tener número de opus.
Este trio elegiaco fue consevido en un solo movimiento, en contraste con los demás trios para piano, que tienen tres o cuatro movimientos. Est movimiento tiene la clásica forma de una sonata, pero la exposición está construida sobre doce episodios que simetricamente serán representdos en la recapitulación. El tema elegiaco es presentado en la primera parte como un Lento lugubre por el piano. En las partes siguientes la elegía es presentada por el chello y el violín, mientras que el espiritu evoluciona constantemente (più vivo - con anima - appassionato - tempo rubato - risoluto). el tema de la última melodía es presentado como una marcha fúnebre.
A pesar de su juventud Rachmaninoff muestra su virtuosismo en el piano y su habilidad para cubrir una amplia gama de colores musicales.
Es una obra de belleza sublime, los pasajes con el chello son maravillosos. Les presento la grabación del trio Borodín (Rostislav Dubinsky - violin, Luba Edlina - piano, Yuli Turovsky - chello), grabación de 1984.


Que lo disfruten

lunes, 26 de octubre de 2009

Leonardo Da Vinci - La Gioconda


El cuadro La Gioconda, conocido también como La Mona Lisa, La Monna Lisa o Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.


Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo y que su nombre era Lisa Gherardini.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el autor. La técnica usada fue el sfumato, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino en los misterios y enigmas que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, los enigmas como la identidad de la modelo o el secreto de su sonrisa, las múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Que la disfruten...

viernes, 23 de octubre de 2009

Johann Strauss hijo - Grandes exitos


Johann Strauss II (25 de octubre de 1825, St. Ulrich, Viena - 3 de junio de 1899, Viena) fue un compositor austriaco conocido especialmente por sus valses, como El Danubio Azul. Hijo del compositor Johann Strauss I y hermano de los compositores Josef Strauss y Eduard Strauss, Johann II es el más famoso de la familia Strauss. Fue conocido en su vida como "el rey del vals" y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo.

La música de Strauss es interpretada regularmente en el Concierto de Año Nuevo de la Orquesta Filarmónica de Viena, como resultado de los esfuerzos de Clemens Krauss quien realizó un programa especial dedicado a Strauss en 1929 con la orquesta vienesa. Varios intérpretes de Strauss, como Willi Boskovsky, continuaron la tradición de dirigir violín en mano como era costumbre en la familia Strauss, así como Herbert von Karajan y Riccardo Muti.

Con ustedes un disco de Grandes exitos de Johann Strauss hijo, interpretados por la orquesta de Filadelfia y dirigidos por Eugene Ormandy, en 1961.

Contiene: 
The Blue Danube - Waltz
Tritsch-Tratsch Polka
Tales from the Vienna Woods
Voices of Spring
Pizzicato Pola
The Emperor Waltz

http://www.mediafire.com/download.php?klmlmkyzwym

Que los disfruten, son obras muy conocidas en la música clásica.

martes, 20 de octubre de 2009

Rachmaninoff - Concierto para piano y orquesta No. 3 Op. 30


Les presento a un Gigante  entre los conciertos para Piano, que recién cumplió 100 años de existencia.
El concierto para piano n.º 3 en Re menor, Op. 30 de Sergéi Rajmáninov es famoso por su exigencia musical y técnica para el intérprete. Tiene la reputación de ser uno de los conciertos para piano más difíciles del repertorio pianístico. Compuesto en la quietud de su hacienda familiar, Ivanovka, Rajmáninov lo completó el 23 de septiembre de 1909 y se estrenó el 28 de noviembre del mismo año por la antigua Sociedad de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la batuta de Walter Damrosch y el propio compositor al piano.

(en la fotografía Rachmaninoff componiendo el tercer concierto en 1909)

Siguiendo la forma estándar de un concierto, la obra consta de tres movimientos:


Allegro ma non tanto (re menor)
Intermezzo: Adagio (fa ♯ menor/re ♭ mayor)
Finale: Alla breve (re menor → re mayor)

El tercer movimiento sigue al segundo sin pausa, lo que se denomina attacca subito. Una interpretación normal del concierto suele tener una duración de unos cuarenta minutos.

El compositor se proponía utilizarlo como una pieza para exhibir su talento como intérprete. De la misma época son la Sonata para piano n.º 1, el conocido poema sinfónico La Isla de los Muertos y la Liturgia de San Juan Crisóstomo.


El concierto es muy respetado e incluso temido por muchos pianistas. Józef Hofmann, a quien dedicó la obra, nunca lo interpretó públicamente, argumentando que "no era para él". Y Gary Graffman se lamentaba de no haber aprendido este concierto cuando fue estudiante, cuando "todavía era lo suficientemente joven para enfrentarse al miedo".

Por las restricciones de tiempo, Rajmáninov no pudo practicar la obra mientras estaba en Rusia, y lo hizo en un piano mudo que embarcó con él en su viaje a los Estados Unidos.

El concierto fue estrenado el 28 de noviembre de 1909 por la antigua Sociedad de la Orquesta Sinfónica de Nueva York, bajo la batuta de Walter Damrosch y el propio compositor al piano. La siguiente representación la dirigió Gustav Mahler pocas semanas después, siendo "una excelente experiencia para el compositor".

La interpretación del concierto corre a cargo del pianista Lázar Berman y la orquesta sinfónica de Londres, dirigidos por el maestro Claudio Abbado, grabación de 1977.

Muchas gracias a nuestro amigo el cuervo lopez, blog del cual obtuve esta grabación de la obra. Les invito a visitar ese gran blog, contiene muchas obras muy buenas, y se puede aprender mucho de él.


Lázar Naúmovich Berman (San Petersburgo, 26 de febrero de 1930 - Florencia, 6 de febrero de 2005) fue un pianista de música clásica, discípulo de Sviatoslav Richter. Debutó en el Conservatorio de Moscú desde 1940 hasta 1957, en Londres en 1958 y en Nueva York en 1976. Son muy apreciadas sus interpretaciones de Liszt, Schumann, Chaikovski, Skriabin y Rajmáninov.
 
Esta interpretación es muy recomendada personalmente, porque encuentra en las manos del pianista un gran mensajero de los sentimientos que fueron escritos con el concierto.
 
 
 
 
 
Una nota sobre el pianista maravilloso a quien fué dedicado este concierto:
 

Józef Kazimierz Hofmann (nacido el 20 de enero, 1876 en Cracovia, Imperio Austrohúngaro; murió el 16 de febrero, 1957 en Los Angeles), fue virtuoso pianista y compositor polaco-americano. Los expertos en la materia lo consideran como uno de los mejores pianistas de todos los tiempos.
 


http://www.mediafire.com/download.php?ny3mhtumgxy


Que lo disfruten.

lunes, 19 de octubre de 2009

Alexander Scriabin - Concierto para Piano y Orquesta



El concierto para piano en Fa sostenido menor, op. 20, es una pieza temprana del compositor ruso Alexander Scriabin. Fue compuesto en 1896 y es el único concierto que escribió. El concierto tiene muchas dificultades técnicas, especialmente largos y rápidos arpeggios. A pesar de la popularidad de otras trabajos para piano de Scriabin, el concierto no se programa con regularidad en las salas de concierto.

La obra está estructurada en tres movimientos y típicamente tiene una duración aproximada de 28 minutos. Los movimientos son:

Alegro

Andante

Allegro moderato

En el primer movimiento el el piano introduce el tema principal y luego la orquesta lo repite mientras el piano la acompaña en octavas. En este movimiento las frases son largas y las melodías tienden a ser muy cromáticas, algo común en el estilo de Scriabin; también destaca su alta carga de síncopas y poliritmos.

El segundo movimiento es inusual porque toma la forma de un tema y cuatro variaciones (lo que cual en los conciertos suele asignarse a los terceros movimientos). La orquesta es la responsable de introducir el tema. El piano aparece en la primera variación acompañanado a la orquesta con arpegios y poliritmos cambiantes . La segunda variación es más rápida y destacan saltos en octavas en la mano izquierda. La tercera variación es una lenta marcha fúnebre. La cuarta variación posee una intrincada ornamentación y el clarinete acompaña en forma contrapuntística al solista. El movimiento termina con el regreso del tema, prácticamente en su forma original, a la orquesta y al piano.

En el tercer movimiento se desarrolla el tema principal del primer movimiento.


Aleksandr Nikoláyevich Skriabin (Moscú, 6 de enero de 1872 - Moscú 27 de abril de 1915), fue un compositor y pianista ruso. Scriabin nació en Moscú. Estudió piano a una temprana edad, tomando lecciones con Nikolái Zvérev que era al mismo tiempo profesor de Sergéi Rajmáninov. Estudió luego en el Conservatorio de Moscú con Antón Arenski, Sergéi Tanéyev, y Vasili Safónov. Se convirtió en un pianista notable a pesar de sus pequeñas manos que cubrían poco más de una octava. Scriabin se interesó sucesivamente en la teoría del Superhombre de Nietzsche y en la teosofía, y ambas teorías influyeron su música y su pensamiento musical. Entre 1909 y 1910 vivió en Bruselas, donde se interesó en el movimiento teosofista de Delville y profundizó en las lecturas de Helena Blavatsky. Scriabin falleció el 27 de abril de 1915 en Moscú a causa de Septicemia.


Que lo disfruten, un concierto muy bonito, bastante agradable al oido. Una muestra de música para todos los filósofos......

viernes, 16 de octubre de 2009

Dvorak - Concierto para violonchelo Op.104



El Concierto para violonchelo y orquesta en Si menor Op.104 (1895) es el más conocido concierto para violonchelo compuesto por Antonín Dvořák. Consta de tres movimientos:
Allegro 
Adagio ma non troppo 
Allegro moderato.
Pertenece al repertorio general de piezas para violonchelo y es uno de los más interpretados.


El concierto comienza con una introducción orquestal con dos temas, uno de ellos marcado por los clarinetes, y el otro por las trompas, y con este último se inicia la presentación del solo de violonchelo. El segundo movimiento empieza con con un pasaje interpretado por el viento, que se continúa con un fragmento interpretado por la cuerda, al que sigue el instrumento solista, con el que inicia un diálogo. El último movimiento comienza con una introducción similar a una marcha e inmediatamente después vuelve a entrar el violonchelo.

Dvořák inició su composición el 8 de noviembre de 1884 y le dio fin el 9 de febrero de 1895, lo que quiere decir que le dedicó los últimos meses de su estancia en Estados Unidos. Hay que recordar que, al aceptar la invitación de Jeannette Thurber, fundadora del Conservatorio de Nueva York, para que se hiciera cargo de la dirección de esta institución, se trasladó a América en 1892 y permaneció allí hasta el 30 de abril de 1895. No era el primer concierto que se proponía escribir para violonchelo; ya había escrito un concierto anterior, en La mayor, para este mismo instrumento solista en 1865, que no llegó a orquestar y del cual hay varias reconstrucciones.

Aunque concebido y escrito en Estados Unidos, este concierto no contiene elementos folclóricos americanos, como otras de sus obras allí compuestas, sino que rezuma esencias bohemias como si quisiera expresar su deseo de retorno a la patria. Por cierto, a su regreso se encontró con que su cuñada Josefina Čermáková se hallaba gravemente enferma y moría escasamente un mes después, el 27 de mayo de 1895. Dvořák, que había estado enamorado de ella en su juventud, antes de que se casara con su hermana Anna, y que la seguía queriendo entrañablemente, decidió tributarle un homenaje musical insertando en el centro del segundo movimiento, y evocándolo rápidamente al final, un tema de melancólica melodía extraído de su Lied Op.82 "Lasst mich allein in meinen Traümen gehn" que era la canción preferida de Josefina.

Este concierto se estrenó en el Queens Hall de Londres el 19 de marzo de 1896 bajo la batuta del propio compositor y con Leo Stern como solista.


La interpretación que les presento es de alto nivel, con la Orquesta sinfónica de Chicago dirigida por Daniel Baremboim y en el violonchelo Jacqueline du Pré. Grabación de 1970.



Que lo disfruten, una gran interpretación como siempre las hacia la señora du Pré.


miércoles, 14 de octubre de 2009

Chopin - Nocturno Op.9 No.2


Es mi deseo presentar a todos los visitantes del blog, esta versión del Nocturno Op. 9 n.º 2, en mi bemol mayor de Frederic Chopin, este conocido nocturno presenta una forma de rondó, aunque la primera parte se repite de manera más ornamentada antes del comienzo de la segunda parte. Cada vez que se repite se vuelve a emplear ornamentación. Así, de esta manera, el nocturno tiene una forma A-A'-B-A'-B-A'-C.
El tempo indicado es un tranquilo andante, algo totalmente inusual al tratarse de un rondó. El resultado es una melodía tierna y que da la sensación de fluir lentamente. La sección final, concretamente desde el penúltimo pentagrama, se debe tocar con un extraño senza tempo, es decir, ‘sin tempo’.

http://www.mediafire.com/download.php?0jxmymmjzyz

Esta interpretación fue grabada en 1927 y tocada por Sergei Rachmaninoff, toda una maravilla.
En las manos de Rachmaninoff............Que la disfruten.

Beethoven - Quinta sinfonía



La Sinfonía n.º 5 en do menor, Opus 67 de Ludwig van Beethoven fue compuesta entre 1804 y 1808. Desde su estreno en el Theater an der Wien de Viena el 22 de diciembre de 1808, dirigida por el compositor, la obra adquirió un notorio prestigio, que aún continúa en la actualidad. De hecho, se trata de una de las composiciones más populares y conocidas de la música clásica, y una de las más interpretadas del autor.
Tiene la forma usual de la sinfonía clásica, en cuatro movimientos: empieza con un allegro de sonata, continúa con un andante y finaliza con un scherzo ininterrumpido, que comprende las dos últimas partes (scherzo y finale). Comienza con un motivo muy característico de cuatro notas 'corto-corto-corto-largo' (ta-ta-ta-taa), repetido dos veces


La sinfonía, y este motivo en particular, son conocídisimos mundialmente.

La obra fue comisionada por el conde Franz von Oppersdorff en junio de 1807, complacido por la Sinfonía n.º 4 que también había encargado. Le pagó en total 500 florines, primero un adelanto de 200 y el resto en noviembre de 1808, cuando Beethoven le entregó la partitura completa, y le otorgó el uso exclusivo por seis meses. Sin embargo, dedicó la sinfonía a dos de sus patrones y amigos, al príncipe Joseph Franz von Lobkowitz y al entonces conde Andrey Razumovsky. Oppersdorff no volvió a comisionar más obras a Beethoven.

Hubo poca respuesta crítica en el estreno, que tuvo lugar en condiciones adversas. La orquesta no tocó bien - sólo tenía un ensayo antes del concierto - , la sala de conciertos era muy fría, y la longitud del programa terminó por agotar al público. Sin embargo, un año y medio después, otra ejecución generó una crítica entusiasta de E.T.A. Hoffmann en el Allgemeine Musikalische Zeitung. Describió la música con imágenes dramáticas:




Luces radiantes son lanzadas hacia la profunda noche de esta zona, y entonces advertimos en las sombras gigantescas que, oscilando hacia adelante y hacia atrás, se acercan hacia nosotros y destruye todo lo que hay dentro de nosotros excepto la angustia del eterno anhelo - un anhelo que en cada placer que surge en sonidos jubilosos termina por hundirse y sucumbir. Sólo a través de este dolor, que, mientras va consumiendo mas no destruyendo al amor, a la esperanza y la alegría, intenta hacer estallar nuestros pechos con un lamento total lleno de voces de todas las pasiones, y vive en nosotros y somos cautivados por los guardianes de los espíritus.

La Sinfonía pronto adquirió su condición de pieza central en el repertorio. Como emblema de la música clásica, si lo fue, la Quinta fue tocada en los conciertos inaugurales de la Orquesta Filarmónica de Nueva York el 7 de diciembre de 1842, y en el de la Orquesta Sinfónica Nacional de Estados Unidos el 2 de noviembre de 1931. En Latinoamérica el concierto inaugural de la Orquesta Sinfónica Nacional del Perú en 1938 en el Teatro Municipal de Lima, bajo la dirección de Theo Buchwald incluyó la Quinta Sinfonía. Marcando un punto de quiebre tanto por su impacto técnico como emocional, la Quinta ha tenido una gran influencia en los compositores y los críticos musicales, y ha inspirado la obra de compositores tales como Johannes Brahms, Piotr Ilich Tchaikovsky (en particular en su Sinfonía n.º 4), Anton Bruckner, Gustav Mahler y Hector Berlioz. "Cada sinfonía significativa desde entonces ha sido escrita bajo su influencia o como reacción en contra de ésta". La Quinta permanece junto a las Tercera y Novena Sinfonía como la más revolucionaria de las composiciones de Beethoven.

La sinfonía cuenta con cuatro movimientos:
Allegro con brio
Andante con moto
Scherzo: Allegro
Finale: Allegro
 
Les presento la Quinta sinfonía de Beethoven, dirigida por el gran director Carlos Kleiber, a cargo de la orquesta Filarmónica de Viena. Una grabación considerada a menudo "versión definitiva".
 
 
Carlos Kleiber (Berlín, 3 de julio de 1930 - Konjšica, Eslovenia, 13 de julio de 2004) fue un director de orquesta nacido en Alemania y posteriomente nacionalizado austríaco.  Hijo del director de orquesta austríaco Erich Kleiber y de la estadounidense - de origen esloveno - Ruth Goodrich, el pequeño Carlos demostró desde muy temprana edad aptitudes innatas para la música durante su infancia. Debido a las tensiones existentes entre Erich Kleiber y el régimen del III Reich, el director renunció a su puesto al frente de la Ópera Alemana de Berlín y se exilió en Buenos Aires, Argentina, país que ya había visitado durante varias de sus giras por el continente americano (1926, 1927, 1928) y donde conoció a su esposa, la madre de sus hijos Carlos y Verónica. En Argentina, Karl Kleiber se convirtió en Carlos Kleiber.

Carlos comenzó sus estudios musicales en Buenos Aires, aunque su padre se opuso frontalmente desde un principio a que su hijo se dedicase profesionalmente a la música en general, y a la dirección de orquesta en particular. Carlos debutó a los 20 años en el Teatro Colón y el Teatro Argentino de La Plata, regresando poco después a Suiza donde estudió Química para complacer a su padre.


En 1953, con 23 años, regresa a Europa y trabaja en el Teatro Gärtnerplatz de Munich. Sólo firmó contratos fijos con las orquestas de Postdam, Zúrich, Stuttgart y Düsseldorf en la Deutsche Oper am Rhein en 1966 y su nombre comenzó a disputarse entre las grandes orquestas europeas.

Con el tiempo, Carlos se convirtió en el más elusivo y requerido de los directores de orquesta de la última mitad del siglo.


Al deceso de Herbert von Karajan le fue ofrecido sucederlo al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín pero el rechazó la oferta. Nunca concedió un reportaje y cancelaba sus actuaciones a menudo. Es una figura de culto.

Casado con la bailarina Stanislva Brezovar (1937-2003), tuvo dos hijos, Marko y Lilian.

Al morir su esposa, la vida de Kleiber se apagó rápidamente muriendo meses después. Ambos están enterrados en Litija, Eslovenia.

http://www.mediafire.com/download.php?lzjzuvjy1yj

Que la disfruten, como la gran obra de la música que es.

lunes, 12 de octubre de 2009

Beethoven - Triple concierto


El concierto para violín, violonchelo y piano en do mayor, op. 56, es una pieza escrita por Ludwig van Beethoven y conocida comúnmente como su triple concierto. Fue compuesta entre 1804 y 1805. Fue estrenado en 1808 en los conciertos de verano "Augarten" de Viena.


Este es el único concierto que compuso Beethoven para más de un instrumento solista. Uno de los primeros biografos del compositor, Anton Schindler, sostenía que el Triple concierto fue escrito para el pupilo de Beethoven, el Archiduque Rodolfo (Rudolf von Habsburg-Lothringen). El Archiduque, que bajo el tutelaje de Beethoven logró ser un consumado pianista y compositor, era apenas un joven cuando se compuso la pieza, y esta sería la razón por la cual la parte para piano es a la vez vistoza y fácil, soportada por otros dos solistas más maduros y hábiles. Sin embargo, no hay conocimiento de que Rodolfo interpretara la pieza. Al momento de su publicación, la dedicatoria era para otro de sus mecenas, el Príncipe Lobkowitz (Franz Joseph Maximilian Fürst von Lobkowitz).

Además del violín, violonchelo y piano solistas, la pieza está orquestada para una flauta, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas, tímpano y cuerdas.

Se divide en tres movimientos:

Allegro
Largo (attacca)
Rondo alla polacca

Les presento una interpretación de lujo, con los solistas: Oistrakh (violin), Rostropovich (chello), Richter(piano), con la Orquesta filarmónica de Berlín y bajo la dirección del maestro Herbert von Karajan.

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Que la disfruten, Gracias al Dr. Perez.....

domingo, 11 de octubre de 2009

Tchaikovsky - Concierto para violin y orquesta


El Concierto para violín y orquesta sinfónica en re mayor Opus 35 de Piotr Ilich Chaikovski es uno de los conciertos para violín más populares. También está considerado como una de las obras más difíciles para violín.
La obra fue compuesta en marzo de 1878 en Clarens, un lugar vacacional en Suiza a las orillas del lago Lemán donde Chaikovski fue a recuperarse de una depresión surgida por su desastroso matrimonio con Antonina Ivanovna Milyukova que le llevó a un intento de suicidio (Chaikovski era homosexual y se casó con Milyukova para escapar de las dudas). Acababa de terminar su Sinfonía nº 4 y su ópera Eugenio Oneguin.


Chaikovski estaba acompañado por su alumno de composición, el violinista Iósif Kotek, y los dos tocaban obras para violín y piano juntos, entre estas obras para violin figuraba la Sinfonía Española de Eduardo Lalo, compositor Frances, (la sinfonía española es una bellisima y muy lírica sinfonía para violín y orquesta) lo que pudo ser el catalizador para la composición del concierto. Chaikovski no era violinista, fue asesorado para la composición de la parte solista por Kotek. Hizo rápidos progresos - esbozó la obra en 11 días y la terminó en dos semanas más -, y la obra estaba finalizada en un mes



Kotek no tenía aún el suficiente prestigio como para estrenar la obra, así que Chaikovski inicialmente ofreció el estreno a Leopold Auer, y acordó dedicárselo a él. Auer lo rechazó, argumentando que la obra tenia pasajes que no habían sido escritos adecuadamente, que al interpretarlos en el violín, éste no sonaria como Tchaikovsky pensó. Esto significó que el estreno planeado para marzo de 1879 fuese cancelado y que se buscara otro nuevo solista. Finalmente el estreno lo dio Adolph Brodsky (Chaikovski cambió la dedicatoria hacia él) el 22 de noviembre/4 de diciembre de 1881, en Viena, Austria bajo la dirección de Hans Richter, pero con poco ensayo y pobremente acompañado. La reacción de la crítica fue mixta, y la obra ciertamente no fue recibida como la obra maestra que es considerada hoy.

En la fotografia Tchaikovsky y Iósif Kotek en 1877


La obra tiene tres movimientos


Allegro moderato
Canzonetta: Andante
Allegro vivacissimo


Que lo disfruten, realmente es un maravilloso concierto para violin, con un gran interprete.




miércoles, 7 de octubre de 2009

TEST DE AUDICIÓN

En el siguiente enlace encontrarán la dirección de una página, donde hay una prueba de habilidad auditiva, muy interesante

martes, 6 de octubre de 2009

Bach - Concierto para dos Violines Interpretación de Jascha Heifetz y Erick Friedman


Ahora les presento la versión del concierto grabada por el gran violinista Jascha Heifetz y su alumno Erick Friedman en 1961. En la fotografia, Jascha Heifetz y Erick Friedman durante la grabación del concierto el 19 - 20 de mayo de 1961 en Londres.


Erick Friedman (16 de agosto de 1939 - 30 de marzo de 2004) fue un violínista estadounidense y profesor de música en la Universidad de Yale. Nació en Newark, New Jersey.


Comenzó a tocar el violín a los seis años de edad. Fue alumno de Samuel Applebaum, Ivan Galamian, Nathan Milstein y Jascha Heifetz. En 1960, firmó con la casa RCA Victor y en 1961 grabó el Concierto para dos violines de Bach junto a su maestro Heifetz. Participó con diversas orquestas sinfónicas, entre ellas la de Bostón, Chicago y Londres.

A finales de la década de 1980 sufrió un accidente automovilístico, en el cual se lastimó el hombro y la mano izquierda. Se dedicó a la docencia como profesor de música en la Universidad de Yale.  En 1996 ganó el premio Grammy por su albúm "The Heifetz Collection". En el año 2000, ganó el premio Ignace J. Paderewski, el cual le fue otorgado por sus distinguidas contribuciones a la sociedad y la cultura. En 2004, murió a consecuencia de cáncer en New Haven, Connecticut.




Jascha Heifetz, virtuoso del violín, nacido en Vilna, Lituania (2 de febrero de 1901 – 10 de diciembre, de 1987), fue uno de los violinistas más notables del Siglo XX y de todos los tiempos.


Jascha tuvo su primer contacto con el violín a los tres años, siendo su padre su primer profesor. A los cinco años Jascha comenzó a estudiar con Ilya D. Malkin, uno de los pupilos de Leopold Auer. Fue un niño prodigio e hizo su debut público a los 7 años en Kovno, (actualmente Kaunas, Lituania) tocando el Concierto para violín en E menor de Felix Mendelssohn. Heifetz ingresó en 1910 en el Conservatorio de San Petersburgo para estudiar con Leopold Auer.


El 27 de octubre de 1917, Heifetz tocó por primera vez en los Estados Unidos, en un concierto celebrado en el Carnegie Hall, causando sensación inmediatamente. Su colega violinista Mischa Elman, presente entre el público le preguntó al hombre que ocupaba la butaca de al lado: "¿No cree que hace calor aquí?", a lo que Leopold Godowsky (gran pianista polaco) , que era precisamente su compañero de fila, replicó imperturbable: "No para los pianistas."


Heifetz está entre los grandes violinistas del Siglo XX. Contaba con una técnica inmaculada que, unida a su belleza tonal, hace que muchos violinistas sigan considerándolo un violinista de facultades inalcanzables. No obstante, era corriente que esta técnica cercana a la perfección y su conducta conservadora en el escenario atrajeran algunas críticas que lo acusaban de ser demasiado mecánico e incluso frío.
 
Tras una operación en el hombro derecho parcialmente satisfactoria llevada a cabo en 1972, Heifetz dejó de dar conciertos y de realizar grabaciones. Aunque su habilidad permaneció intacta hasta el fin de sus días y continuó tocando el violín de forma privada hasta el final, el brazo del arco quedó afectado y en consecuencia nunca pudo volver a manejar el arco como antes.


Heifetz se dedicó a la pedagogía del violín con mucha intensidad, primero en el UCLA, y después en la University of Southern California.  Durante unos pocos años también dio clases en su estudio privado de su domicilio de Beverly Hills.
Heifetz falleció en el Cedars-Sinai Medical Center, en Los Angeles, California.

Heifetz tuvo varios violines de gran valor, los más destacados son el Stradivarius Dolphin Stradivarius de 1714, el Stradivarius "Piel" de 1731, the Carlo Tononi de 1736, y el Guarneri de 1742 ex David, del Gesù, éste último era su preferido y el que conservó hasta su muerte.

En 1989 Heifetz recibió un grammy póstumo en reconocimiento a toda su carrera.


Luego de los resúmenes bibliográficos, vamos con el link para la descarga, de esta grabación histórica de el doble concierto para violin de Bach BWV 1043.
http://www.mediafire.com/download.php?t5wjkezztqq

Que lo disfruten, y vuelvan a escuchar a Heifetz.

Bach - Concierto para dos violines


El Concierto para dos violines o Doble Concierto para Violín (BWV 1043) es tal vez una de las obras más famosas y reconocidas de Johann Sebastian Bach y considerada una de las obras maestras del Barroco. Bach la compuso en Leipzig entre 1730 y 1731, probablemente para ser interpreteada por el Leipzig Collegium Musicum. También existe como un arreglo para dos clavicémbalos, transpuesta a la tonalidad de Do menor (BWV 1062).


El concierto se caracteriza por la relación entre los dos violines solistas, la cual es más notable en el movimiento más famoso, el expresivo Largo ma non tanto. En este movimiento, la orquesta de cuerdas se limita a tocar acordes para dejar todo el protagonismo a los solistas.

El concierto está compuesto de tres movimientos:

Vivace
Largo ma non tanto
Allegro



Que lo disfruten, es un bellísimo concierto, una obra maestra de Bach.

domingo, 4 de octubre de 2009

FRASES SOBRE BACH

«Lo que Newton fue como científico, Bach lo fue como músico»

C. F. Daniel Schubart, 1784-1785

«La música de Bach es algo que hay que aprender»

Wolfgang Amadeus Mozart


«La música le debe tanto como la religión a su fundador»

Robert Schumann S. XIX


«La figura de Bach es central en la historia de la música, o dicho de otro modo, Bach es el epicentro de la música occidental»

Antoni Ros-Marbà, 2000

«La chacona BWV 1004 es en mi opinión una de las más maravillosas y misteriosas obras de la historia de la música. Adaptando la técnica a un pequeño instrumento, un hombre describe un completo mundo con los pensamientos más profundos y los sentimientos más poderosos. Si yo pudiese imaginarme a mí mismo escribiendo, o incluso concibiendo tal obra, estoy seguro de que la excitación extrema y la tensión emocional me volverían loco»

Johannes Brahms S. XIX

«Inicialmente estaba Bach..., y entonces todos los otros»

Pau Casals S. XX
 

Bach - Violin concierto No. 2



El segundo concierto para violin  en mi mayor BWV 1041 de Johann Sebastian Bach, fue compuesto para violin, cuerdas y continuo y tiene tres movimientos:
Allegro
Adagio
Allegro assai

http://www.mediafire.com/download.php?1ii2gjunwmj

Que lo disfruten, es más famoso que el concierto No. 1. Muy Barroco también.

Bach - Violin Concierto No. 1



Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados).

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Mas de 1000 obras numeradas en la actualidad.


Los tres conciertos para violín que se conservan son los números BWV 1041 en la menor, 1042 en mi mayor y 1043 en re menor. Aunque los dos primeros fueron escritos para violín solista y el tercero para dos violines, el acompañamiento es igual en los tres: dos violines, viola, violoncelo y continuo. Su fecha de composición debe fijarse durante los años de estancia en Köthen (1717-23), sin que sea posible establecerla más en concreto.

El concierto para violin en La menor de J. S. Bach, BWV 1041 está dividido en tres movimientos
Allegro moderato
Andante
Allegro assai

Un concierto típico del Barroco. Extremadamente bueno.

http://www.mediafire.com/download.php?vettkwmiiyq

Que lo disfruten

sábado, 3 de octubre de 2009

Chopin - Concierto para piano y orquesta No. 1


El concierto para piano y orquesta  No. 1 in E minor, Op. 11, del compositor polaco Frédéric Chopin fue compuesto en 1830. Se ejecutó por primera vez el 11 de octubre del mismo año, durante la gira de despedida de Chopin antes de salir de Polonia. El concierto está dedicado a Friedrich Kalkbrenner.

quien fue un pianista y compositor aleman desarrollador de  una técnica pianística que permitía mantener la fuerza del músico en los dedos y las manos, en lugar del antebrazo. Esta técnica fue usada por su alumno Camille Stamaty, que enseñó a su vez a Camille Saint-Saëns.


Fue el primer concerto para piano y orquesta de Chopin en ser publicado, pero en realidad fue escrito después del concierto para piano y orquesta No. 2.

Consta de los tres movimientos típicos de los concertos instrumentales del período:

1. Allegro maestoso
2. Romance - Larghetto
3. Rondo - Vivace

Sobre el segundo movimiento Romance del Op. 11, Chopin escribiría a un amigo: “Es como soñar despierto en una hermosa noche de primavera a la luz de la luna... De ahí también el acompañamiento con sordina”.


La interpretación que les presento es en manos de el gran pianista Emil Gilels (1916-1985). Una maravilla de concierto, especialmente el segundo movimiento. Para los y las románticos (as)...............


Que lo disfruten


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