Música Clásica

Beethoven El emperador

2012-02-05T08:31:00.001-06:00

Sergiu Celibidache

(Roman, 1912 - París, 1996) Director de orquesta y musicólogo rumano nacionalizado alemán. Uno de los grandes de la batuta del siglo XX, si no el mayor, este director rumano fue el único que apenas pisó un estudio de grabación. Su posición en esta cuestión, como en muchas otras, era tajante: la música es algo que hay que escuchar en vivo y cualquier registro de ella es siempre una falsificación. Su mal carácter era mítico, así como su exigencia de múltiples ensayos, lo que provocó que pocas orquestas estuvieran dispuestas a concederle su titularidad, si bien desde 1979 hasta su muerte estuvo relacionado con la Filarmónica de Munich. Aunque su repertorio era muy extenso, su famosa lentitud de tempo y su innato mantenimiento de la tensión sonora hacían que obtuviera sus mejores resultados en compositores como Bruckner.

Creció en la ciudad moldava de Iassy y recibió sus primeras clases de piano a edad temprana. Fue en este tiempo cuando empezó a interesarse por la composición musical. Tras estudiar matemáticas y filosofía en Iassy, Bucarest y París, en 1936 viajó a Alemania para tomar clases de composición en la Academia de la Música de Berlín bajo la supervisión de Heinz Thiessen.

Al tiempo que proseguía su formación musical, centró sus investigaciones en la mecánica de las ondas sonoras. En la Universidad se interesó por los problemas concernientes a la musicología (bajo el tutelaje de Arnold Schering y Georg Schunemann), así como por los principios filosóficos (sus tutores fueron Nicolai Hartmann y Eduard Spranger). Fue en ese período cuando se sintió atraído por el budismo zen. En Berlín consiguió doctorarse con una tesis sobre Josquin des Prés.

A partir de 1939 y hasta 1945 estudió en el Colegio de Música de Berlín con profesores de la talla de Fritz Stein, Kurt Thomas y Walter Gmeindl. Tras completar sus estudios, colaboró con la Orquesta Filarmónica de Berlín; el director anterior, Wilhem Furtwangler, fue suspendido por colaboracionismo y no recibió permiso para llevar a cabo funciones públicas. Durante tres años dirigió la mayoría de los conciertos de la famosa orquesta y probó su excepcional personalidad.

Tras el retorno de Furtwangler como director principal, Celibidache trabajó principalmente, por un largo período de tiempo, como director invitado, sin pertenecer a ninguna orquesta en particular, ya que sus demandas eran muy difíciles de satisfacer; no era partidario de hacer concesiones a los músicos o la audiencia. Continuó trabajando principalmente con las orquestas berlinesas (la Filarmónica y la RIAS Berlín Radio Orquesta).

Tras el nombramiento de Von Karajan como director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín en 1954, Celibidache, por discrepancias por la elección, se negó a dirigirla, decisión que mantuvo a lo largo de treinta y siete años. A partir de ese momento estuvo dirigiendo a diferentes orquestas italianas (Orquesta y Coros de la RAI y la Orquesta de la Scala de Milán). En 1952 dirigió la primera audición de la Orquesta Nacional de España.

En 1959, su labor continuó con regulares colaboraciones con la Radio Orquesta de Stuttgart. También desarrolló una importante labor lectiva y así, entre 1960 y 1962, impartió cursos magistrales en la Accademia Musicale Chigiana de Siena. A finales de ese mismo año estaba previsto que se convirtiera en director de la Orquesta Sinfónica de Radio Estocolmo, en la cual iba a llevar a cabo una labor de remodelación que no finalizó hasta 1971. De 1973 a 1975 fue el principal director invitado de la Orquesta Nacional Francesa.

Su vuelta a tierras alemanas se produjo en 1979, cuando fue elegido para el puesto de director artístico de la Orquesta Filarmónica de Múnich, que convirtió en una de las mejores del mundo. Al mismo tiempo se le otorgó el puesto de director general musical de la ciudad. Desde ese momento no volvió a trabajar con otras orquestas, salvo en ocasiones excepcionales, como dos conciertos de caridad con la Orquesta Filarmónica de Berlín en marzo de 1992. A pesar de estar gravemente enfermo, no paró de dirigir hasta el mismo momento de su muerte.

Celibidache también compuso diversas obras, pero rehusó interpretar sus composiciones. Contrario a los discos de vinilo, puesto que sentía que ofrecían una versión de menor calidad, en los últimos años de su vida grabó algunos vídeos y CDs: la Sexta, Séptima y Octava sinfonías de Anton Bruckner, además de la Sinfonía Clásica de Sergei Prokofiev, y dos conciertos de piano de Johannes Brahms con el piano solista de Daniel Barenboim.

Su nombramiento como Profesor Honorario de la Capital Federal de Berlín y la concesión de la Orden del Mérito Bávaro están entre los muchos premios y menciones recibidas. Igualmente se le hizo "Hijo predilecto" de su ciudad natal (Iassy), así como el doctor honoris causa de la Academia del Arte de Iassy. En su 80 cumpleaños se le otorgó la Gran Cruz de Distinción de la Orden de Méritos de la República Federal Alemana y se le hizo ciudadano predilecto de la ciudad de Múnich.

Luego de esta biografia de Sergiu Celibidache, los dejo con la interpretación que grabó en 1975 del Concierto para piano No. 5 de Beethoven con la Orquesta sinfónica de Paris y al piano el maestro Arturo Benedetti Michelangeli. La calidad de la interpretación es magnífica, una verdadera joya de la música.

Emperador

Que la disfruten

Leopold Stokowski - Musica Rusa

2012-01-16T06:07:00.004-06:00

Leopold Stokowski (Londres 18 de abril de 1882- Nether Wallop, EE.UU., 13 de septiembre de 1977). Fue un director de orquesta inglés.

Estudio en el Royal College of Music con Hubert Parry y Charles Stanford. Más tarde se trasladó al Queen's College de Oxford, y completó sus estudios en París, Berlín y Münich. Debutó en París en 1908. Luego, pasó a dirigir la Orquesta Sinfónica de Cincinnati, EE.UU. hasta 1912, donde entró a la Orquesta de Filadelfia donde duró cerca de 25 años como director.

En esta última orquesta tuvo su brillo más alto la carrera de Stokowski, llegando a crear el llamado sonido Filadelfia por la audacia de sus creaciones como por la versatilidad y teatralidad de sus presentaciones.

Realizó grandes producciones musicales para el cine. Su nombre está asociado a la producción del sonido estereófonico. Participó en la película Fantasía de Disney dirigiendo la Banda sonora con la orquesta de Filadelfia en las 8 composiciones de música clásica de que consta dicho film.

Fundó orquestas como la All-American Youth Orchestra (1940), la New York Symphony (1944), la Hollywood Bowl Symphony (1945). Fue por cinco temporadas director principal de Houston Symphony (1955-60).

Stokowski

Que lo disfruten

Nathan Milstein

2011-12-27T18:41:00.000-06:00

Les presento un disco maravilloso, interpretaciones magníficas del concierto para violin de Tchaikovsky y del concierto para violin de Brahms, en las manos del maestro Nathan Milstein.

Que los disfruten, altamente recomendados.

Tchaikovsky/Brahms

Ruggiero Ricci - Paganini 24 Caprichos - Op 1

2011-12-17T09:44:00.000-06:00

Ruggiero Ricci (San Bruno, 24 de julio de 1918) es un violinista italoestadounidense, conocido especialmente por sus interpretaciones y grabaciones de las obras de Paganini.

Ruggiero Ricci nació en San Bruno, California, hijo de inmigrantes italianos; recibió sus primeras clases de violín de su padre. A los siete años empezó a estudiar con Louis Persinger y Elizabeth Lackey; Persinger se convirtió en su pianista acompañante en muchos recitales y grabaciones.

Ricci dio su primer concierto en público a la edad de 10 años, en San Francisco; tocó obras de Henryk Wieniawski y Henri Vieuxtemps. A partir de entonces se ganó una reputación de niño prodigio. A los 11 años dio su primer concierto con orquesta, en el que tocó el Concierto para violín de Mendelssohn, y poco después debutó en el Carnegie Hall.

En 1947, Ricci se convirtió en el primer violinista en grabar todos los Caprichos de Niccolò Paganini, con la discográfica Shellac (desde entonces ha hecho otras tres grabaciones de los caprichos). Tras su época en el servicio militar, redescubrió muchas piezas de compositores del siglo XIX; también ha estrenado muchas obras de compositores contemporáneos.

Les presento una de sus interpretaciones de los caprichos para violin solo de Nicolo Paganini, Magnífica interpretación, él es un experto en Paganini.

Caprichos

Que los disfruten

Bach - Transcripciones

2011-11-27T22:36:00.001-06:00

Les presento un disco muy interesante que contiene transcripciones de obras originalmente escritas por Johann Sebastian Bach y transcriptas para orquesta por diversos compositores de la talla de: Sir Edward Elgar, Leopold Stokowsky, Gustav Mahler. En la batuta el director finés Esa-Pekka Salonen.

Transcripciones

Que lo disfruten

Rachmaninoff - Sinfonia No. 3 - Maurice Abravanel

2011-11-19T20:07:00.001-06:00

Les presento la interpretación de la Tercera Sinfonía de Sergei Rachmaninoff, esta vez a cargo del maestro Maurice Abravanel (1903 - 1993).

La villa Senar de Sergei Rachmaninoff

Vila Senar en 1939.

Sinfonia No. 3

Que la disfruten

Rostropovich - Bach Suites para violonchelo solo

2011-10-13T23:33:00.000-05:00

Las Seis Suites a Violoncello Solo senza Basso BWV 1007-1012, compuestas por Johann Sebastian Bach, son unánimemente consideradas como una de las mayores obras para violonchelo jamás escritas. Prácticamente relegadas a una mera función didáctica hasta su "redescubrimiento" por parte de Pau Casals, a finales del siglo XIX, se han convertido con el paso de las décadas en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas. Aunque resulta difícil establecer con exactitud cuándo fueron compuestas, sabemos que las suites vieron la luz durante el llamado "período de Cöthen", cuando Bach ejercía como maestro de capilla en la corte del príncipe Leopold. A diferencia de la otra gran colección bachiana para instrumento de cuerda solo, las seis Sonatas y partitas para violín, no conservamos el manuscrito del propio compositor, sino una copia redactada por su segunda esposa, Ana Magdalena, y que debemos fechar en torno a 1720 o 1721. Cada una de las suites se divide en seis movimientos, siguiendo una estructura fija: un preludio inicial (que en la mayoría de casos supone la sección más importante de la suite) seguido por los cinco movimientos de danza: alemanda, courante, zarabanda, una danza galante (un minueto en el caso de la primera y segunda suites, una bourrée en la tercera y la cuarta, y una gavota, en la quinta y la sexta) y finalmente una giga.

Les presento la interpretación de Mstislav Rostropóvich.

Bach

Cello

Suites

Que las disfruten

Rachmaninoff - Sinfonia Juventud

2011-09-28T21:27:00.002-05:00

La sinfonía de la Juventud en Re menor corresponde al primer y único movimiento que se conserva de una sinfonía escrita por Sergei Rachmaninoff, fechada el 28 de septiembre de 1891, exactamente hace 120 años.

Descargar

Que la disfruten, hoy es su cumpleaños número 120, felicidades.

Mstislav Rostropovich

2011-09-18T22:45:00.001-05:00

Mstislav Leopóldovich Rostropóvich ( 27 de marzo de 1927 - Moscú, 27 de abril de 2007) fue un músico ruso, considerado el máximo violonchelista de su generación. Violoncelista, pianista y director de orquesta. Nacido en el seno de una familia de violoncelistas, ocupa un puesto preeminente en la historia de la interpretación del violoncelo en el siglo XX, no sólo por su talento extraordinario, sino también por haber incitado a algunos de los mejores compositores contemporáneos a escribir para su instrumento musical, entre ellos sus amigos Shostakovich, Prokofiev y Schnittke. Niño prodigio, se formó en Moscú, debutando en 1942. La consecución tres años más tarde del primer premio en el Concurso de Moscú significó el inicio de una carrera de éxitos, que a partir de 1951 se desarrolló también en Occidente. Las discrepancias de Rostropovich con el régimen soviético culminaron con su salida de la URSS en 1974. Desprovisto de su nacionalidad en 1978, ésta no le fue devuelta hasta 1990. Desde que en 1961 debutara como director de orquesta, ha alternado con éxito esta faceta con la práctica del violoncelo. Como pianista se ha prodigado como acompañante de las actuaciones de su esposa, la soprano Galina Vizhnevskaia.

En 1940 dio su primer concierto, "Concierto número 1 para violonchelo", de Saint Säens. En 1951 y 1953 el Gobierno soviético le otorgó el Premio Stalin y, en 1964, el Premio Lenin. En 1955 se casó con Galina Vishnevskaya, primera soprano del Teatro de la Opera Bolshoi de Moscú, una de sus más destacadas colaboradoras musicales, lo que le permitió desarrollar las facetas de pianista y director de orquesta. La pareja, que tuvo dos hijas, Olga y Helena, ofreció recitales por todo el mundo. De 1953 a 1974, Rostropóvich enseñó en los Conservatorios de Moscú y Leningrado. En el extranjero su carrera tuvo un éxito fulgurante y destaca su récord interpretativo de 1968 en el Carnegie Hall de Nueva York, con un total de 30 obras de 24 compositores. Rostropóvich estuvo comprometido con la defensa de las libertades humanas y artísticas en el mundo. En 1974, coincidiendo con la entrega del Premio anual de la Liga Internacional de los Derechos Humanos, abandonó la URSS y a partir de entonces dedicó gran parte de su tiempo a ofrecer conciertos benéficos. En 1978 le fue retirada la nacionalidad soviética, que recuperó el 4 de diciembre de 1989, y el 13 de febrero de 1990, tras 16 años de exilio, volvió a tocar en la URSS acompañado por la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington: dos recitales en Moscú y otros dos en Leningrado, el primero de ellos con la presencia en el palco de la Reina Sofía y la esposa del presidente Mijaíl Gorbachov, Raisa.Durante su etapa en el extranjero, Rostropóvich residió y trabajó en EEUU y Europa. Empezó dirigiendo, entre otras, las orquestas de Boston, Los Angeles, Chicago y Nueva York, y más adelante orquestas europeas como las de Londres, París y Berlín. En 1977 aceptó la dirección musical de la Orquesta Sinfónica Nacional estadounidense y, una década después, ofreció ocho conciertos con la Orquesta Sinfónica de Londres con motivo de su 60 cumpleaños. Tras 17 años, en 1994 abandonó la dirección musical de la Orquesta Sinfónica Nacional de EEUU con una gira de despedida por Moscú, San Petersburgo y las capitales de las tres repúblicas bálticas de Lituania, Letonia y Estonia. Declarado ciudadano del mundo, embajador de buena voluntad de la UNESCO y, desde 2006, representante especial del programa ONUSIDA, el violonchelista viajó por primera vez a España en 1969, visita a la que siguió su recital conmemorativo del X aniversario de la coronación del Rey Juan Carlos I, en 1985. Viejo amigo de la Familia Real española, en sus conciertos era frecuente la presencia de la Reina. Una de las últimas apariciones con Doña Sofía fue en 2005 en el concierto en el Centro de Canto de Opera que dirige Vishnevskaya en Moscú, con motivo de las bodas de oro del matrimonio. España, donde estuvo en numerosas ocasiones, le rindió homenajes y distinciones, como los Premios de las Artes de la Fundación Carrera-Carrera (1988), el Internacional de Cataluña (1992), el Príncipe de Asturias de la Concordia (1997) o el Internacional de Artes Escénicas de la Fundación vallisoletana Cristóbal Gabarrón (2002). Miembro de la Unión de Compositores Soviéticos y de la Academia Europea de Yuste, su "currículum" incluye también la Medalla "al defensor de la libertad de Rusia" (1993), la Orden del Gran Príncipe Gediminas de Lituania de Segundo Grado (1995), la Orden del Mérito Cultural del Principado de Mónaco (1999) y la Orden del Mérito de Rusia (2007). También fue galardonado con la Orden del Mérito Alemán, la Medalla de Oro de la Sociedad Filarmónica Británica, la Legión de Honor de Francia, Premio Lenin, el título de Caballero del Imperio Británico y más de 30 doctorados "honoris causa" de Universidades de todo el mundo.

Simplemente un musico maravilloso, viva el gran Rostropovich¡¡¡¡¡

Hoy les presento una de sus grabaciones de el concierto de Cello de Schumann y el concierto para cello de Dvorak. Grandisimas interpretaciones.

Rostropovich BBC leyends

Que los disfruten

Scheherazada - Sergiu Celibidache

2011-09-04T22:48:00.000-05:00

Les presento la maravillosa interpretación de Scheherazada la suite sinfónica del compositor ruso Nicolai Rimski-Kórsakov, realizada por el maestro Sergiu Celibidache al frente de la SWR Stuttgart Radio Symphony Orchestra.

La interpretación se puede ver en Youtube y descargar el audio en mp3 en el link de abajo, como siempre.

Celibidache, Scheherazada

Que la disfruten

Feliz Cumpleaños a mi Amiga más querida, que se encuentra en México, un abrazote.

Rachmaninoff Segunda Sinfonía

2011-08-17T00:27:00.001-05:00

Para celebrar los dos años del blog. Les presento una versión sublime de la segunda sinfonía de Rachmaninoff en video .avi, para descargar está dividida en seis partes.
Parte 1

Parte 2

Parte 3

Parte 4

Parte 5

Parte 6

Que la disfruten.
A continuación una pequeña muestra del video, obtenida de Youtube.com

Dinu Lipatti - The master pianist

2011-08-07T23:20:00.001-05:00

El segundo disco de esta colección incluye los 14 Valses de Chopin, la mazurca Op. 50 no. 3 y una Barcarolla op. 60.
Dinu lipatti

Que lo disfruten

Dinu lipatti: The master pianist

2011-07-24T08:10:00.000-05:00

Les presento la colección de EMI Classics de Dinu Lipatti, una colección de 7 CDS CD 1 J.S. BACH
1–6	Partita No.1 BWV825	16.59
7–9	3 Chorale Preludes	10.21
10	Siciliana BWV1031	3.06
MOZART
11–13	Piano Sonata No.8 K310	13.07
D. SCARLATTI
14–15	2 Sonatas	5.52
CHOPIN
16 DinuLipatti Comprar Que lo disfruten	Nocturne Op.27 No.2	5.44

Nathan Milstein

2011-07-10T18:59:00.000-05:00

Nathan Mirónovich Milstein (31 de diciembre de 1903 — 21 de diciembre de 1992) fue un violinista nacido en el Imperio ruso, nacionalizado estadounidense en 1942.

Es considerado uno de los mejores violinistas del siglo XX y fue especialmente conocido por sus interpretaciones de las Partitas y sonatas para violín solo de Bach y de obras musicales del periodo romántico. Tuvo una larga carrera; siguió actuando hasta mediados los 80 años, hasta que tuvo que retirarse tras fracturarse la mano.

Les presento su grabación de las sonatas y partitas para violin solo de J S Bach.

Nathan Milstein
Que las disfruten, son maravillosas.

Edouard Lalo - Concierto para Cello

2011-06-07T20:45:00.001-05:00

Edouard Lalo compuso su concierto para cello y orquesta en 1876. Los movimientos del concierto son:

Prelude, lento - Allegro maestoso

Intermezzo, andantino con moto - Allegro presto - Andantino - Tempo I

Introduction, andante - Allegro vivace

Les presento la maravillosa interpretación de Jacqueline Dupre al cello. Baremboim en la batuta de la Orquesta sinfónica de Cleveland. Grabación de 1973

Lalo Cello Concierto

Que lo disfruten

Astor Piazzolla - Concierto para bandoneón

2011-05-23T19:50:00.000-05:00

Concierto para Bandoneón es una obra compuesta por Astor Piazzolla. Originalmente la obra fue compuesta para Bandoneón (solista), Orquesta de Cuerdas, Arpa y Piano. Esta obra también es conocida (con fines comerciales) como Aconcagua, nombre otorgado probablemente por un productor italiano con el que Piazzolla estuvo vinculado en la década del 70.

El Concierto para Bandoneón dura aproximadamente 20 minutos, y consta de 3 movimientos:

Allegro Marcato

Moderato

Presto

Astor Piazzolla

Que lo disfruten

Yefim Bronfman - Rachmaninoff piano concierto 3 Video

2011-04-24T10:38:00.000-05:00

Yefim Bronfman al piano y Valery Gergiev con la batuta y la Filarmónica de Viena: el Concierto para Piano y Orquesta Nº 3 de Rachmaninov. Este fue un brillantísimo concierto brindado en la gira que dieran por Japón.

Parte 1

Parte 2

parte 3

parte 4

parte 5

Que lo disfruten

Beethoven - Piano Sonatas

2011-04-03T21:18:00.000-05:00

Wilhelm Kempff (25 de noviembre de 1895 – 23 de mayo de 1991) fue un pianista y compositor alemán.

Kempff nació en Jüterbog, Alemania, y estudió en Berlín y Potsdam. Aunque viajó por gran parte del continente europeo y del resto del mundo, no hizo su primera aparición en Londres hasta 1951, y no tocó en Nueva York hasta el año 1964. Hizo su última presentación en París el año 1981 y murió en Positano, Italia a la edad de 95 años.

Considerado uno de los grandes pianistas del siglo XX, Kempff es conocido hoy en día por sus grabaciones de Schumann, Brahms, Schubert, Mozart, Bach, Liszt, Chopin y, particularmente, de Ludwig van Beethoven. Grabó durante un periodo de sesenta años. Kempff fue además el primero en grabar todas las sonatas de Franz Schubert, mucho antes de que éstas se volvieran populares. Además grabó dos ciclos completos de las sonatas de Beethoven, una en mono y la otra en estéreo.

Kempff también tocó música de cámara junto a Yehudi Menuhin y Pierre Fournier, entre otros. Las grabaciones más famosas son las sonatas completas de Beethoven para violín y piano con Menuhin.

En 1957 Kempff comenzó a dar interpretaciones anuales de Beethoven en su villa de Positano. Seis años después de su muerte, su amigo y antiguo alumno John O'Conor se encargó de las presentaciones.

Una actividad menos conocida de Kempff era componer. Compuso para casi todo género. Su segunda sinfonía fue tocada por primera vez en 1929 en la Gewandhaus de Leipzig por Wilhelm Furtwängler. También preparó un número de transcripciones de Bach, incluyendo el Siciliano de la sonata de flauta en Mi, que fue grabada por la pianista İdil Biret.

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Este post fue hecho especialmente para celebrar las 100000 visitas al blog. Gracias

Que las disfruten, son versión de luxe.

Ludwig van Beethoven - Chello sonatas

2011-03-26T22:56:00.001-05:00

Ludwig van Beethoven (Bonn, Sacro Imperio Romano Germánico, 16 de diciembre de 1770 – Viena, Imperio austríaco, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender a la música del romanticismo, motivando a la influencia de la misma en una diversidad de obras musicales a lo largo del siglo XIX. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Les presento las 5 sonatas para Cello y piano.

Jacqueline du Pré en el Cello y Daniel Barenboim al piano, 1970.

Cello Sonatas 1

Cello Sonatas 2

Que las disfruten

Alfredo Campoli

2011-02-26T19:10:00.000-06:00

Alfredo Campoli (20 de octubre 1906 - 27 Marzo 1991) fue un violinista británico nacido en Italia, conocido simplemente como Campoli. Fue notable por la belleza del tono que producía con su violín.

La lista de melodias interpretadas es:

El concierto para violin in E minor de Mendelssohn

El concierto de Paganini en un movimiento en D major

La sonata Devil's Trill de Tartani

La folia de Corelli

La campanella de Paganini

y La Ronde Des Lutins de Bazzini

Alfredo Campoli

Que lo disfruten

Van Cliburn - Rachmaninoff Piano concierto No. 2

2011-02-12T12:33:00.000-06:00

El Concierto para piano n.º 2, Op. 18, es una obra en do menor para piano acompañado por la orquesta, compuesto por Sergéi Rajmáninov entre el otoño de 1900 y abril de 1901. El segundo y tercer movimientos fueron interpretados por primera vez con el compositor como solista el 2 de diciembre de 1900. La obra al completo fue estrenada, también con el compositor como solista, el 27 de octubre de 1901, con su primo Aleksandr Ziloti dirigiendo.

Esta obra es una de sus piezas más recordadas, y le supuso un sólido reconocimiento y fama como compositor de conciertos.

Les presento la interpretación de Van Cliburn con Fritz Reiner y la orquesta sinfónica de Chicago.

Van Cliburn

Que lo disfruten

Arturo Benedetti Michelangeli

2011-01-24T06:32:00.002-06:00

Arturo Benedetti Michelangeli (5 de enero de 1920 - 12 de junio de 1995) fue un pianista italiano. Es considerado como uno de los grandes virtuosos del piano del siglo XX. También se le considera el pianista italiano más importante después de Ferruccio Busoni.

Nació en Brescia, en el norte de Italia. Sus primeras clases de música le fueron impartidas a los 3 años, al principio con el violín, que pronto cambió por el piano. A los diez años entró al Conservatorio de Milán. En 1938, a sus 18 años, comenzó su carrera musical internacional al concurrir al concurso Eugène-Ysaÿe celebrado en Bruselas, donde acabó en 7 posición (Arthur Rubinstein era miembro del jurado y quien otorgaba los premios. Dio el primer premio a Emil Gilels, y de Michelangeli dijo que su interpretación fue insatisfactoria, pero que mostró una técnica impecable). Un año después ganó el primer premio en el Festival Internacional de Ginebra donde fue aclamado como un nuevo Liszt por el pianista y presidente del jurado Alfred Cortot.

Michelangeli fue conocido por sus perfectas interpretaciones en cuanto a las notas se refiere. El crítico musical Harold Schonberg dijo de él: Sus dedos no pueden errar al golpear una tecla o emborronar un pasaje al igual que una bala no puede cambiar de dirección cuando ya ha sido disparada. Lo misterioso de Michelangeli es que en muchas piezas románticas, él parece inseguro emocionalmente, ya que su indefectuosa técnica perturba el fluir musical. El profesor y comentarista David Dubal añade que fue el mejor con las primeras obras de Beethoven pero que parecía inseguro interpretando Chopin, pero que fue diabólico en obras como la chaconne de Bach-Busoni o en las Variaciones Paganini de Brahms.

Su repertorio era notablemente pequeño para un pianista con su prestigio. Debido a su obsesivo perfeccionamiento muy pocas de sus grabaciones fueron sacadas al mercado durante su vida, pero fueron aumentadas por numerosas grabaciones no autorizadas de sus conciertos en directo.

Michelangeli fue hipocondríaco y también famoso por cancelar algunos de sus recitales en el último minuto. Su último concierto fue el 7 de mayo de 1993 en Hamburgo. Después murió tras una larga enfermedad en Lugano el 12 de junio de 1995.

Les presento esta esplendida grabación de los conciertos 1 y 3 para piano de Beethoven

Arturo Benedetti Michelangeli

Que la disfruten

Emil Gilels

2011-01-18T20:09:00.000-06:00

Emil Gilels, (Odesa, 19 de octubre de 1916 - Moscú, 14 de octubre de 1985) fue un pianista soviético.

Comienza a estudiar piano a la edad de 6 años en Odessa, donde da su primer concierto con 13 años. En 1935, estudia en el Conservatorio de Moscú, especialmente con Heinrich Neuhaus. En 1938 gana el Concurso International Eugène Ysaÿe en Bruselas. En 1951 es nombrado profesor en el Conservatorio Chaikovsky de Moscú. Fue uno de los pocos artistas soviéticos que hicieron una carrera internacional. Grabó numerosos discos en los Estados Unidos y su prestigio fue mundial. Es considerado como uno de los 10 o 12 mejores pianistas del siglo XX, compartiendo con sus cóterraneos, Vladimir Horowitz, Sviatoslav Richter, además de Josef Hofmann, Alfred Cortot, Arturo Benedetti Michelangeli y Claudio Arrau, el sitial de los privilegiados. Asombran los repertorios extensos, la perfección interpretativa y la ejecución de autores rusos.

Se dedicó fundamentalmente a la música del Romanticismo.

Para iniciar el 2011, les presento este disco:

Rachmaninov: Piano Concerto No. 3; Saint-Saëns: Piano Concerto No. 2

Emil Gilels

Que lo disfruten.

Tchaikovsky - El cascanueces Op. 71

2010-12-25T10:01:00.000-06:00

El cascanueces (en ruso: Щелкунчик, Shchelkúnchik) Op. 71 es un cuento de hadas-ballet en dos actos y tres escenas de Piotr Ilich Chaikovski (1840–1893), compuesto en 1891–1892. Chaikovski puso música a la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann (puesta en escena por Marius Petipa y encargado por el director de los Teatros Imperiales Iván Vsevolozhski en 1891). En los países occidentales El cascanueces se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets, principalmente representado en Navidad.

El ballet se estrenó junto con la ópera final de Chaikovski, Yolanta, el 18 de diciembre de 1892 en el Teatro Mariinski en San Petersburgo, Rusia.

El Ballet de la Ciudad de Nueva York estrenó el montaje teatral de El cascanueces a cargo de George Balanchine en 1954.[2] Como consecuencia, la tradición de bailar El cascanueces en su totalidad durante la Navidad se difundió en todos los Estados Unidos.

El cuento se ha publicado en muchas versiones, algunas llenas de color para los niños. El argumento se centra en una niña alemana llamada Clara Stahlbaum o Clara Silverhaus. En algunas representaciones de El cascanueces Clara se llama Marie o María. (En el cuento original de Hoffmann la niña se llama justamente Marie -o María-, mientras que Clara —o Klärchen— es el nombre de una de sus muñecas).

Primer acto

La obra empieza con una obertura «en miniatura», que da comienzo igualmente a la Suite. La música crea un ambiente propio de cuento de hadas mediante los registros altos de la orquesta. El telón se abre y muestra la casa de los Stahlbaum, en la cual se prepara la fiesta de la víspera de la Navidad. Clara, su hermanito Fritz y sus padres están celebrando la noche con amigos y familia, cuando entra el padrino misterioso, Herr Drosselmeyer, quien rápidamente saca un saco de regalos para todos los niños. Todos están felices, salvo Clara, que no ha recibido aún ningún regalo. Herr Drosselmeyer le muestra entonces tres muñecas de tamaño natural que bailan por turnos. Una vez que han acabado, Clara se acerca a Herr Drosselmeyer para pedirle un regalo, pero ya no le queda ninguno y Clara, decepcionada, corre a hacia su madre con lágrimas en los ojos.

Drosselmeyer saca luego un juguete, el cascanueces, con la forma de un soldado en uniforme tradicional de formación. Como los otros niños no lo quieren se lo da a Clara, que lo acepta con muestras de felicidad, pero su hermano lo rompe en un ataque de envidia.

La fiesta termina, suena el aire popular alemán Großvater Tanz y la familia Stahlbaum va a dormir. Mientras todos están acostados, Herr Drosselmeyer repara el Cascanueces. Cuando el reloj da la medianoche, Clara baja a hurtadillas a contemplar su querido cascanueces y oye a los ratones. No sabe si aún está soñando y trata de escapar, pero los ratones la detienen. El árbol de Navidad de repente se vuelve enorme, ocupando toda la habitación. El cascanueces cobra vida y junto a sus soldados defienden a Clara. El Rey de los ratones dirige al resto de roedores a la batalla. Aquí Chaikovski retoma el clima «de miniatura» de la obertura, y emplea los registros altos de la orquesta para la escena de la batalla.

Se sucede un enfrentamiento, y cuando Clara tira un zapato al rey de los ratones y le sujeta por la cola, el Cascanueces se lanza contra él y le hiere mortalmente. Los ratones lo recogen y se lo llevan en retirada. Después, el Cascanueces se convierte en un príncipe. En el cuento original de Hoffmann y en las versiones del Ballet Real de 1985 y 2001, el príncipe es el sobrino de Drosselmeyer, a quien el rey de los ratones había convertido en un Cascanueces, y todos los acontecimientos posteriores de la fiesta de Navidad han sido llevados a cabo por Drosselmeyer para eliminar el hechizo.

Clara y el príncipe viajan entonces a un mundo donde un grupo danzante de copos de nieve los saludan y donde hadas y reinas les dan la bienvenida bailando. El telón cae y termina el primer acto.

Segundo acto

Clara, el Cascanueces y Drosselmeyer llegan al Reino de los Dulces donde los recibe el Hada de Azúcar, su Caballero y el resto de los dulces. Se suceden una danza española, identificada con el chocolate, una china, a veces con el té, una árabes, Café, y una rusa, a veces Bastones de caramelo. La danza rusa es el Trepak), Mamá Jengibre y sus Polichinelas (a veces Bombones, o Payasos de la corte en la representación de Mijaíl Barýshnikov), las Flautas de lengüeta (a veces Pastoras de Marzipan o Mirlitons), el Hada de Azúcar, y el Vals de las Flores. Pero las danzas en el Reino de los Dulces no siempre siguen el mismo orden.

Después de las celebraciones, Clara se despierta bajo el árbol navideño con su cascanueces de madera, alegre por su maravillosa aventura, y cae el telón. Sin embargo, en la versión de Balanchine, nunca se ve a Clara despertándose, sino que tras todas las danzas en el Reino de los Dulces, ella y el Príncipe Cascanueces se deslizan en un trineo tirado por renos y finaliza la obra. El sueño ha sido real, como en el cuento original de Hoffmann. La versión del Ballet Real también lo representa de esta manera. Finalmente, el sobrino de Drosselmeyer, que había sido transformado en cascanueces, reaparece bajo forma humana en la juguetería de su tío.

La versión que les presento la interpreta Svetlanov y la orquesta sinfónica nacional de Rusia.

El Cascanueces

Que lo disfuten, Felices fiestas.

Max Bruch - Concierto para violín n.º 1

2010-12-12T08:19:00.000-06:00

El Concierto para violín n.º 1 en sol menor, op. 26 fue compuesto por Max Bruch entre 1864 y 1866. Luego de varias revisiones, Bruch le dio forma final en 1868. La primera versión fue estrenada en Coblenza el 24 de abril de 1866 por O. von Königslöw al violín, bajo la dirección del propio Bruch. La versión final fue estrenada el 7 de enero de 1868 por Joseph Joachim bajo la batuta de Karl Reinthaler.

El concierto es la pieza más conocida de Bruch, y está considerado como uno de los más populares dentro del repertorio romántico alemán (junto a los de Brahms y Beethoven). Su popularidad ha eclipsado otras obras del compositor, sus otros conciertos para violín y su Fantasía escocesa.

Dado que Bruch no era violinista, durante la composición de la obra pidió ayuda a Joachim a quien finalmente dedicó la partitura.

El concierto está dividido en tres movimientos (los dos primeros unidos) y una ejecución media dura alrededor de 25 minutos. Los movimientos son:

I.Vorspiel - Allegro moderato

II.Adagio

III.Finale - Allegro energico

La interpretación es de Itzhak Perlman con la Royal Concertgebouw Orchestra y Bernard Haitink en la batuta, grabación de 1993

Max Bruch

Que lo disfruten, es un gran concierto para violin, especialmente el primer movimiento.

Wolfgang Amadeus Mozart - REQUIEM

2010-12-07T07:00:00.005-06:00

La Misa de Réquiem en re menor, K. 626, es una obra de Wolfgang Amadeus Mozart basada en los textos latinos para el acto litúrgico católico ofrecido en las defunciones, se trata de la decimonovena y última misa escrita por Mozart. Mozart murió antes de terminarla, en 1791. Aunque al parecer se tocaron extractos del Réquiem en una misa en memoria de Mozart celebrada el 10 de diciembre de 1791, el estreno de la obra completa se produjo en Viena el 2 de enero de 1793 en un concierto en beneficio de la viuda del músico austríaco.

Interpreta el maestro Sergiu Celibidache al frente de la orquesta filarmónica de Münchner, grabación de 1995

Una grabación ALTAMENTE RECOMENDADA

Requiem

Que lo disfruten

Feliz Cumpleaños

Vladimir Sofronitsky

2010-12-01T07:44:00.001-06:00

Vladimir Sofronitzki nació el 8 de mayo de 1901 en San Petersburgo. Su padre era un profesor de física y familia de línea su madre incluye a Borovikovsky, uno de los primeros pintores rusos.

En 1903, la familia de Sofronitzki se trasladó a Varsovia, donde Vladimir comenzó sus lecciones de piano con Lebedeva-Getcevich y desde los nueve años con Alexander Michalowski. En 1916, Sofronitzki comenzó sus estudios en el Conservatorio de San Petersburgo con el profesor Leonid Nicolaev. En 1919, Sofronitzki dio su primer concierto en solitario. En 1920 se casó con Elena Scriabin, una estudiante del Conservatorio de sus compañeros y la hija mayor de Alexander Scriabin. Se graduó en 1921 y comenzó su carrera de concierto. Sus actuaciones altamente estimados por Heinrich Neuhaus, Vladimir Horowitz y Egon Petri, así como por ex compañeros de escuela Maria Yúdina y Dmitri Shostakovich.

En 1928, Sofronitzki fue a París a través de Varsovia, que pasó a ser que su última visita a la ciudad donde él había crecido. En Paris Sofronitzki se convirtió en amigo de Sergei Prokofiev y se reunió de nuevo en Nikolái Medtner. Regresó a Rusia en 1930 y a partir de entonces sólo apareció en Occidente en una ocasión, cuando de repente fue puesto en un avión y enviado por Stalin a tocar en la Conferencia de Potsdam en 1945.

En 1937 dio una serie de 12 conciertos "históricos" en San Petersburgo. En 1939 se convirtió en profesor en el Conservatorio de Leningrado. Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial fue atrapado en San Petersburgo, donde el 12 de diciembre de 1941 tocó un concierto usando guantes con los dedos cortados: "pero cómo tocaba!" En abril de 1942 fue evacuado vía el "puente aéreo" de Leningrado hambriento y llevado a Moscú.

En 1943 se convirtió en profesor en el Conservatorio de Moscú, donde conoció y más tarde se casó con su estudiante, Valentina Duschinova (Sofronitzki). Tocó conciertos en su mayoría en Moscú, y, después de la guerra, en San Petersburgo, convirtiéndose en ampliamente considerado como el mejor pianista en Rusia.

En su tiempo V.Sofronitzki consideró que era el más grande pianista en Rusia, una "leyenda viva". Cada recital de Sofronitzki fue un evento espiritual para el público. Fue un verdadero poeta del piano, lleno de espíritu muy improvisada e inspiración. Tuvo una técnica y su forma de tocar consagrados a una amplia gama de colores y texturas, pero estas cosas podrían decirse acerca de muchos pianistas. Cuando en de su mejor Sofronitzki parecía a trascender los límites de la expresión normal e introduzca un nuevo Reino con mucha espiritualidad, eso hacia especial cada uno de sus conciertos.

Sofronitzki se celebró en la más alta estima por sus colegas, incluyendo Sviatoslav Richter, Emil Gilels y Heinrich Neuhaus. Fue amigo de Prokofiev y Shostakovitch y tuvo una profunda influencia en muchos músicos rusos, desde Vladimir Horowitz a Kissin.

Cuando Richter y Sofronitzki bebieron un brindis para sellar su amistad, Sofronitzki proclamó a Richter un genio; la respuesta inmediata de Richter fue de llamar a Sofronitzki un Dios. Emil Gilels, al enterarse de la muerte de Sofronitzki, tiene fama de haber dicho "el pianista más grande del mundo ha muerto".

Fuente: http://www.sofronitsky.ru/en/biography.html

Hoy les presento un disco maravilloso, Sofronitsky interpreta piezas de Rachmaninoff y Scriabin

Sofronitsky

Que lo disfruten

Haydn - Chello concierto No. 1

2010-11-18T13:43:00.005-06:00

Este concierto fue compuesto por Joseph Haydn entre 1761 y 1765 para Joseph Weigl, destacado chelista de la orquesta de Esterházy que dirigía Haydn. Este concierto se creía perdido hasta 1961, cuando apareció en el Museo Nacional de Praga, entre diversos documentos pertenecientes al Castillo Radenin.

Como en otras obras compuestas para Weigl, se le exige al solista un gran virtuosismo. Las cadenzas del primer y segundo movimientos no son originales del compositor; normalmente, el chelista toca cadenzas de compositores anónimos del siglo XVIII u otras compuestas después de 1961.

Interpreta en el chello Jacqueline du Pré

Haydn Cello concerto 1

Que lo disfruten, altamente recomendado.

Boccherini Concierto para Chello No.9 - Jacqueline du Pré

2010-11-11T21:25:00.000-06:00

Luigi Rodolfo Boccherini (Lucca, 19 de febrero de 1743 - Madrid, 28 de mayo de 1805) fue un chelista y un compositor italiano, perteneciente al Estilo galante y pionero del periodo clásico en la música. Boccherini compuso 12 conciertos para chello, el noveno concierto para chello fue arreglado por el chelista alemán Friedrich Grützmacher, versión que Jacqueline du Pré tocó junto al director John Barbirolli y la orquesta sinfónica de londres en 1967.

Luigi Boccherini

Que lo disfruten

Arthur Rubinstein

2010-11-04T22:20:00.000-05:00

Arthur Rubinstein (Łódź, Polonia, 28 de enero de 1887 - Ginebra, 20 de diciembre de 1982) fue un pianista polaco de origen judío, célebre por sus interpretaciones de Chopin y de muchos otros compositores. Fue el séptimo hijo de una familia judía de tejedores afincada en Polonia. Empezó a estudiar piano a los tres años. Poco después pasó a la tutela del músico Alexander Rozincki, que rápidamente se desesperó ante la pereza del pupilo para realizar los ejercicios que se le exigían. Su enorme talento musical le llevó sin embargo a dar su primer concierto en público cuando contaba sólo con seis años. Las posteriores experiencias con profesores polacos siguieron igualmente un curso desafortunado, y en 1897 marchó a Berlín para conocer a Joseph Joachim, afamado violinista y amigo de Johannes Brahms. El músico alemán quedó maravillado y se ocupó inmediatamente de su educación musical, en la cual también participaron Max Bruch, Heinrich Barth y Robert Kahn. En 1900 se presentó ante el público berlinés bajo la dirección de Joseph Joachim y acompañado por la Orquesta Filarmónica de la ciudad interpretando el Concierto para piano no. 23 de Mozart, el Concierto para piano no. 2 de Camille Saint-Saëns, piezas de Schumann y de Chopin. Le siguieron otros conciertos en Alemania y en Polonia.

En 1904 debutó en París, donde poco más tarde fijaría su residencia. Dos años después daría su primer concierto en los Estados Unidos, en el Carnegie Hall, con la Orquesta Filarmónica de Filadelfia. El recibimiento fue frío, y la gira posterior en tierras norteamericanas tampoco estuvo marcada por el éxito. Siguieron conciertos en Austria, Italia y Rusia. En 1912 debutó en Londres, donde se le pudo oír como solista y compañero del violonchelista Pau Casals. Durante la Primera Guerra Mundial vivió principalmente en la capital británica. Ejerció de traductor, pues dominaba ocho idiomas, y tocó junto al violinista Eugène Ysaye. Conciertos en Sudamérica y España (1916/1917) despertaron su interés por Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Enrique Granados y Villa-Lobos, cuyas piezas pasarían a partir de entonces a formar parte de su repertorio. Debido a un juramento realizado al estallar la guerra, no volvió a actuar en Alemania a partir del 1914. En los años veinte, después de una segunda gira por los Estados Unidos, tocaría principalmente en Europa.

Durante toda esta época reconoce Rubinstein que se salió un poco del camino y se dedicó a la tarea principal de un niño prodigio, “librarse de la inmadurez”. Según sus confesiones, se entregó a los placeres carnales; falto de ganas y de disciplina, se dedicaba al piano y en los conciertos confiaba ciegamente en su talento y su musicalidad: “De joven era vago. Tenía talento, pero había muchas cosas en la vida que me interesaban más. Grandes vinos, mujeres guapas, en la relación 20% y 80%, respectivamente”, motivo por el cual posiblemente nunca alcanzó la perfección técnica de sus concurrentes. Se designaba a sí mismo como “el último tahúr” entre los pianistas, hecho que posiblemente determinaba sus lugares de actuación. Le agradaba tocar en los países del sur, especialmente en España. Allí gustaba su temperamento desenfrenado, su ligereza, su ímpetu. Los cuatro conciertos planeados para el año 1916 pronto terminaron siendo más de cien. Se hizo amigo de la Casa Real, y el rey Alfonso le otorgó un pasaporte español para que pudiera viajar libremente en sus recitales en plena Primera Guerra Mundial. Tal era su reconocimiento que muchos países de habla hispana le declararon hijo adoptivo y se convirtió en uno de los más significantes intérpretes de su música. No gozaba de la misma celebridad en los Estados Unidos e Inglaterra. Dice Rubinstein con cierto sarcasmo y autocrítica: “La gente allí cree que paga para oír todas las notas. Yo, pero, dejo caer unas cuantas debajo de la mesa, alrededor de un 30%, y la gente se siente estafada. No podía estar sentado de ocho a diez horas delante del piano. Yo vivía para cada minuto. Admiro a Leopold Godowsky. Necesitaría quinientos años para tener su técnica. ¿Pero qué tuvo él de todo esto? Era un hombre infeliz, tenso, que se sentía mal cuando no estaba sentado al piano. ¿No dejó pasar su vida?”. Alguna vez dijo Rubinstein que Paul Dukas contribuyó a su salvación: “Diviértase cuanto quiera, pero no se eche a perder. París no es para usted. Vuelva a Polonia, encárguese de curarse en cuerpo y moral, beba leche, salga a montar en caballo, váyase a dormir a horas decentes, conviértase en un hombre honrado”, le dijo. Añade Rubinstein: “Fue un consejo muy sabio, y lo mejor es que lo seguí.”

Al parecer, dos hechos harían dar un giro a su vida, en ese momento: su boda en 1932 con Aniela Mlynarski, hija del famoso director polaco, y la brillante actuación de Horowitz en París. Según palabras del propio Rubinstein: “Vi en él al nuevo Liszt, capaz de dominar su época. Quería tirar todo por la ventana. Antes de morir, quiero demostrar aquello de lo que soy capaz. Cerré los puños, no por mucho tiempo debido a mi profesión, los abrí de nuevo y empecé a trabajar duramente. Tenía que vengarme. No de Horowitz, sino de mí mismo”.

Desde este momento asumió Rubinstein con renovadas fuerzas su dedicación a la música, se impuso autodisciplina y llegó a practicar hasta dieciséis horas al día. Semejante esfuerzo tuvo su recompensa, ya que tras su reaparición en el Carnegie Hall en el año 1937 fue aclamado como un genio y toda la gira por los Estados Unidos fue triunfal. Pudieron al fin escuchar el porcentaje de notas pertinente. Con cincuenta años se había convertido en un gran pianista.

Tras la invasión alemana de París en la Segunda Guerra Mundial, se trasladó con su familia a los Estados Unidos, país cuya nacionalidad obtuvo en 1946.

En las décadas siguientes dio conciertos por todo el mundo, realizó multitud de grabaciones y trabajó con músicos de renombre como Jascha Heifetz, Emanuel Feuermann, Henryk Szeryng y Gregor Piatigorsky. En 1958 volvió a tocar, después de más de veinte años de ausencia, en Polonia, donde el público le honró con lágrimas y una ovación en pie, la segunda en la historia de este país, después de la que recibiera Paderewski. Siguió tocando hasta una edad muy avanzada, siendo capaz de interpretar en una misma noche los dos conciertos de Brahms. Una ceguera progresiva le obligó a retirarse en 1976 ante el público londinense en Wigmore Hall.

Les presento a un pianista realmente maravilloso, una interpretación magistral de obras de Rachmaninoff.

Arthur Rubinstein

Que disfruten este sublime disco.

Sviatoslav Richter

2010-10-25T21:32:00.000-05:00

Sviatoslav Teofílovich Richter (20 de marzo de 1915 – 1 de agosto de 1997) fue un pianista soviético, reconocido como uno de los grandes pianistas del siglo XX, célebre por la profundidad de sus interpretaciones, su técnica virtuosística y su amplio repertorio.

Richter nació en Zhytomyr, Ucrania, de padre expatriado alemán y madre rusa. Creció en Odessa. Fue autodidacta, algo poco habitual en estos casos, aunque su padre -pianista y organista- y uno de los alumnos de su padre -un arpista checo- le dieron una educación musical básica. Richter era un excelente lector a primera vista, y practicaba regularmente con las compañías locales de ópera y ballet. Empezó a trabajar en la Ópera de Odessa como pianista acompañante en los ensayos.

El 10 de marzo de 1934 dio su primer recital en el club de ingenieros de Odessa, pero no empezó a estudiar formalmente piano hasta tres años después, cuando decidió buscar a Heinrich Neuhaus, famoso pianista y profesor en el Conservatorio de Moscú. Durante la audición, Neuhaus le susurró a otro estudiante: "Este hombre es un genio". Aunque Neuhaus dio clase a muchos grandes pianistas, entre ellos Emil Gilels y Radu Lupu, se dice que consideraba a Richter su "alumno genial, al que había estado esperando toda la vida", a la vez que admitía que no había podido enseñarle "nada".

En sus comienzos, Richter también hizo sus pinitos en la composición, e incluso parece que tocó algunas de sus composiciones en la audición de Neuhaus. Sin embargo, abandonó la composición poco después de mudarse a Moscú. Años después, explicó esta decisión: "Quizás la mejor manera de explicarlo es que no tiene sentido traer más mala música al mundo".

En 1940, todavía estudiante, estrenó la Sonata para piano no. 6 de Sergéi Prokófiev, compositor a cuyas obras quedaría asociado para siempre. Se hizo famoso por saltarse las clases obligatorias de adoctrinamiento político en el conservatorio y por ser expulsado dos veces en su primer año. Siempre fue un extraño a la política de la Unión Soviética, y nunca se unió al Partido Comunista.

Richter era abiertamente gay, en la medida en que era posible a principios y mediados del siglo XX en la Unión Soviética. Su homosexualidad no era desconocida para aquellos que le conocían bien. Este hecho contribuyó especialmente a que fuera algo reservado y retraído.

Richter conoció a la soprano Nina Dorliak en 1945. Poco después la acompañó en un programa que incluía canciones de Nikolai Rimsky-Korsakov y Prokofiev. "Éste fue el primer encuentro de una asociación que duraría el resto de sus vidas. Richter y Dorliak nunca se casaron oficialmente, pero eran compañeros inseparables. Ella era el contrapunto a su naturaleza impulsiva. Le daba cuerda a su reloj, le recordaba sus citas y organizaba sus compromisos profesionales".

En 1949 ganó el Premio Stalin, lo cual le llevó a dar varias giras de conciertos en Rusia, Europa del Este y China. Richter dio sus primeros conciertos fuera de la Unión Soviética en Checoslovaquia en 1959.[7] En 1952, Richter fue invitado a interpretar el papel de Franz Liszt en la versión rusa de la película Glinka de 1946, sobre la vida del compositor Mijaíl Glinka, llamada Kompozitor Glinka. El papel principal fue interpretado por Borís Smirnov.

En 1960 desafió a las autoridades al tocar en el funeral de Boris Pasternak.

Richter se dio a conocer en Occidente gracias a grabaciones de los años 50. Uno de sus primeros defensores fue Emil Gilels, quien durante su primera gira estadounidense, en la que recibió magníficas críticas, dijo: "Esperen a escuchar a Richter".

Richter dio sus primeros conciertos en Europa Occidental en mayo de 1960, cuando se le permitió tocar en Finlandia. Ese mismo año le fue permitido tocar en Estados Unidos. Su debut tuvo lugar el 15 de octubre de 1960 en Chicago, donde tocó el Concierto para piano nº 2 de Johannes Brahms, acompañado de la Orquesta Sinfónica de Chicago y Erich Leinsdorf, y consiguió muy buenas críticas. La gira de 1960 culminó con una serie de conciertos en el Carnegie Hall.

Sin embargo, Richter afirmó que no le gustaba tocar en Estados Unidos. A causa de un incidente en 1970 en el Alice Tully Hall de Nueva York, cuando un grupo de manifestantes antisoviéticos irrumpió en un concierto de Richter y David Oistrakh, Richter juró que no volvería.

En 1961 tocó por primera vez en Londres. Su primer recital, con obras de Haydn y Prokofiev fue recibido con hostilidad por los críticos británicos. Concretamente, Neville Cardus dijo que su estilo era "provinciano", y se preguntaba por qué había sido invitado a Londres, si tenía la ciudad tantos pianistas de "segunda clase" propios. Tras el concierto del 18 de julio de 1961, donde interpretó los dos conciertos para piano de Franz Liszt, los críticos cambiaron de parecer.

Aunque disfrutaba al dar conciertos en público, Richter odiaba planear las temporadas de conciertos, y en sus últimos años solía tocar en conciertos anunciados con poca antelación, en salas pequeñas y oscuras, tan sólo con una lámpara para iluminar la partitura. Richter afirmaba que de esta manera el público podía concentrarse en la música, en vez de en sucesos irrelevantes como los gestos y muecas del intérprete.

En 1986, Richter se embarcó en una gira de seis meses por Siberia, y dio unos 150 recitales; a veces tocaba en pueblos pequeños, donde ni siquiera había una sala de conciertos. Se dice que, en sus últimos años, Richter contempló la posibilidad de dar conciertos gratis.

Al final de los años 80, la técnica de Richter decayó parcialmente debido a su edad y a problemas de corazón. Este proceso de envejecimiento continuó en los 90, y le causó gran frustración. Sin embargo, en 1995 seguía tocando las piezas más difíciles del repertorio pianístico, incluyendo el ciclo Miroirs de Maurice Ravel, la Sonata para piano no. 2 de Sergéi Prokófiev, y los estudios y Balada no. 4 de Frédéric Chopin.

Su última interpretación grabada fue un concierto de 1994 con la Orquesta Sinfónica Shinsei de Japón y su amigo Rudolf Barshai como director, en el que tocó tres conciertos de Mozart.

El último recital tuvo lugar en una reunión privada en Lübeck, Alemania, el 30 de marzo de 1995. El programa incluyó dos sonatas de Haydn y las Variaciones y fuga sobre un tema de Beethoven, de Max Regger, pieza para dos pianos que interpretó con el pianista Andreas Lucewicz.

Richter murió en su casa a las afueras de Moscú, de un ataque al corazón. Había atravesado un largo periodo de depresión debido a su incapacidad para actuar en público. En el momento de su muerte, Richter estaba aprendiendo los Fünf Klavierstucke, D. 459, de Schubert.

En palabras del propio Richter, "mi repertorio da para unos ochenta programas diferentes, sin contar la música de cámara". Efectivamente, el repertorio de Richter se extendía desde Handel y Bach hasta Karol Szymanowski, Alban Berg, Anton Webern, Igor Stravinsky, Béla Bartók, Paul Hindemith, Benjamin Britten, y George Gershwin, aunque con importantes omisiones como las Variaciones Goldberg, de Bach; la Sonata para piano nº 21 Waldstein, la Claro de Luna, el Concierto para piano nº 4 y el Concierto para piano nº 5 de Beethoven, la Sonata en la mayor D. 959 de Schubert, el Concierto para piano nº 3 de Prokofiev y el Concierto para piano nº 3 de Rachmaninov.

Richter trabajaba incansablemente para aprender nuevas obras. Por ejemplo, a finales de los 80 aprendió las variaciones sobre Paganini y Handel de Brahms, y en los 90, los estudios de Debussy, los conciertos para piano de Saint-Saëns, Gershwin, Mozart, así como sonatas de Bach y Mozart que no había incluido previamente en sus programas. De hecho, Richter estaba aprendiendo música cuando murió.

En su repertorio eran obras fundamentales las de Franz Schubert, Robert Schumann, Beethoven, J.S. Bach, Chopin, Liszt, Prokofiev, Claude Debussy y otros muchos. Se dice que aprendió de memoria el segundo libro de El clave bien temperado de Bach en un mes.

Estrenó la Sonata nº 7 de Prokofiev, que estudió en cuatro días, y la nº 9, que Prokofiev le dedicó. Además de su carrera como solista, dio también conciertos de música de cámara con compañeros como Mstislav Rostropóvich, Rudolf Barshai, David Oistrakh, Oleg Kagan, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Zoltan Kocsis, Elisabeth Leonskaya, Benjamin Britten y los miembros del Cuarteto Borodin. Richter también acompañó a menudo a cantantes como Dietrich Fischer-Dieskau, Peter Schreier, Galina Pisarenko y, por supuesto, su compañera Nina Dorliak.

Con ustedes su interpretación de obras de Rachmaninoff, el segundo concierto para piano, y cinco preludios.

Sviatoslav Richter

Pianista realmente supremo.

Que lo disfruten

Alicia de Larrocha

2010-10-16T16:07:00.001-05:00

Alicia de Larrocha i de la Calle, (Barcelona, 23 de mayo de 1923 - Barcelona, 25 de septiembre de 2009) fue una pianista española, reconocida como la de mayor proyección internacional, y una de las mejores intérpretes de piano del siglo XX especialmente en obras de Mozart y del repertorio español. Pianista precoz, empezó sus estudios musicales a la edad de tres años: Descubierta por Frank Marshall, discípulo de Enrique Granados, la incorporó a la prestigiosa Academia Granados, de la que era continuador. Allí conoció a Arthur Rubinstein, Alfred Cortot y otros grandes pianistas de la época.

Interpretó su primer concierto con seis años, en la Exposición Universal de Barcelona de 1929, y a los once participó en su primer concierto oficial, con la Orquesta Sinfónica de Madrid. A partir de 1939 ofreció conciertos con diferentes orquestas europeas, pero es en 1954 al protagonizar una gira por los Estados Unidos con la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, invitada por Alfred Wallenstein, cuando empieza su reconocimiento internacional por su impecable técnica al piano. Desde entonces, hasta el 2003 (año de su despedida de los escenarios), dio más de 3.500 conciertos por los 5 continentes, aunque fue en Norteamérica donde fue más requerida, haciendo 3 giras anuales (de tres meses cada una).

Alicia de Larrocha grabó multitud de obras al piano, pero es especialmente reconocida por sus interpretaciones de autores españoles. En particular, composiciones de Manuel de Falla, Enrique Granados e Isaac Albéniz —autor este último al que estuvo ligada a lo largo de su vida, con sus versiones de la suite Iberia— o de ediciones como la de las sonatas de Antonio Soler, en 1967.

En 1950 contrajo matrimonio con, el también pianista, Juán Torra (fallecido en 1982) y tuvieron 2 hijos: Juán Francisco (1957) y Alicia (1959). Sólo tuvo una nieta, Claudia (1992).

En 1959, año del fallecimiento de su maestro Frank Marshall, fue nombrada Directora de la Academia Marshall, continuadora de la Academia Granados, donde además de supervisar la labor docente del centro impartía, cuando su dilatada agenda concertística se lo permitía, clases magistrales de piano, especialmente de música española.

La pianista falleció el viernes 25 de septiembre de 2009 en el Hospital Quirón de Barcelona a los 86 años como consecuencia de la evolución de un proceso cardiorrespiratorio.

Alicia de Larrocha deja una vasta discografía que consta de más de setenta grabaciones entre 1954 y 2002. Sus álbumes han sido editados, entre otros, por Decca, EMI, RCA, CBS, Philips (Eloquence), Sony, Ariola o RTVE. Y han sido reconocidos con 4 Premios Grammy como mejor solista instrumental de música clásica: en 1974 (por Iberia, de Albéniz), 1975 (Concierto de Ravel, y Fantasía de Faure), 1985 (Iberia, Navarra y Suite Española de Albéniz) y 1991 (Goyescas de Granados).

Su trayectoria discográfica ha sido también galardonada con 3 Premios Edison (1968, 1978 y 1989), 2 Grand Prix du Disque (1960, 1974), 2 Record of the Year (1971 y 1974), el Deutsche Schallplattenpreis (1979) y el Premio Franz Liszt (1980).

Con ustedes sus interpretaciones de los cinco conciertos para piano compuestos por Ludwin Van Beethoven, con Riccardo Chailly en la batuta y la Orquesta sinfónica de la Radio de Berlin.

Primero

Segundo
Tercero
Cuarto
Quinto

Que los disfruten, hermoso arte y virtuosismo de esta gran dama del piano.

Van Cliburn y el Emperador

2010-10-10T17:26:00.001-05:00

Obra ya conocida por los seguidores del blog, el quinto concierto para piano de Beethoven, esta vez interpretado por Van Cliburn. Es electrizante.

Que lo disfruten

Aqui

Van Cliburn, Un Gran Pianista

2010-10-03T22:08:00.014-05:00

Van Cliburn (nacido Harvey Lavan Cliburn Jr., 12 de julio de 1934) es un pianista norteamericano que consiguió reconocimiento internacional en 1958, a los 23 años, cuando ganó el primer Concurso Internacional Chaikovski en Moscú, en plena Guerra Fría.

Cliburn nació en Shreveport (Louisiana), y empezó a recibir clases de piano a los tres años con su madre, Rildia Bee O'Bryan, que había sido alumna de Arthur Friedheim, alumno de Franz Liszt. Cuando él tenía seis años, la familia se mudó a Kilgore (Texas), y a los doce ganó un concurso de piano a nivel nacional que le permitió debutar con la Orquesta Sinfónica de Houston. Entro en la Juilliard School a los 17 años, y estudió con Rosina Lhévinne, que le enseñó en la tradición romántica rusa. A los 20, Cliburn ganó el Leventritt Award, y debutó en el Carnegie Hall.

El Concurso Internacional Chaikovski de 1958 fue un evento diseñado para demostrar la superioridad cultural soviética durante la Guerra Fría, poco después de su victoria tecnológica con el lanzamiento del Sputnik en octubre de 1957. El virtuosismo luminoso de Cliburn en la interpretación del Concierto para piano nº 1 de Chaikovski y del Concierto para piano nº 3 de Rachmaninov le hicieron ganar una ovación con el público en pie durante ocho minutos. El jurado soviético tuvo que pedir permiso a Nikita Jrushchov para conceder el primer premio a un estadounidense. "¿Es el mejor?" preguntó. "¡Entonces denle el premio!" La revista Time le dio una portada, proclamándolo "El tejano que conquistó Rusia". RCA Victor firmó con él un contrato exclusivo, y su grabación del Concierto para piano nº 1 de Chaikovski se convirtió en el primer álbum de música clásica que vendió millones de copias. Fue el álbum de música clásica mejor vendido durante más de una década. Cliburn ganó el Grammy en 1958 por la mejor interpretación solista con orquesta.

Cliburn actuó y grabó en los años 70, pero en 1978, tras las muertes de su padre y de su manager, se retiró de la vida pública. En 1987 fue invitado a tocar en la Casa Blanca para el presidente Ronald Reagan y el secretario general de la Unión Soviética Mijaíl Gorbachov, y después fue invitado a inaugurar la temporada número cien del Carnegie Hall.

Con más de 70 años todavía da un número limitado de recitales al año. Ha tocado para todos los presidentes de Estados Unidos desde Harry Truman. Cliburn reside hoy en Fort Worth, Texas suburbio de Westover Hills.

Con ustedes su interpretación del concierto para piano de Robert Schumann.

El Concierto para piano y orquesta en la menor de Robert Schumann es, de los tres conciertos escritos por el -—para piano, violín y violonchelo-—, el primero de ellos, opus 54, en la menor, el que ha alcanzado mayor difusión, y está considerado como una de las columnas básicas del repertorio para piano y orquesta. Schumann había compuesto en 1841 una fantasía para esta combinación, pero no estando satisfecho con ella la dejó reposar durante un tiempo. En 1845 la revisó cuidadosamente y añadió al inicial otros dos movimientos, con lo que formo su Concierto para piano. El resultado fue una obra singular, alejada del modelo de concierto establecido por Mozart y consolidado por Beethoven, que el propio Schumann calificó de «algo entre concierto, sinfonía y gran sonata».

El estreno tuvo lugar el 1 de enero de 1846 en Leipzig, teniendo a la esposa del compositor, Clara, como extraordinaria solista. Hasta casi el final de sus días, en 1896, tocó esta gran artista el concierto de su marido por las salas de concierto de Europa. Edvard Grieg (estudiante en el Conservatorio de Leipzig en aquellos momentos), escucharía el concierto, interpretado de nuevo por Clara Schumann, en 1859, y reflejará en su Concierto para piano y orquesta en la menor la influencia schumaniana.

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"No dejes que los que no tienen sueños te detengan"

2010-09-25T22:25:00.005-05:00

Albert Einstein

Tchaikovsky - Quinta Sinfonía Op. 64

2010-09-15T10:13:00.000-05:00

La Sinfonía n.º 5 en re menor, Op. 64 de Piotr Ilich Tchaikovsky fue compuesta entre mayo y agosto de 1888 y fue estrenada en San Petersburgo el 6 de noviembre de ese año bajo la batuta del propio Tchaikovsky. Una interpretación habitual de la obra dura unos 46 minutos. La sinfonía consta de cuatro movimientos:

1.Andante - Allegro con anima (re menor)

2.Andante cantabile, con alcuna licenza (mi mayor)

3.Valse: Allegro moderato (la mayor)

4.Andante maestoso - Allegro vivace (re mayor → re menor → re mayor)

La interpretación corre a cargo de el maestro Mariss Jansons y la Orquesta Filarmónica de Oslo

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Rachmaninoff - Las Campanas Op. 35

2010-09-11T11:17:00.001-05:00

maninoff

Las campanas Op. 35, es una sinfonía coral escrita en 1913. La letra proviene del poema Las campanas de Edgar Allan Poe, traducido con gran libertad al ruso por el poeta simbolista Konstantín Balmont. El canto llano Dies Irae se emplea con frecuencia a lo largo de la obra. Fue una de las dos composiciones favoritas de Rajmáninov, junto con Las vísperas, y es considerada por algunos como su mejor obra de estilo secular coral. Rajmáninov consideraba la obra como una sinfonía coral y su Tercera Sinfonía a la vez nada más acabar de escribirla; sin embargo, escrbiría más tarde una Tercera Sinfonía puramente instrumental durante sus años en el exilio.

Rajmáninov le escribió a su amigo Morozoff en diciembre de 1906, preguntándole qué tema sería apropiado para una pieza coral tras su Cantata de primavera. No recibió contestación alguna sobre su petición. Sin embargo, mientras estaba de vacaciones en Roma, Italia a principios de 1907, Rajmáninov recibió una carta anónima junto con una copia de la traducción de Las campanas realizada por Balmont. El remitente le instó a que leyera los versos, sugiriéndole que eran apropiados para lo que quería componer y que le parecerían especialmente apropiados. (Esta sugerencia fue tanto extremadamente susceptible como oportuna. Tras la muerte del compositor se pudo saber la identidad del remitente que parece haber sido Mariya Danilova, en ése entonces una joven estudiante de violonchelo del Conservatorio de Moscú).

Las campanas establece parelismos entre el compositor y su antiguo mentor, Piotr Ilich Chaikovski, tanto la obra como las circunstancias de su composición. Casualmente, Rajmáninov escribió la sinfonía en Roma, Italia en el mismo escritorio donde Chaikovski solía componer. La composición, al constar de cuatro movimientos que reflejan la vida desde el nacimiento a la muerte, hace suponer que el final sería un movimiento lento. Por varios motivos, es homóloga a la Sinfonía Patética de Chaikovski, así como Das Lied von der Erde de Gustav Mahler. El cuarto movimiento, con su imagen del demoníaco tañedor de campanas, es una referencia a la escena del dormitorio de La dama de picas.

Los cuatro movimientos son los siguientes:

1.Allegro ma non tanto

2.Lento

3.Presto

4.Lento Lugubre

Interpretan Choral Arts Society of Philadelphia, the Philadelphia Orchestra, Charles Dutoit - Dirección

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Ormandy - Rachmaninoff Segunda Sinfonía

2010-09-04T22:31:00.000-05:00

Eugene Ormandy (nombre original: Jenö Blau), Budapest, 18 de noviembre de 1899 - Filadelfia, 12 de marzo de 1985. Estudió en el conservatorio de Budapest. En 1921 se desplazó a los Estados Unidos. Tomó su nombre del buque en el que viajó, el Normandie. En ese país trabajó primero como violinista para luego dirigir la Capitol Theater Orchestra, grupo que acompañaba películas de cine mudo.

En 1931, Ormandy fue designado director de la Orquesta Sinfónica de Minneapolis, puesto que ocupó hasta 1936. Durante los peores días de la Gran Depresión, Ormandy y la Minneapolis Symphony fueron contratados por RCA Victor para efectuar varias grabaciones, entre las que destacan la Sinfonía Nº7 de Anton Bruckner y la Sinfonía Nº2 de Gustav Mahler. La excelencia de estas grabaciones contribuyeron a la reputación de Ormandy como un director de gran talento. Sin embargo la gran fama de que goza todavía hoy se debe a las 44 temporadas que pasó al frente de la Orquesta de Filadelfia, con la que empezó a colaborar en 1936 cuando fue nombrado director asociado y dirigió la orquesta alternándose con Leopold Stokowski. Años más tarde será nombrado único director titular, puesto que mantendrá hasta 1980. Dirigió la orquesta en múltiples conciertos y giras por Estados Unidos y el resto del mundo. Una de las más famosas fue la que realizó en 1955 a Finlandia, donde visitó al anciano compositor Jean Sibelius (que murió dos años después con 91 años); otra, la que realizó a China, con una respuesta del público entusiasta tras decenios de verse privado de música clásica occidental, prohibida por el régimen comunista.

Se le considera un gran especialista en la música tardorromántica y de inicios del siglo XX, especialmente de la obra de Rachmaninov y Shostakovich (de este último dirigió el estreno en Estados Unidos de muchas de sus obras sinfónicas). También difundió la música de los compositores norteamericanos contemporáneos. Sus grabaciones discográficas son muy numerosas, casi siempre al frente de la Orquesta de Filadelfia. No sólo era un gran director sinfónico, sino también un elegante y sensible acompañante en los conciertos con solista. Estableció una estrecha relación artística con artistas de la talla de los pianistas Arthur Rubinstein, Emil Gilels, Van Cliburn, Robert Casadesus y Rudolf Serkin, los violinistas David Oistrakh, Isaac Stern y Itzhak Perlman y los violonchelistas Leonard Rose y Emanuel Feuermann, entre otros.

Les presento una grabación extremadamente buena de la segunda sinfonía de Sergei Rachmaninoff; Ormandy en la batuta, al frente de la Orquesta sinfónica de Filadelfia, grabación de 1973.

Incluye también la interpretación de la Orquesta sinfónica de Chicado y el director Fritz Reiner de La isla de los muertos.

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ESTE ES UN REGALO PARA UNA HERMOSISIMA PERSONA, EN SU CUMPLEAÑOS, HOY 4 DE SEPTIEMBRE, DISFRUTALO MUCHO.

Rachmaninoff - Versiones Originales de los conciertos para piano 1 y 4

2010-08-13T11:35:00.011-05:00

EL BLOG CUMPLIÓ SU PRIMER AÑO

Rachmaninoff compuso su Primer concierto para piano y orquesta en 1891, pero lo revisó y republico en 1917, esta versión es la popular en nuestros tiempos. El concierto para piano y orquesta No. 4 compuesto originalmente en 1926 fue reeditado y lanzado en 1941. Hoy les presento un disco de colección que incluye las versiones originales de ambos conciertos Interpreta Alexander Guindin al piano bajo la dirección de Vladimir Ashkenazy y con la Orquesta filarmónica de Helsinki. Grabación del 2001.

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Gelber y el emperador de todos los conciertos

2010-08-08T20:12:00.000-05:00

El concierto para piano n.º 5 en mi bemol mayor, op. 73, conocido popularmente como Emperador, fue el último concierto para piano del compositor Ludwig van Beethoven. Fue escrito entre 1809 y 1811 en Viena y está dedicado a Rodolfo de Austria (Cardenal), patrón y pupilo de Beethoven. Fue estrenado el 28 de noviembre de 1811 en la Gewandhaus de Leipzig. En 1812 Carl Czerny, estudiante del compositor, estrenó la obra en Viena. Les presento la interpretación de Bruno Gelber, pianista argentino.

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Dedicado a mi gran amiga en méxico, que lo disfrutes

Franz Liszt - Études d'exécution transcendante d'après Paganini

2010-08-05T19:03:00.001-05:00

Los Études d'exécution transcendante d'après Paganini S. 140 fueron compuestos entre 1838 y 1839 por Franz Liszt, están basados en composiciones para violin de Nicolo Paganini. En 1851 Liszt revisó su opus S 140 y creó los Grandes Études de Paganini, S.141, en total son doce piezas, seis pertenecen al S 140 y seis al S 141. Con ustedes la interpretación del pianista australiano Leslie Howard.

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Semana mundial de la lactancia materna

2010-08-03T16:31:00.000-05:00

La semana mundial de la lactancia materna, instaurada oficialmente por OMS / UNICEF en 1992, es actualmente el movimiento social más extendido en defensa de la lactancia materna. Se celebra en más de 120 países, del 1 al 7 de agosto, aniversario de la Declaración de Innocenti, firmada por la Organización Mundial de la Salud (OMS) y el Fondo de Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF) en agosto de 1990 sobre la protección, el fomento y el apoyo de la lactancia materna.

APOYEMOS TODOS LA MARAVILLOSA LACTANCIA MATERNA

Erik Satie - Obras para piano

2010-08-01T15:00:00.015-05:00

Erik Satie, nacido como Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur (Calvados), 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés. De estilo inclasificable y avanzado a su tiempo, anticipó el serialismo y el minimalismo y preconizó la ruptura formal y tonal de la música contemporánea. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret.

Tras haber convivido con las vanguardias de su época, su obra resulta aún hoy tan extravagante como su vida. De conductas transgresoras, de caracter insoportable e intransigente, con ideas disparatadas y ocurrencias en ocasiones irritantes e incluso paranoicas, se presentaba a sí mismo como «gimnopedista» (antes incluso de escribir su más famosa composición, las Gymnopédies) y como «fonometrógrafo» (alguien que mide y escribe los sonidos), prefiriendo definirse así que como «músico».

Titulaba sus obras de manera delirante (Tres fragmentos en forma de pera, Españaña, Vejaciones) y las anotaciones de sus partituras resultaban en ocasiones grotescas (en su Danse cuiraseé se puede leer: Paso noble y militar. Se baila en dos filas. La primera no se mueve. La segunda fila se queda quieta. Los bailarines reciben un sablazo que les divide en dos la cabeza). Inventó la música de mobiliario, aquella compuesta específicamente para no ser escuchada, anticipando así la música ambiental de los espacios públicos, y militó en confesiones religiosas de las que era el único miembro. Basó su obra en el humor y la ironía. Sólo a su muerte, tras entrar en su apartamento, sus amigos se dieron cuenta de la miseria en la que vivía, miseria a la que describía como «la muchacha de grandes ojos verdes»

Hasta el año de su muerte en 1925, absolutamente nadie excepto él entró a su habitación en Arcueil desde que se mudara hacía veintisiete años. Lo que sus amigos descubrieron ahí, después de su entierro en el cementerio de Arcueil, tenía el encanto de la tumba de Tutankamon; además del polvo y las telarañas (lo cual, entre otras cosas, aclaró que Satie jamás compuso usando su piano), descubrieron numerosos objetos:

una colección de unos cien paraguas, algunos aparentemente jamás usados;

Retrato de Satie por Suzanne Valadon en 1983

el retrato que le hizo su amiga Suzanne Valadon en 1893

cartas de amor y dibujos de la época de Valadon;

otras cartas de todos los períodos de su vida;

su colección de dibujos de edificios medievales (hasta entonces sus amigos empezaron a ver la relación entre Satie y ciertos anuncios de periódico anónimos acerca de «castillos en plomo» y cosas parecidas);

Autorretrato de Erik Satie 1913

otros dibujos y textos de valor autobiográfico

otras cosas memorables de todos los periodos de su vida, entre ellos siete trajes de terciopelo del periodo del «caballero de terciopelo».

Pero lo más importante, había composiciones de las cuales nadie había oído hablar (o que se creían perdidas) por todos lados: atrás del piano, en las bolsas de los trajes de terciopelo, etc. Estas incluían las Vexations, Geneviève de Brabant, y otros no publicados o no terminados, como el pez soñador, muchos ejercicios de la Schola Cantorum, un conjunto no conocido de las piezas «caninas», algunos otros trabajos para piano, muchas veces sin título (las cuales fueron publicadas como Nuevas Gnossiennes, Pièces Froides, Enfantines, Música de amoblamiento, etc.).

De acuerdo a Milhaud, Satie «profetizó el mayor movimiento en la música clásica que aparecerá en los próximos cincuenta años dentro de su propia obra musical».

Les presento las Gymnopédies, Gnossiennes, Croquis et agaceries, y otras obras para piano solo de Erik Satie. Interpreta el pianista Yitkin Seow

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Que lo disfruten

Glazunov - Piano concierto No. 2

2010-07-30T17:03:00.000-05:00

Glazunov compuso su hermoso concierto No. 2, Op 100 en Si mayor para piano y orquesta entre 1916 y 1917. Consta de tre movimientos: Andante sostenuto, Andante moderato tranquilo y allegro Scherzando.
Les presento la interpretación de Stephen Coombs y la BBC Scottish Symphony Orchestra dirige Martyn Brabbins, grabación de 1996.

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Que lo disfruten, extremadamente romántico.

Glazunov - Piano concierto No. 1

2010-07-27T18:00:00.001-05:00

Aleksandr Konstantínovich Glazunov San Petersburgo, 10 de agosto de 1865 - † París, 21 de marzo de 1936; compositor, director de orquesta e influyente maestro de música ruso. Alternó la recuperación de las raíces musicales rusas con su adscripción a las influencias estilísticas occidentales, que fueron haciéndose más fuertes en sus últimas obras. Era cercano al círculo de compositores rusos de recuperación nacionalista y folclórica conocido como el Grupo de los Cinco. Se le considera el último exponente de la escuela nacional rusa de composición, fundada por Mijaíl Glinka. Fue cultor de la llamada música de programa. Compuso entre 1910 y 1911 su Concierto n.º 1, en Fa menor para piano y orquesta, Opus 92. El concierto está conformado por un movimiento llamado Allegro Moderato y luego por Un tema andantino tranquilo con 9 variaciones de ese último tema.

Les presento la interpretación de Stephen Coombs y la BBC Scottish Symphony Orchestra dirige Martyn Brabbins, grabación de 1996.

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Chopin - Polonesa Op. 53 - Arthur Rubinstein

2010-07-21T21:43:00.006-05:00

La Polonesa Op. 53 en La bemol mayor, también conocida como Polonesa heroica (Polonaise heroïque en francés) fue escrita por Fryderyk Chopin en 1842 para piano solo. La pieza está dedicada a A. Leo ("à Mr. A. Leo")

Esta obra maestra es una de las composiciones más conocidas de Chopin y es aún hoy en día una de las piezas favoritas del repertorio para piano. Es una pieza muy exigente que requiere habilidades excepcionales y virtuosismo al piano para ser tocada con un nivel de calidad adecuado.

Aunque la pieza está denominada como "polonesa", en realidad tiene muy poco que ver con el estilo típico de las polonesas. Presenta dos secciones con un ritmo que sí es característico de las polonesas, pero la mayoría de la obra no tiene las características de ese tipo de composición musical. Se ha dicho que Chopin la compuso con una Polonia libre y poderosa en mente, lo que podría haberle llevado a calificarla de "polonesa".

Otra posibilidad es que la Polonesa heroica esté muy relacionada con la Polonesa Militar Op. 40 en La mayor. La introducción de la Polonesa heroica está claramente influenciada por la Polonesa militar, que sí era una verdadera polonesa, no como la Heroica.

Un video de Arthur Rubinstein al piano

Que la disfruten

El Danubio Azul - Karajan Video

2010-07-19T21:25:00.000-05:00

En febrero del año 1867, Johann Herbeck, director del Wiener Männergesangverein, pidió a Strauss que le escribiera un vals para su coro. Herbeck llevaba mucho tiempo disgustado con el repertorio del coro masculino, que en su opinión era mediocre y gris, por lo que deseaba un vals coral "vivo y alegre" para los carnavales de aquel año. La letra la escribiría el poeta fijo de la sociedad coral.

Strauss se puso al trabajo, y pronto terminó el encargo, que sería el más famoso y popular de sus cuatrocientos valses.

En aquella época, reinaba en Viena una atmósfera derrotista como consecuencia de la derrota de Austria a manos de Prusia en la Guerra de las Siete Semanas en 1866.

El comisario de Policía, Josef Weyl, a quien se encargó la letra del vals, aprovechó la oportunidad para manifestar sus sentimientos políticos. A los componentes del coro no les gustó la letra, y la protestaron ruidosamente cuando tuvieron que ensayar la canción. Su indignación envolvía también a la música. Pero Herbeck y el patró de las artes, Nikolas Dumba, a quien estaba dedicado el vals, consiguieron apaciguarlos y que no ofendieran a Strauss.

El día 13 de febrero de 1867, el vals se estrenó en la Sala Diana, bajo la batuta de Rudolf Weinburm. La orquesta creada por los hermanos Josef y Eduard Strauss, acompañó al coro. Aunque el vals fue bien, pasó de mediano.

Strauss comentó con su hermano Josef:

"Que el diablo se lleve el dichoso vals. Sólo lo siento por la coda, que pensé habría de gustar más".

Pero cuando el propio Strauss en persona dirigió el vals (sin coro), en la Exposición Universal de París, en el verano del mismo año, el éxito fue enorme, y rápidamente alcanzó una tremenda popularidad.

Invitado por el Príncipe de Gales, Strauss lo dirigió en Inglaterra, donde fue ejecutado en seis conciertos en el Covent Garden.

Unas semanas después salía para todos los rincones del mundo un millón de ejemplares de la partitura impresa. Las planchas de cobre que se utilizaban en aquel tiempo para la impresión musical, sólo podían utilizarse para 10.000 ejemplares, número excesivo incluso para las melodías más populares. Sin embargo, fue necesario grabar cien planchas para la edición de El bello Danubio azul.

Franz von Gernerth escribió una nueva letra que dice:

"¡Danubio azul! A través de valles y praderas corren tus ondas muellemente. Nuestra Viena te saluda. Tu cinta plateada enlaza playas y playas, y los corazones felices cantan a lo largo de tus hermosas orillas".

Se hicieron varias traducciones inglesas, una de ellas por Charles Dunn. Francia también tiene su versión. El compositor Wekerlin lo adaptó para una sola voz con letra de Jules Barbier.

Hoy, El Danubio Azul es considerada una de las más populares piezas de la música clásica. Las connotaciones sentimentales vienesas, lo han convertido en el segundo himno nacional austriaco, y es uno de los "bises" indiscutibles del Concierto de Año Nuevo de Viena.

Les dejo un video para que lo aprecien, Karajan y la sinfónica de Viena

Que lo disfruten

Vivaldi Concierto para tres violines - Isaac Stern

2010-07-09T17:12:00.001-05:00

El Concierto para 3 violines, cuerdas y bajo continuo en Fa mayor es a menudo considerado entre los conciertos más llamativos que escribió Antonio Vivaldi, se inspiró para encontrar nuevas formas de interacción entre los violines y crear texturas y colores muy variados. Tiene tres movimientos Allegro, andante y allegro. Interpretan Isaac Stern, Itzhak Perlman y Pinchas Zukerman, con la orquesta sinfónica de Nueva York y Zubin Mehta en la dirección, grabación de 1990 para conmemorar el 60 aniversario de la carrera de Isaac Stern.

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Rachmaninoff - Études-Tableaux

2010-06-28T19:17:00.000-05:00

Los Études-tableaux son dos conjuntos de estudios para piano compuestos por Sergéi Rajmáninov en los años 1911 y 1916. Reciben los números de opus Op. 33 y Op. 39, respectivamente.

Études-Tableaux Op. 33

N.º 1 en Fa menor: Allegro non troppo

N.º 2 en Do mayor: Allegro

N.º 3 en Do menor: Grave

N.º 4 en La menor: Moderato

N.º 5 Re menor: Moderato

N.º 6 en Mi bemol menor: Non Allegro - Presto

N.º 7 en Mi bemol mayor: Allegro con fuoco

N.º 8 en Sol menor: Moderato

N.º 9 en Do sostenido menor: Grave

Étude-Tableau Op. 39 nº5 en Mi bemol menor

N.º 1 en Do menor: Allegro agitato

N.º 2 en La menor: Lento assai

N.º 3 en Fa sostenido menor: Allegro molto

N.º 4 en Si menor: Allegro assai

N.º 5 en Mi bemol menor: Apassionato

N.º 6 en La menor: Allegro

N.º 7 en Do menor: Lento

N.º 8 en Re menor: Allegro moderato

N.º 9 en Re mayor: Allegro moderato, Tempo di Marcia

Al piano Vladimir Ashkenazy.

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GRACIAS A EL CUERVO LOPEZ POR SU INMENSO TRABAJO POR LA MUSICA

Ignacy Jan Paderewski - Piano Concierto

2010-06-04T08:21:00.000-05:00

Ignacy Jan Paderewski: 18 de noviembre de 1860 y fallecido el 29 de junio de 1941.

Nació en el pueblo de Kurylovka, en la provincia de Podolia, Rusia. Su padre trabajaba allí como economista en la mansión local. Su madre, murió varios meses después de que naciera y él fue educado por unos parientes lejanos.

Estudió en los conservatorios de Varsovia, Berlín y Viena. Entre 1881 y 1883 amplió sus estudios de composición con Friedrich Kiol y Henrich Urba en Berlín. Allí conoció a Richard Strauss. Su debut en Viena en 1887 y su actuación dos años después en París le valieron la fama de ser el mejor pianista después de Franz Liszt. Eran muy admiradas sus interpretaciones de las obras del compositor polaco Frédéric Chopin. En 1899 se casó con la baronesa de Rosen y tras 1900 raramente aparecía en público y más bien empezaba a ser más conocido como compositor, principalmente de piezas de piano. En 1901 su ópera Manru, una sinfonía, conciertos, y piezas orquestales y para piano, entre las que destaca su popular Minueto en sol, fue interpretada en Dresde. Era también activo como trabajador social y donante. Por ejemplo, en 1910 donó a los habitentes de Cracovia el monumento a la Batalla de Grünwald. En 1913 Paderewski se estableció en los Estados Unidos.

Entre 1910 y 1920 Paderewski luchó en favor de la independencia polaca, colaboró en la asistencia a las víctimas en Polonia de la I Guerra Mundial y realizó giras de conciertos por Estados Unidos para recaudar fondos para su país. Al final de la guerra, cuando el destino de la ciudad de Poznań y la región de Gran Polonia entera estaba todavía sin decidir, Paderewski visitó Poznań. Con su discurso público el 27 de diciembre de 1918, los habitantes de la ciudad empezaron un levantamiento militar contra Alemania, llamado el levantamiento de Gran Polonia.

En 1919, en la recién independiente Polonia, Paderewski se convirtió en Primer Ministro y Ministro de Asuntos Exteriores de Polonia (desde enero de 1919 a diciembre de ese mismo año), y representó además a Polonia en la Conferencia de Paz de París. Tras ser abandonado por muchos de sus partidarios políticos, Paderewski entregó a Piłsudski una carta de dimisión el 4 de diciembre de 1919. Paderewski tomó entonces el cargo de embajador de Polonia en la Sociedad de Naciones.

En 1922 se retiró de la carrera política y retomó su vida de concertista. Su primer concierto tras el largo parón fue en el Carnegie Hall de Nueva York y se convirtió en un significativo éxito. Se mudó rápidamente a Morges, en Suíza. Tras el Golpe de Estado de Piłsudski en 1926, Paderewski se convirtió en un miembro activo de la oposición al gobierno de Sanacja. En 1936 se firmó una coalición de miembros de la oposición en su mansión que fue llamada el Frente Morges por el nombre del pueblo.

Tras la Invasión de Polonia en 1939 Paderewski volvió a la vida pública. En 1940 se convirtió en la cabeza del Consejo Nacional de Polonia, el parlamento del Gobierno de Polonia en el exilio, en Londres. El octogenario artista nuevamente retomó el Fondo de ayuda a Polonia y dio varios conciertos (los más importantes en Estados Unidos) para conseguir dinero para él.

Durante una gira en 1941, Paderewski murió de repente en Nueva York, a las 11 de la noche del 29 de junio. Está enterrado en el Cementerio de Arlington, en Arlington, Virginia, carca de Washington, DC. En 1992 sus cenizas se llevaron a Varsovia y fueron ubicadas en una cripta en la Catedral de San Juan.

Les presento su concierto para piano, interpreta Piers Lane

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Que lo disfruten, es muy romántico

Niccolò Paganini

2010-05-31T20:45:00.000-05:00

Niccolò Paganini 27 de Octubre de 1782 - 27 de mayo de 1840. Es considerado entre los más famosos virtuosos de su tiempo, reconocido como uno de los mejores violinistas que hayan existido, con oído absoluto y entonación perfecta, técnicas de arco expresivas y nuevos usos de técnicas de staccato y pizzicato. Además es un excelente compositor de obras para violin.

Nació en Génova, donde estudió con músicos locales. Sus padres fueron Antonio Paganini y Teresa Bocciardo. Empezó a estudiar la mandolina con su padre a los cinco años. A los siete años comenzó a tocar el violín. Hizo su primera aparición pública a los nueve años y realizó una gira por varias ciudades de Lombardía a los trece. No obstante, hasta 1813 no se le consideró un virtuoso del violín. Tuvo como maestros a Giovanni Servetto y Alessandro Rolla. Con dieciséis años era ya conocido, pero no digirió bien el éxito y se convirtió en un jugador que continuamente se emborrachaba. Una dama desconocida lo salvó de esa vida licenciosa para llevarlo a su villa donde aprendió a tocar la guitarra y el piano.

En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y hermana de Napoleón. En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres. En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica, desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833 en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó. Renunció a las giras en 1834.

Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez su apariencia se notaba algo extraña y sus adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13". Podía interpretar obras de gran dificultad únicamente con una de las cuatro cuerdas de violín (retirando primero las otras tres, de manera que éstas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras incluyen veinticuatro caprichos para violín solo (1801-1807), seis conciertos y varias sonatas. Además creó numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas.

Llegó a poseer cinco violines Stradivarius y dos Amati.

Su salud se fue deteriorando por un cáncer de laringe que le hacía perder la voz a pasos agigantados y el tratamiento con mercurio que realizaba por recomendación de su médico para tratar la sífilis; murió en Niza el 27 de mayo de 1840.

De este gran maestro del violin les presento varias piezas para violin y orquesta:

Romance para Violin & Orchestra: aqui

Il Palpiti. Violin & Orchestra Sonata: aqui
Las Brujas Op. 8 (Recomendada) aqui
Majestuosa Sonata Sentimental aqui
Sonata Napoleón aqui

Todas las interpretaciones son a cargo del gran violinista Salvatore Accardo.

Que las disfruten

Henri Vieuxtemps - Concierto para violin y orquesta No. 1 Op. 10

2010-05-14T21:28:00.001-05:00

Henri François Vieuxtemps (Verviers, 17 de febrero de 1820 — † Argel, 6 de junio de 1881), fue un violinista y compositor belga, quizá el mayor representante de la escuela violinística franco-belga.

Fue niño prodigio y entre sus compositores más admirados se encuentra Beethoven, de quien se convierte en intérprete favorito de su Concierto para Violín y Orquesta Op.61. Su aprecio por la música alemana es grande. En 1834 realiza una gira por Alemania y es escuchado en Leipzig por Schumann, quien lo compara con Paganini. Al año siguiente, en 1835, decide volver a París y concluir sus estudios de composición con Anton Reicha. Su primera composición llegaría en 1836: el Concierto para Violín n.º 2 en Fa sostenido menor Op. 19. En 1837 y 1839 realiza largas giras por Rusia, donde se gana una gran reputación. En el segundo viaje escribe su Concierto para Violín n.º 1 en Mi Mayor Op. 10, estrenado en París en 1841 con el aplauso de Wagner y Berlioz.

La obra consta de tres movimientos

1. Allegro moderato

2. Adagio

3. Rondò: Allegretto

La interpretación es a cargo de Misha Keylin en el violin, con la Orquesta Filarmonica de Janacek y Dennis Burkh en la batuta.

http://www.mediafire.com/?24yjgkdtyjt

Que lo disfruten, tiene un alto grado de virtuosismo en sus notas, muy bello.

PD. Este post fue especialmente hecho para Ana Lucia. Que lo disfrutes.

Rachmaninoff - Warenberg - Piano concierto No. 5 (en base a la segunda sinfonía)

2010-05-02T22:32:00.000-05:00

Hoy les presento un tributo muy especial a la música de Rachmaninoff , ya que el 22 de abril de 2008 el distribuidor musical Brilliant Classics lanzó el arreglo que realizó Alexander Warenberg de la segunda sinfonía para piano y orquesta de Rachmaninoff, bajo el título del Concierto para piano n.º 5 de Rajmáninov. Una recreación con melodías sublimemente bellas, el Adagio tan romántico que cuesta describirlo con palabras. Los animo a comprar el original de este disco, que es realmente para coleccionistas, y para todos los seguidores del maestro Rachmaninoff.

Descargar

Que disfruten este portento de belleza, maravillosa interpretación.

GLINKA - RUSLAN Y LUDMILA

2010-04-25T17:04:00.001-05:00

Ruslán y Liudmila es una ópera compuesta por Mijaíl Glinka. El libreto está basado en un poema de Alejandro Pushkin y fue escrito por varias personas. Fue estrenada el 9 de diciembre de 1842 en San Petersburgo.

El argumento es una adaptación de un cuento de hadas de Pushkin. La obertura es una pieza breve y llena de energía que se basa en tres temas: El de Ruslán, enérgico y guerrero; el de su amor por Ludmila, más tierno; y el del malvado enano Chernomor.

Mijaíl Ivánovich Glinka 1804 – 1857 fue un compositor ruso.

Glinka fue el primer compositor ruso en ser reconocido fuera de su país y, generalmente, se le considera el 'padre' de la música rusa. Su trabajo ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes de compositores de su país.

Sus obras más conocidas son las óperas Una vida por el Zar, (1836) que es la primera ópera nacionalista rusa, y Ruslán y Liudmila (1842), cuyo libreto fue escrito por Alexandr Pushkin y su obertura se suele interpretar en las salas de concierto.

Les presento la interpretación del maestro Evgeny Svetlanov 1967

http://www.mediafire.com/?r2lnmw2omm5

Que la disfruten, especialmente la obertura.

Vasily Kalinnikov - Primera sinfonía

2010-04-17T19:00:00.000-05:00

El compositor Ruso Vasily Kalinnikov (1866 - 1901), compuso en 1895 su primera sinfonía, obra de extrema belleza. La interpretación es a cargo de la Royal Scottish Natioal Orchestra, bajo la batuta de Neeme Jarvi.

http://www.mediafire.com/?2mz1zdgzw4l

Que la disfruten

Chopin - Sonata para Chello y piano Op. 65

2010-04-13T20:24:00.000-05:00

Frédéric Chopin escribió su sonata para Cello en sol menor, Op. 65 en 1846. Es uno de los nueve trabajos que Chopin compuso para instrumentos además del piano solo, en el transcurso de toda su vida. Y fue el último de sus opus publicado en vida.
La sonata fue escrita y dedicada a el gran violonchelista Auguste Franchomme; que fue quien acompañó a Chopin durante el estreno de la sonata en Salle Pleyel el 16 de febrero de 1848.

Les presento la interpretación de Jaqueline Dupre y Daniel Barenboim, grabación de 1971.

http://www.mediafire.com/?3zldnzmx4zd

Que la disfruten

Rachmaninoff - Fantasia La Roca Op. 7

2010-03-27T20:55:00.000-05:00

La fantasía sinfónica La Roca de Rachmaninov fue según dijo el propio compositor, la primera de sus obras dignas de figurar en su repertorio. Basada en un relato de Chejov, retrata la trágica relación de una mujer joven con un hombre maduro. Es un poema sinfónico ágil, in crescendo hasta la clásica explosión final.

Interpretan la orquesta sinfonica de la federación rusa, bajo la batuta de Evgeny Svetlanov. Grabación de 1995

http://www.mediafire.com/?nvdjkwy2nbh

Una obra muy bella, disfruten las melodias de la flauta y el arpa al estilo Rachmaninoff.

Edvard Grieg - Concierto para piano y orquesta en la menor

2010-03-23T18:21:00.001-05:00

Luego de Scorpions, regresamos a los clásicos....

El Concierto para piano y orquesta en la menor de Edvard Grieg fue escrito en 1868 cuando el autor tenía 24 años de edad, y se encontraba en Dinamarca. Este concierto fue inspirado por el concierto para piano de Robert Schumann y ambas obras tienen la misma clave. El estreno fue el 3 de abril de 1869. Pese a la buena acogida que tuvo la obra (pues hasta Liszt llegó a tocarla, dejando admirado al compositor), Grieg la revisó en 1906-1907, y ésta es la versión que se escucha hoy.

El Concierto para piano en la menor de Edvard Grieg consta de los tres movimientos tradicionales de los que un concierto pianístico se constituye:

Allegro molto moderato: El concierto comienza con un impetuoso redoble de timbal y una serie de acordes de gran esfuerzo. Este primer movimiento está escrito en forma sonata. El primer tema es presentado por el clarinete, y recogido luego por el solista con numerosos embellecimientos; el segudno tema, encomendado a los violonchelos, es de inequívoco sabor noruego. Durante el amplio desarrollo, el piano tiene muchos momentos para lucir sus cualidades líricas y virtuosísticas, con una soberbia cadencia y bellísimos pasajes en los que comparte protagonismo con la flauta y la trompa.

Adagio: Hermos, de carácter intimista y soñador. Prescinde de los metales, a excepción de las dos trompas. El delicado tema principal es expuesto por la cuerda en sordina y tomado después por el piano, que con sus trinos parece reflejar un estado de beatitud primaveral. Un pasaje de trasiciónda paso al movimiento final.

Allegro moderato molto e marcato - Quasi presto - Andante maestoso: Está construido sobre un tema de danza popular, alegre y rítmica, que contrasta con un segundo tema de gran lirismo presentado por la flauta. El concierto retoma el brío inicial y, tras la cadencia, finaliza de manera majestuosa y brillante.

La interpretación es de alta calidad, a cargo del gran Arthur Rubinstein y la RCA Victor Symphony Orchestra, con Alfred Wallenstein como director, grabación de 1961.

Muchas gracias a mi amigo Juan autor de el blog chopiniano, por este material tan maravilloso.

http://www.mediafire.com/?0trtzrtmhy2

Que lo disfruen, el segundo movimiento simplemente es como un sueño.....

Brahms - Concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83

2010-03-17T22:10:00.001-05:00

El concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83, de Johannes Brahms se separa en alrededor de veinte años de su Primer concierto para piano. Brahms inició su composición en 1878 y la completó sólo tres años más tarde, en 1881, en Pressbaum, en las cercanías de Viena. Es considerado por muchos pianistas y entendidos como una de las piezas de mayor dificultad técnica dentro de la literatura pianística universal.

Tiene cuatro movimientos:

1.Allegro non troppo

2.Allegro appassionato

3.Andante

4.Allegretto grazioso

En esta obra, Brahms, siguiendo el ejemplo de Liszt y sus ya entonces célebres conciertos para piano, altera el esquema tradicional del concierto clásico, introduciendo, luego del primer movimiento, un segundo movimiento rápido. Es una obra de largo aliento, de dimensiones holgadas, y en este sentido, por su carácter marcadamente sinfónico y sus amplios desarrollos temáticos, se emparenta con su primer concierto para piano. De impulso menos trágico que su predecesor, más bien imbuido en un colorido de hondo lirismo, esta obra goza en la actualidad de una popularidad sólo comparable a las contribuciones de Beethoven y Schumann al género.

Pese a su gran escala, cuando Brahms le envió una copia de la partitura a su amigo, el cirujano y violinista Theodore Billroth (a quien Brahms dedicó sus primeros dos cuartetos de cuerdas), éste lo describió como "un pequeño concierto para piano con un pequeño scherzo". Brahms mismo, en una carta dirigida a Elisabeth von Herzogenberg, con su proverbial humor, se refiere al segundo movimiento como "un pequeño alegre scherzo".

La pieza fue estrenada en Budapest el 9 de noviembre de 1881 con el compositor al piano. A diferencia de su primer concierto, este recibió una muy favorable aceptación, y Brahms lo interpretó nuevamente en Alemania, Austria y Holanda, a veces bajo la batuta de su amigo Hans von Bülow.

Interpreta Krystian Zimerman y Leonard Bernstein

http://www.mediafire.com/?ymzynnjyf4k

Que lo disfruten

Rachmaninoff - Tercera Sinfonía Op. 44

2010-03-15T17:14:00.000-05:00

Sergéi Rajmáninov compuso la Sinfonia n.º 3 en la menor, Op. 44 entre 1935 y 1936. Fue estrenada el 6 de noviembre, 1936, bajo la batuta de Leopold Stokowski dirigiendo la Orquesta de Filadelfia. La sinfonía contiene solo tres movimientos pero el central asume el rol dual de movimiento lento y scherzo, lo que supone una innovación sinfónica para Rajmáninov. La obra emplea la forma cíclica, con un sutil uso de los temas motívicos combinados, como viene siendo usual en la obras de Rajmáninov, con referencias al canto llano Dies irae. La pieza tiene una duración aproximada de 40 minutos.

Los tres movimientos son:

1.Lento - Allegro moderato - Allegro

2.Adagio ma non troppo - Allegro vivace

3.Allegro - Allegro vivace - Allegro (Tempo primo) - Allegretto - Allegro vivace.

Lo que sentó precedente de la Tercera Sinfonía fue su gran economía de sonido comparada con sus predecesoras. Su estilo más libre, que puede recordar en un principio a la Rapsodia sobre un tema de Paganini, mejora la capacidad emocional de la obra. El profundamente trágico primer movimiento, sin llegar a ser mórbido, representa un derrumbe con reminiscencias a Mahler en su gran impresión y inexorabilidad. A diferencia de Mahler, Rajmáninov mantiene una objetividad no como sucede en una tragedia griega, sino con la oscuridad que finalmente se transforma en un poderoso finale.

La Tercera Sinfonía es una obra de transición. Respecto al contorno melódico y el ritmo es su sinfonía más expresiva, particularmente en los ritmos de la última danza. El estilo ruso, es evidente desde el comienzo con el canto de estilo ortodoxo, es un recordatorio de las raíces del compositor por un hombre que había sido desprovisto de ellas. La música está saturada de tristeza y angustia. Cuando la música estalla, la melodía y armonía casí siempre se vuelven hacia sí mismas en vez de hacía afuera sin nigun sentimiento de alegría. Si hubiera una sóla obra que expresara el dolor que Rajmáninov sentía al estar en el exilio, sería ésta.

Rajmáninov compuso su Tercera Sinfonía tras componer la Rapsodia sobre un tema de Paganini y las Variaciones sobre un tema de Corelli. Llegó a su recién construida Villa Senar en el Lago Lucerna en Suiza a finales de abril de 1935 con la idea de escribir una sinfonía. Satisfecho con su nueva casa y con el espíritu renovado, Rajmáninov se puso manos a la obra. El 15 de mayo le informó a Sofiya Satin que había echo «algo de trabajo» y durante las siguientes semanas trabajó seriamente componiendo su nueva obra. Sin embargo, una cura de tres semanas en Baden-Baden en julio, así como un paréntesis en agosto, retrasaron a Rajmáninov. Cinco días antes de abandonar Senar al acabar las vacaciones de verano, Rajmáninov le escribió a Satin algo insatisfecho consigo mismo, «He acabado dos tercios de la obra en limpio pero el último tercio en sucio. Si tienes en cuenta que tardé setenta días de intenso trabajo para realizar los primeros dos tercios, para el último tercio - treinta y cinco días - no es tiempo suficiente. Empiezan los viajes y además debo seguir tocando el piano. Creo que estará acabada para el año que viene.»

A finales de la temporada de conciertos de 1935-36, los recitales en Suiza permitieron a Rajmáninov quedarse unos días en Senar. Evidentemente cogió la partitura de la sinfonía, dado que la tenía en París en febrero de 1936 al marcar junto con Julius Conus los arcos de las cuerdas. El trabajo en el último movimiento tuvo que esperar hasta que el compositor llegó a Senar el 16 de abril para sus vacaciones de verano. El 30 de junio, el compositor le comunicó a Satin, «Ayer por la mañana acabé mi obra, de lo que eres la primera en saberlo. Es una sinfonía. El estreno se lo tengo prometido a Stokowski —probablemente en noviembre. ¡Gracias a Dios que fui capaz de completarla!» Rajmáninov llegó a los Estados Unidos justo a tiempo para los últimos preparativos del estreno de la obra.

Les presento la interpretación de Vladímir Áshkenazi dirigiendo la Orquesta Real del Concertgebouw.

http://www.mediafire.com/?jtzu3nndmmj

Que la disfruten

La foto, corresponde a el estudio de Rachmaninoff en su villa Senar en Julio de 1939

Rachmaninoff - Sinfonía n.º 1 en re menor, Op. 13

2010-03-03T17:09:00.000-06:00

Serguéi Rajmáninov compuso la Sinfonía n.º 1 en re menor, Op. 13, en Ivanovka, una finca cerca de Tambov, Rusia, entre enero y octubre de 1895. Esta obra fue en realidad el segundo intento de Rajmáninov dentro del género sinfónico, dado que durante su último año en el Conservatorio de Moscú (1891) produjo un movimiento sinfónico titulado «Sinfonía Juvenil en re menor».

La sinfonía se interpretó por primera vez en San Petersburgo el 28 de marzo de 1897, sin que fuera interpretada nuevamente durante la vida del compositor. El estreno fue un rotundo fracaso debido a varios motivos: el director, Aleksandr Glazunov, dirigió pésimamente; hizo cortes en la partitura y varios cambios en la orquestación; y algunos asistentes al concierto sugirieron al acabar la obra que Glazunov parecía estar borracho. Además, al ser una obra escrita en un estilo moderno para la época, no fue del gusto de los asistentes, especialmente los miembros del Círculo Beliáyev; que la consideraron ofensiva debido al uso progresista de la forma sinfónica y por no seguir el preferido estilo académico del círculo de San Petersburgo liderado por Rimski-Kórsakov, el cual los compositores jóvenes debían seguir si esperaban tener alguna oportunidad en su carrera.

Rajmáninov, que confiaba que su obra sería un éxito sin precedentes, recibió un duro golpe a causa de estas hostiles críticas. Sufrió una crisis nerviosa y fue incapaz de componer hasta 1899, cuando sus familiares y amigos le convencieron de que se sometiera a un tratamiento de hipnoterapia con el Dr. Nikolai Dahl. El resultado del exitoso tratamiento fue el popular Concierto para piano n.º 2, que fue estrenado en 1900. A pesar de la hostil acogida, y al contrario de lo que se cree, Rajmáninov no destruyó o repudió la partitura de la Primera Sinfonía; de hecho, incluso consideró revisarla. Sin embargo, la partitura se perdió, debido a que al marcharse al exilio, dejó la partitura en su apartamento de Moscú. En 1944 fueron descubiertas las partes instrumentales de la sinfonía, así como varios bocetos y la partitura fue reconstruida completamente, y el segundo estreno tuvo lugar en el Conservatorio de Moscú el 17 de octubre de 1945, dirigida por Aleksandr Gauk.

La sinfonía es considerada actualmente como una representación dinámica de la tradición sinfónica rusa, en las palabras del compositor inglés Robert Simpson «una obra poderosa por derecho propio, que tiene sus raíces en las obras de Borodin y Chaikovski, pero convincente, individual, finamente construida y alcanzando una trágica y heroica expresión permanece por encima del pathos de su música posterior».

El estreno en Estados Unidos tuvo lugar el 19 de marzo de 1948 en la Philadelphia Academy of Music, con la Orquesta de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy. Formó parte además del primer concierto en ser televisado en dicho país. Una segunda interpretación fue emitida en la radio al día siguiente. Cabe decir que, comparado con lo que sucedió en el estreno de 1897, hicieron falta siete ensayos para preparar la obra para la audición inicial en América, aún cuando tanto Ormandy como la Orquesta de Filadelfia estaban familiarizados con el estilo del compositor. Con el póstumo aumento de la reputación de Rajmáninov como compositor, la sinfonía formaría parte del repertorio orquestal habitual.

La interpretación es a cargo de Vladímir Áshkenazi dirigiendo la Orquesta Real del Concertgebouw.

http://www.mediafire.com/?g1n4kzozkde

Que la disfruten

Rachmaninoff - Russian Rhapsody

2010-02-16T13:42:00.000-06:00

Russian Rhapsody es una pieza para dos pianos en mi menor compuesta por Sergei Rachmaninoff en 1891, cuando tenía 18 años. Es un conjunto de variaciones sobre un tema, más que una rapsodia verdadera. Se estrenó el 29 de octubre de 1891, y una interpretación dura aproximadamente nueve minutos.

La interpretación al piano por Andre Previn y Vladimir Askenazy.

http://www.mediafire.com/?dm1mj2t1tld

Que la disfruten

Mozart - Concierto para Arpa y Flauta K 299

2010-02-10T15:18:00.001-06:00

Les presento una pieza muy hermosa de Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, (Salzburgo, Austria; 27 de enero de 1756 – Viena, Austria; 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de mito.

En palabras de críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión todo bien fundado por una visión de humanidad redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto. Su influencia en toda la música occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez en 100 años».

Este concierto fue escrito a finales del mes de marzo de 1778, en este año Mozart viajó a París con su padre, el hábil músico-empresario Leopold Mozart, y entre los encargos que se le hicieron estaba el del duque de Guisnes de componer un concierto para flauta y arpa para ser interpretado por él, un buen flautista aficionado, y su hija, una excelente arpista, de acuerdo a las crónicas de la época. Se trata prácticamente de una composición de salón llena de encanto en la que Mozart demuestra su asimilación de las costumbres y los gustos de la sociedad de un país extranjero.

La interpretación es a cargo de la orquesta barroca de Amsterdam bajo la dirección de Ton Koopman.

http://www.mediafire.com/?ynymgiyjwmm

Que lo disfruten

Beethoven - Concierto para piano y orquesta n° 4 en Sol mayor Op. 58

2010-02-07T14:00:00.000-06:00

El Concierto para piano y orquesta n° 4 en Sol mayor Opus 58 de Ludwig van Beethoven fue compuesto entre 1805 y 1806.

El concierto tiene tres movimientos:

Allegro moderato

Andante con moto

Rondo (Vivace)

El cuarto concierto fue estrenado por Beethoven como solista en un concierto privado dado en marzo de 1807 en el palacio de su patrón, el príncipe Lobkowitz. Sin embargo, el estreno público no fue hasta el 22 de diciembre de 1808 en el Theater an der Wien de Viena de nuevo con Beethoven al piano. Un comentario en el Allgemeine Musikalische Zeitung de mayo de 1809 dice que " [este concierto] es el más admirable, singular, artístico y complejo concierto que Beethoven haya escrito". Empero, después de su estreno la obra fue olvidada hasta 1836, cuando fue reflotada por Felix Mendelssohn.

El primer movimiento comienza con un solo de piano, que toca acordes simples en la tónica principal antes de modular a la dominante. Sorprendemente, la orquesta entra entonces en Si mayor, lo que crea un cambio a un acorde de tercera que se revela en sí como un motivo del primer movimiento.

Franz Liszt caracterizó el segundo movimiento como un diálogo entre el piano (Orfeo) y las Furias, representada por las cuerdas al unísono. Su quieto final en Mi menor se enlaza sin pausa con los acordes de Do mayor que comienzan el finale.

El tercer movimiento es un Rondo con un tema muy rítmico, diferente en su carácter de áquel del primer movimiento, más en tono de diálogo y calmado.

La interpretación es a cargo de Krystian Zimerman al piano, Leonard Bernstein dirigiendo la Vienna Philharmonic Orchestra. Grabación de 1992

http://www.mediafire.com/?noje0zownmm

Que lo disfruten, un gran concierto

Richard Wagner - Transcripción para piano de la novena sinfonía de Beethoven WWV 9

2010-02-04T16:22:00.000-06:00

Wilhelm Richard Wagner (Leipzig, Reino de Sajonia, Confederación del Rin, 22 de mayo de 1813 – Venecia, Reino de Italia, 13 de febrero de 1883) fue un compositor, director de orquesta, poeta, dramaturgo y teórico musical alemán. Su figura ha pasado a la posteridad principalmente por sus óperas (también calificadas como «dramas musicales») en las que, a diferencia de otros grandes compositores, asume también la escenografía y el libreto.

Las obras de Wagner, particularmente las de su última etapa, destacan por su textura contrapuntística, riqueza cromática, armonía y orquestación, y un elaborado uso de los leitmotivs, temas musicales asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama. Wagner fue pionero en varios avances del lenguaje musical, tales como un extremo cromatismo (asociado con el color orquestal) o el cambio rápido de los centros tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música docta europea.

En la ciudad de Leipzig entre el verano de 1830 y la pascua de 1831 Richard Wagner realizó una transcipción para piano a dos manos de la Sinfonia n.º 9 en Re menor op. 125 de Ludwig van Beethoven (1770-1827).

La grabación es a cargo de la pianista japonesa Noriko Ogawa y con el coro del colegio japones de música Bach. Grabación de 1998

http://www.mediafire.com/?1encytxnmcx

Que la disfruten

Mijail Glinka - Prince Kholmsky

2010-01-29T14:31:00.000-06:00

Mijaíl Ivánovich Glinka 1 de junio de 1804 – Berlín, 15 de febrero de 1857 fue un compositor ruso.

Glinka fue el primer compositor ruso en ser reconocido fuera de su país y, generalmente, se le considera el "padre" de la música rusa. Su trabajo ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes de compositores de su país.

Sus obras más conocidas son las óperas Una vida por el Zar, (1836) que es la primera ópera nacionalista rusa, y Ruslán y Liudmila (1842), cuyo libreto fue escrito por Alexandr Pushkin y su obertura se suele interpretar en las salas de concierto.

Inspiró a un grupo de compositores a reunirse (más tarde, serían conocidos como "los cinco": Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov, Alexandr Borodin, Tsesar Cui, Mili Balakirev) para crear música basada en la cultura rusa. Este grupo, más tarde, fundaría la Escuela Nacionalista Rusa. Es innegable la influencia de Glinka en otros compositores como Vassili Kalinnikov, Mijail Ippolitov Ivanov, y aún en Piotr Tchaikovsky.

Hoy les presento la grabación de Svetlanov con la Orquesta Sinfónica de la Unión soviética de 2005; de la obra teatral Principe Kholmsky

http://www.mediafire.com/?i4kjynliqkz

Que la disfruten

Louis Spohr - Violin Concerto No. 8 in A minor, Op. 47, "in modo di scena cantante

2010-01-23T14:02:00.001-06:00

El concierto para Violin No. 8 in A minor, Op. 47, "in modo di scena cantante" fue escrito por Louis Spohr en 1816 y es considerado una pieza maestra del violìn.

Tiene tres movimientos:

1) Recitative - Allegro molto

2) Adagio - Andante

3) Allegro - Moderato

Una interpretación de Hilary Hahn (violin) con la Orquesta sinfónica de la Radio Sueca y Eiji Oue como director, grabación de febrero de 2006.

http://www.mediafire.com/?jezgmzmi0ny

Que lo disfruten

Louis Spohr - Obras para violin y arpa No.1

2010-01-20T18:55:00.008-06:00

Louis Spohr (5 de abril de 1784 - 22 de octubre de 1859) fue un compositor, violinista y director de orquesta alemán de música clásica. Nació en Brunswick, al norte de Alemania, en el estado federal de Baja Sajonia. De pequeño ya mostró talento para el violín y a los 15 años se incorporó a la orquesta del duque de Brunswick. Tres años más tarde fue enviado, con el apoyo del duque, a realizar un viaje de estudios a San Petersburgo con el virtuoso violinista Franz Anton Eck.

Las primeras composiciones importantes de Spohr, incluyendo su primer concierto de violín, datan de ese periodo. A su regreso el duque le animó a realizar una gira de conciertos por el norte de Alemania. En 1804 un influyente crítico de música lo vio en algunos conciertos en Leipzig y quedó tan impresionado por su virtuosismo en el violín y por sus composiciones, que de la noche a la mañana le dio fama en toda Alemania.

En 1805 Spohr fue nombrado director de orquesta de la corte de Gotha, donde permaneció durante siete años. Allí conoció a Dorette Scheidler, arpista de 18 años, con la que se casó al año siguiente.

En su Autobiografía leemos cómo Spohr le declaró su amor a su futura esposa:

"Esa tarde tocamos con una inspiración y una simpatía de sentimiento que no sólo nos transportó enteramente, sino que electrizó a la audiencia de tal modo que todos se levantaron espontáneamente y nos abrumaron con sus alabanzas. La Duquesa le susurró algo al oído a Dorette que le hizo enrojecerse. Interpreté esto como algo favorable para mí y en el camino a casa encontré finalmente coraje para decir: ‘¿Tocaremos juntos de por vida?’ Rompiendo a llorar, cayó sobre mis brazos. ¡El acuerdo de por vida quedaba sellado!"

Juntos formaron un dúo de violín y arpa que tuvo un considerable éxito. Incluso realizaron una gira de conciertos por Italia y viajaron a París y Londres. No obstante, su esposa abandonó su carrera cuando tuvieron hijos, para dedicarse a ellos. En 1834 murió prematuramente, lo cual causó a Spohr un gran dolor.

Después del periodo en Gotha, Spohr, ya casado, se instaló con su mujer en Viena, donde fue el director de orquesta del Theater an der Wien desde 1813 hasta 1815. En esa época conoció a Beethoven, con el que mantuvo una relación amistosa. Dos años más tarde aceptó el cargo de director de orquesta de la ópera de Fráncfort del Meno, que le dio la oportunidad de representar sus propias óperas. La primera de ellas, Fausto, había sido rechazada en Viena. Spohr y su esposa se quedaron dos años en Fráncfort. En 1822, por recomendación de Carl Maria von Weber, se le ofreció el puesto de director de orquesta en la corte de Kassel. Allí permaneció hasta su muerte.

Spohr fue un compositor prolífico, que compuso más de 150 obras, aunque de éstas la mayoría no se interpretan en la actualidad. Entre sus obras más apreciadas se encuentran sus conciertos para clarinete, que se han ganado merecidamente un puesto en el repertorio de los clarinetistas. Sus numerosos conciertos para violín también tienen éxito entre el público actual, si bien resultan menos conocidos que los conciertos de violín de otros compositores. Spohr compuso también nueve sinfonías, que reflejan claramente la evolución del estilo musical a lo largo de de los años en los que las escribió.

En música de cámara Spohr destacó igualmente, ya que compuso un número elevado de cuartetos de cuerdas y otros cuartetos y obras para diversos instrumentos, incluidos dúos para violín y arpa que interpretaron él y su esposa. (como los que presento hoy). Las óperas de Spohr fueron representadas con éxito durante el siglo XIX y bien entrado el siglo XX. Finalmente compuso también canciones, así como obras corales y una misa.

Spohr fue un virtuoso violinista que inventó el apoyo del mentón del violín. Asimismo fue un gran director de orquesta y el primero en utilizar una batuta.

Hoy les presento dos obras para violin y arpa:

La Sonata Concertante para Violin y arpa en D, Op. 115, que tiene tres movimientos: Allegro brillante, adagio y rondo.

Y la Sonata para Violin y arpa en C, que tiene dos movimientos: Adagio - allegro vivace y andante allegro.

Hay un link por cada uno de los movimientos, en mp3

Allegro Brillante: http://www.mediafire.com/?zm2zfy4wowl

Adagio: http://www.mediafire.com/?34tqmgjxumv

Rondo: http://www.mediafire.com/?0z2gt21zzzg

Adagio - Allegro vivace: http://www.mediafire.com/?ljjmoloyv15

Andante allegro: http://www.mediafire.com/?ttznerzm5zn

Interpretan Susan Dorey en el violin y Hugh Webb en el arpa

Que las disfruten, son realmente bellas, al considerar que son la unión entre la paz del arpa y el virtuosismo del violin.

Mendelssohn - Sonata para chello y piano No. 1

2010-01-17T14:52:00.000-06:00

La sonata para chello y piano No. 1 de Felix Mendelssohn Op. 45 fue compuesta en octubre de 1838. Cuenta con tres movimientos:

1.Allegro vivace

2.Andante

3.Allegro assai

La interpretación a cargo de Richard Lester en cello y Susan Tomes en piano

http://www.mediafire.com/?ymymylr522h

Que la disfruten

Beethoven - Violin Concierto Op 61, Jascha Heifetz 1956

2010-01-14T14:57:00.002-06:00

http://www.mediafire.com/?q3mmjmwnrh2

Que la disfruten

Scriabin - Tercera sinfonía (El poema divino)

2010-01-08T17:31:00.000-06:00

La tercera sinfonía de Scriabin, "El poema divino" fue escrita entre 1904 y 1905. Arthur Nikisch dirigió la premier en paris el 29 de mayo de 1905. Según Scriabin el poema divino representa la evolución del espiritu humano que, liberado de las leyendas y misterios del pasado se ha coronado y derrocado, pasa a través del panteísmo y logra una alegría completa y estimulante, con la afirmación de su libertad y su unidad con el universo.
Les presento una grabación de La orquesta sinfónica de Filadelfia, dirigida por Riccardo Muti,

http://www.mediafire.com/?ymm1mmwnznx

Que la disfruten, es una obra muy interesante.

Rachmaninoff - Concierto para piano y orquesta No. 3

2010-01-05T17:19:00.003-06:00

Hola a Todos, Feliz Año 2010

Hoy llegó a mis manos un disco de lujo que incluye una grabación de el Tercer concierto para piano de Sergei Rachmaninoff, interpretado por el maestro Vladimir Horowitz, con la orquesta sinfónica de la RCA Victor, dirigida por Fritz Reiner; grabación de 1951.

Vladímir Samóilovich Hórowitz (1 de octubre de 1903 - 5 de noviembre de 1989) fue un pianista ucraniano. Es distinguido por ser uno de los pianistas más prodigiosos de cualquier época. Su técnica legendaria destacó por la excitación emocional y su riqueza tonal.

Horowitz comenzó su aprendizaje de piano a temprana edad, primero a cargo de su madre que había sido pianista competente. En 1912 ingresó al conservatorio de Kiev, donde estudió con Vladimir Puchalsky, Sergei Tarnowsky, y Felix Blumenfeld. Se graduó en 1919 interpretando el Concierto para piano nº 3 de Rachmaninoff.

Con ustedes la grabación de 1951 de este maravilloso concierto...

http://www.mediafire.com/download.php?xazlng25b5u

Que la disfruten

Gracias a mi amigo Roberto, por el disco de Horowitz.

Horowitz dijo:

The piano is an orchestra with 88...... things, you know.

Noten la foto de Rachmaninoff al fondo....

Reinhold Glière -

2009-12-30T13:21:00.001-06:00

Reinhold Moritzovich Glière (Ruso: Рейнгольд Морицевич Глиэр, Rejngol'd Moricevič Glièr) (Kiev, 11 de enero de 1875 – Moscú, 23 de junio de 1956) Fue un compositor post-romántico ruso, soviético de origen germano-polaco.
Concierto para Arpa y Orquesta en Mi bemol mayor, op. 74 (1938)

2009-12-27T19:17:00.000-06:00

Continuando con la mùsica coral....

Georg Friedrich Händel (Halle, 23 de febrero de 1685 – Londres, 14 de abril de 1759) fue un compositor de origen alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las cumbres del Barroco y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

En 1751, Händel perdió la vista mientras componía el oratorio Jephta. A comienzos de abril de 1759 se sintió mal mientras dirigía su oratorio El Mesías. Terminado el concierto, se desmayó y fue llevado presurosamente a su casa, donde se le acostó; nunca más volvió a levantarse. Händel murió siendo venerado por todos; fue sepultado con los honores debidos en la Abadía de Westminster, panteón de los hombres más célebres de Inglaterra. Su último deseo fue morir el Viernes Santo y a punto estuvo de cumplirse: falleció el 14 de abril de 1759, Sábado Santo.

El Mesías HW 56 es la obra más conocida de Georg Friedrich Händel. La obra se compuso en Londres, en 1741, con una extraordinaria rapidez (tres semanas). La costumbre vincula esta obra a la Navidad, pero no hay que olvidar que este oratorio no sólo trata del nacimiento de Jesús, sino de toda su vida. Unos meses después de ser compuesta, la obra se estrenó en Irlanda, durante un viaje de Händel, pero el gran estreno no llegó hasta 1742, en el New Music Hall de Dublín para un concierto benéfico.

Fue el libretista Charles Jennens quien compuso el texto de la oratoria, formado tan solo por fragmentos bíblicos. Jennens presentó la obra como si fuese una ópera, dividiéndola en tres actos subdivididos en escenas.

La primera parte tiene por tema el Adviento y la Navidad. Se anuncia la venida de Cristo, por lo que nos encontramos con algunos momentos de exaltación marcados de una gran intensidad expresiva.

La segunda parte ilustra la Pasión, la Resurrección y la Ascensión finalizando con el famoso "Hallelujah". Así pues, la segunda parte, que había empezado en el dolor y la tristeza de la Pasión, se llena de júbilo con el "Hallelujah" arropado por el coro, trompetas y timbales. En la tercera, se relata la victoria de Cristo ante la muerte, el juicio final y la palabra "Amen", que corona la obra.

Exceptuando la "Sinfonía" inicial, a modo de obertura o introducción, y la "Pifa", que celebra el nacimiento de Cristo, ambas para orquesta, la obra es una sucesión de arias con algún arioso y algún duetto, recitativos y coros.

Se puede decir que la oratoria de Händel aun siendo sencilla, destaca por su monumentalidad en cuanto a duración y proporciones sonoras.

La mayor parte del libreto procede del Antiguo Testamento. La primera sección se basa en el Libro de Isaías, el cual profetiza la venida del Mesías. Hay algunas citas de los Evangelios, que están al final de la primera sección y al principio de la segunda. Se refieren al episodio de la Anunciación del Ángel a los pastores narrado en el Evangelio de San Lucas, dos enigmáticas citas del Evangelio de San Mateo y una del Evangelio de San Juan: "Contemplad el cordero de Dios". El resto de la segunda sección se compone de las profecías de Isaías y citas de los evangelistas. La tercera sección incluye una cita de Job: "Yo sé que mi redentor vive", y el resto proviene principalmente de la Primera Carta a los Corintios de San Pablo. Es interesante la interpolación de coros del Apocalipsis. El conocido coro Aleluya al final de la parte II y los coros finales ("Digno es el cordero que fue asesinado" y Amén), ambos tomados del Apocalipsis.

El libreto fue compilado por Charles Jennes y consiste de fragmentos de versículos de la Biblia del Rey James. Jennes concibió el trabajo mas como una ópera con tres actos, constando cada una de varias escenas:

I – El Nacimiento.

1. – La profecía de la Salvación.

2. – La profecía de la llegada del Mesías.

3. – Anuncios al mundo en general.

4. – Profecía del nacimiento virginal.

5. – La Aparición del ángel a los pastores.

6. – Los Milagros de Cristo.

II – La Pasión

1 – El sacrificio, la flagelación y la agonía en la cruz.

2 – Muerte, descenso a los Infiernos y Resurrección.

3 – La Ascensión.

4 – Dios revela su identidad en el Cielo.

5 – El comienzo de la predicación del Evangelio.

6 – El mundo y sus dirigentes rechazan el Evangelio.

7 – El triunfo de Dios.

III – Las Secuelas

1 – La promesa de la redención desde la caída de Adán.

2 – El día del Juicio Final.

3 – La victoria sobre la Muerte y el Pecado.

4 – La glorificación de Cristo.

5 - Amén.

La interpretación es a cargo de La orquesta sinfónica y coros de la Alta Toscana, el director de orquesta es Giorgio Lambrusconi, grabaciòn de 2003. Una obra magnífica realmente.

http://www.mediafire.com/?l1ijdjghgdm

Que lo disfruten

Rachmaninoff - Las vísperas

2009-12-24T19:43:00.000-06:00

Las vísperas o Misa de vísperas, Opus 37, es una composición coral a cappella de Sergéi Rajmáninov, escrita y estrenada en 1915. Consiste en la representación de textos tomados de la celebración rusa ortodoxa de ceremonía de vísperas. Ha sido considerado como el mayor logro del compositor y el mayor logro musical para la «Iglesia rusa ortodoxa». Es una de las dos composiciones favoritas de Rajmáninov junto con las Las campanas y el compositor pidió que uno de sus movimientos (el quinto) fuera cantado en su funeral. El título de la obra a veces se traduce como Vísperas, lo que es tanto literalmente como conceptualmente erróneo al aplicarlo a la obra al completo: sólo los seis primeros movmientos de los quince totales cuenta con textos de las vísperas, la hora canónica de la Iglesia rusa ortodoxa.

Las vísperas fue escrita en menos de dos semanas entre enero y febrero de 1915 y fue estrenada en Moscú en marzo de ese año, en parte para apoyar el esfuerzo de Rusia durante la Primera Guerra Mundial. Nikolai Danilin dirigió el coro masculino sinoidal de Moscú en el estreno. Tuvo una buena acogida por parte del público y los críticos, y tuvo tanto éxito que fue reinterpretada cinco veces más en sólo un mes. Sin embargo, la Revolución rusa de 1917 y el surgimiento de la Unión Soviética provocaron la prohibición de toda la música religiosa, y el 22 de julio, 1918 el coro sinoidal fue sustituido por el «coro no relgioso del pueblo». Se ha escrito que «ninguna composición representa el final de una era tan claramente como esta obra litúrgica».

Durante el período comprendido entre 1880 y 1917 ocurrió un renacimiento en música coral rusa, lo que da como resultado la nueva escuela rusa de compositores de mùsica coral. Esto fue una época de gran auge de composiciones para la iglesia por los compositores más importantes, entre ellos Rachmaninov, Chaikovski, Chesnokov y Kastalsky. La etapa previa de 150 años de música coral rusa había sido dominada por influencias alemanas e italianas - los compositores de la "nueva escuela coral rusa" estableció un estilo coral de fondo ruso. Mientras que Sergei Rachmaninov escribió sólo unas pocas obras corales, su vísperas representa la culminación de la obra de la nueva escuela coral de Rusia de compositores.

Las vísperas se compone de textos para los servicios de vísperas, Matins y primer. Compuesta en 1915, fue probablemente diseñado para concierto en lugar de uso litúrgico, aunque no se ha especificado en la partitura por Rachmaninov. Sin embargo, desde el momento de su estreno hasta el día de hoy, ha sido escuchada casi exclusivamente en la configuración de concierto. Rachmaninov no era particularmente religioso y no estaba muy familiarizado con la liturgia y la configuración musical tradicional de la Iglesia; así, el enfoque compositivo en las vísperas era fresco, innovador y único. Uso melodías de auténtico canto ruso como su base compositiva para nueve de los quince movimientos, compuso melodías a sonar como canto para los otros seis movimientos, llamándolos "falsificaciones conscientes". De los cantos auténticos utilizados, algunos eran familiares y ampliamente cantados en servicios de la Iglesia de la época (por ejemplo, # 2 - yesi Blagosloven, Ghospodi), mientras que otros eran melodías de canto de znamenny antiguos y desconocido. (Znamenny significa "escrito en signos" y se refiere al antiguo sistema ruso de notación musical no occidental).

Como la mayoría de los compositores de la nueva escuela de mùsica coral Rusa, Rachmaninov empleó un procedimiento conocido como "orquestación coral," que exhorta a los cantantes a hacer uso de una amplia gama de técnicas: variedades de color coral, cuidadosamente colocan articulaciones, y una paleta vívida de controladas matices dinámicos. También hizo uso de una técnica encontrado en canción folclórica rusa, llamado counter-voice polifonía, que evita el contrapunto Europeo occidental.

La interpretaciòn fue realizada por el coro de la BBC, conducido por David Hill, grabaciòn en vivo.

http://www.mediafire.com/?20y3u3qmjr1

Que la disfruten

Edouard Lalo - Concierto para violin en fa mayor Op. 20

2009-12-18T20:42:00.000-06:00

El concierto para violín en fa mayor Op. 20 fue estrenado por Pablo Sarasate en el Teatro Châtelet de París en 1874.

Es una obra rica en invención técnica y melodías seductoras. Lalo estaba muy preocupado por la melodía, en la creencia de que, aunque la esencia de una buena melodía no puede explicarse, sin ella, todos los conocimientos técnicos en el desarrollo musical serían en vano.

La versión que les presento corre a cargo de Olivier Charlier al violin con Yan Pascal Tortelier como director de la orquesta filarmónica de la BBC.

http://www.mediafire.com/?znymjmmz2mz

Édouard Lalo - Sinfonía Española Op. 21

2009-12-15T18:03:00.000-06:00

Édouard-Victoire-Antoine Lalo (Lille, 27 de enero de 1823 - † París, 22 de abril de 1892) violinista y compositor francés de ascendencia española

Dedicado durante mucho tiempo a una labor oscura, conoció el éxito con Symphonie espagnole, para violín y orquesta (1873), Concerto pour violoncelle (1876) y Rhapsodie norvégienne (1881), entre otras obras. En las dos primeras se observa una brillante valoración del virtuosismo, superada por la calidad de su Sumphonie en "sol" mineur (1873).

La Sinfonía española, op. 21 es en realidad un concierto para violín y orquesta compuesto por cinco movimientos (aunque generalmente se omite el tercero), a medio camino entre la suite y la antigua sinfonía concertante. Tiene tres movimientos

Allegro non troppo

Scherzando (Allegro molto)

Intermezzo (Allegretto non troppo)

Andante

Rondo (Allegro)

La Sinfonía Española tuvo como destinatario al gran virtuoso español del violin Pablo de Sarasate, amigo del compositor. Aunque nacido en España, Sarasate se había formado en París y Francia fue su patria adoptiva. Por su parte, Laló nacido francés, tenía ancestros españoles por parte de padre y madre. También se formó en Francia pero amaba y sentía profundamente su espíritu español.

Laló tuvo que recorrer un largo camino antes de recibir reconocimiento, en parte, a causa del ambiente de frivolidad que dominó la música francesa durante el segundo imperio, tenía cincuenta años cuando alcanzó la fama con el estreno de su concierto para violín opus 20 dedicado y estrenado por Sarasate. La Sinfonía Española opus 21, también dedicada a Sarasate, se estrenó en París el 7 de febrero de 1875, tuvo un éxito inmediato y permanece como una obra popular hasta hoy.

Les presento una grabación de Shlomo Mintz en el violin, con la Orquesta filarmónica de israel dirigida por Zubin Mehta, grabación en vivo de 1988

http://www.mediafire.com/?zztjynnngoq

Que la disfruten

Chopin - Waltzes Nos. 1-14 - Dinu Lipatti

2009-12-09T15:22:00.002-06:00

Dinu Lipatti (Bucarest (Rumania), 19 de marzo de 1917 - Ginebra (Suiza), 2 de diciembre de 1950) era un pianista y compositor rumano. Su carrera fue cortada por su temprana muerte debido a la enfermedad de Hodgkin a los 33 años. A pesar de su corta carrera, Lipatti es considerado uno de los pianistas más finos del siglo XX.

Lipatti nació en Bucarest en una familia con herencia musical: su padre era violinista, su madre era pianista y su padrino era el violinista y compositor George Enescu. Estudió en el Colegiul Naţional Gheorghe Lazăr (Colegio Gheorghe Lazăr). Participó en el Concurso Internacional de Piano de Viena en 1934, en el cual ocupó la segunda posición, lo que provocó que Alfred Cortot renunciara como jurado, ya que creía que Lipatti debería haber ganado. Luego de esto Lipatti estudió en París, siendo alumno de Cortot, Nadia Boulanger (junto con quien grabó Valses para piano Op. 39 de Johannes Brahms), Paul Dukas y Charles Munch.

La carrera de Lipatti fue interrumpida por la Segunda Guerra Mundial. Aunque continuó dando conciertos en Europa, incluyendo en países ocupados por los Nazis, Lipatti abandonó Rumania en 1943 y se estableció en Ginebra (Suiza) con su esposa, donde aceptó una posición como profesor de piano en el Conservatoire de musique de Genève (Conservatorio de Música de Ginebra). Fue entonces que los primeros síntomas de su enfermedad aparecieron. Al principio, los doctores estaban confundidos, pero en 1947 fue diagnosticado con la enfermedad de Hodgkin.

Lipatti dio su recital final, el cual fue grabado, el 16 de septiembre de 1950 en Besanzón. Murió menos de tres meses más tarde. Fue enterrado en el cementerio de Chêne-Bourg.

Lipatti es reconocido por sus interpretaciones de Frédéric Chopin, Wolfgang Amadeus Mozart y Johann Sebastian Bach, aunque también realizó grabaciones de Alborada del gracioso de Maurice Ravel, Franz Liszt, George Enescu, Concierto para piano de Robert Schumann y Concierto para piano en La menor de Edvard Grieg.

Su grabación de los Valses (1 al 14) de Chopin sigue siendo una de las favoritas de los seguidores de la música clásica. Se las presento con alta calidad de sonido.

Dinu Lipatti

Que los disfruten.

Visitar el Blog Chopiniano

2009-12-09T12:34:00.000-06:00

Amigos y amigas, los invito a visitar el excelente Blog de mi amigo Juan, El blog Chopiniano, nos presenta un homenaje a el gran pianista Arthur Rubinstein, increible, visiten este link:

http://chopiniano.blogspot.com/

Rachmaninoff - Concierto para piano y orquesta No.1 Op. 1

2009-12-06T15:15:00.000-06:00

Sergei Rachmaninov compuso su Concierto para piano N º 1 en fa sostenido menor Op. 1, en 1892 , a los 19 años de edad. Dedicó el trabajo a Alexander Siloti. Rachmaninoff realizó una revisión del trabajo a fondo en 1917.

Este fue en realidad el segundo intento de Rachmaninoff por componer un concierto de piano. En 1889 se había comenzado, pero abandonado un concierto en Do menor (la misma clave, por cierto, en la que más tarde escribiría su segundo Concierto para piano).

Rachmaninoff escribió a Natalya Skalon el 26 de marzo de 1891, "ahora estoy componiendo un concierto para piano. Dos movimientos ya están escritos, el último movimiento no está escrito, sino que está compuesto, probablemente termine todo el concierto en el verano"

Terminó de componer la pieza de ensayo y el 6 de julio se mostró satisfecho con lo que había escrito.

Rachmaninoff basó su concierto en el Concierto para piano de Grieg, que era un favorito de su trabajo y uno que había sido familiarmente practicando en el hogar Rachmaninoff durante la primavera y el verano de 1890 por Siloti para presentaciones futuras.

El concierto cuenta con tres movimientos:

Vivace (F-sharp minor)

Andante cantabile (D major)

Allegro Vivace

La versión es interpretada por Sergei Rachmaninov como pianista con Eugene Ormandy dirigiendo a la Orquesta de Filadelfia, grabado en 1941

http://www.mediafire.com/?mmdm0mjdozu

Que lo disfruten

Robert Fuchs - Concierto para piano en Si bemol menor, op 27

2009-12-03T14:40:00.001-06:00

Robert Fuchs (15 de febrero de 1847 - 19 de febrero de 1927) compositor y profesor de música austriaco muy bien considerado en su tiempo. Siendo profesor de teroría de la música en el conservatorio de Viena enseñó a muchos compositores relevantes como Sibelius y Mahler. Nació en Frauental and der Lassnitz en Styria en 1847, siendo el más pequeño de trece hijos. Estudió con en el conservatorio de Viena, en donde obtuvo una plaza de profesor en 1875, que ocupó hasta 1912. Murió en 1927 a la edad de ochenta años.

Su obra no es muy conocida principalmente porque él mismo no hizo mucho para promocionarlas, prefiriendo llevar una vida tranquila en Viena y negándose a organizar conciertos, incluso cuando le llegaban oportunidades en otras ciudades. De todos sus admiradores el más remarcable es Brahms, quien prácticamente nunca valoró el trabajo de otros compositores. Sin embargo refiriéndose a Fuchs escribió:

"Fuchs es un músico espléndido, todo es tan refinado y tan bien elaborado, inventado tan encantadoramente, que uno siempre está encantado"

Que se sepa, ningún otro compositor recibió este tipo de elogio de Brahms.

El Concierto para piano de Fuch, fue compuesto entre 1879 y 1880, bajo la atenta mirada de Brahms, el concierto se abre con una introducción extendida y dramática para la orquesta. La música se convierte en calmada y pastoral antes de la entrada del solista que hace una apertura espectacular. El desarrollo de la música es inventiva y la calidad heroica de los temas atrae al oyente. El movimiento lento es tranquilo, con melodías profundamente sentidas. El último movimiento que es impresionante en su virtuosismo. Interpretan Martin Roscoe con la Sinfónica de la BBC Scottish, dirigida por Martyn Brabbins.

http://www.mediafire.com/?zjznhgnmdyn

Que lo difruten.

Rachmaninoff - sonata para violonchelo en sol menor, op. 19

2009-11-30T15:06:00.000-06:00

La sonata para violonchelo en sol menor, op. 19 de Sergéi Rajmáninov es una sonata para piano y violonchelo, compuesta en 1901 y publicada un año después. Está escrita en cuatro movimientos, algo usual en las sonatas del período romántico.

Lento – Allegro moderato

Allegro scherzando

Andante

Allegro mosso

A Rajmáninov no le gustaba llamarla sonata para chelo, dado que opinaba que ambos instrumentos eran igualmente importantes. Por ello, a veces es llamada Sonata en sol menor para violonchelo y piano. Muchos de los temas son introducidos por el violonchelo y luego adornados y expandidos por el piano.

La sonata fue eclipsada por el tremendo éxito del Concierto para piano n.º 2, que se estrenó el 24 de noviembre de 1901. La pieza está dedicada a Anatoliy Brandukov, quien junto al compositor la interpretó por primera vez en Moscú el 2 de diciembre de 1901.

Esta interpretación es a cargo de Emanuel Ax y Yoyo Ma, una ejecución sorprendente.

http://www.mediafire.com/?ndjj5y4kjlm

Que la disfruten, realmente es tan bella.... que no tengo palabras para describirla¡¡¡¡¡¡¡

Rachmaninoff - Piano Trio Elegiaco No. 2 Op. 9

2009-11-30T13:10:00.000-06:00

El Trio elegiaco en D minor es un trio para piano, escrito a la memoria de Tchaikovskyu entre el 5 de octubre y el 15 de diciembre de 1893.

El estreno de la obra fue en moscú el 31 de enero de 1894, por un trio que incluía al propio Rachmaninoff

Contiene tres movimientos:

Moderato

Quasi variazione

Allegro risoluto

El primer movimiento comienza con un tono sombrío y entra en erupción violentamente cerca del final. El segundo movimiento consiste en variaciones construidas sobre el primer tema, y el movimiento final, aunque breve está dominado por la parte de piano, sin cesar, poderoso y dramático.

Luego de escuchar ambos trios para piano de Rachmaninoff y la sonata para chello y piano, me doy cuenta que Rachmaninoff era un gran compositor, de obras muy bellas para el Chello, la melancolía y el romanticismo se unen en cada creación de una manera sublime...

La interpretación corre a cargo del Trio Borodin, grabación de 1984. En el blog de elcuervolopez, fue publicada originalmente.

http://www.mediafire.com/?uogx4mzjjzm

Que lo disfruten

Beethoven - Concierto para violin y orquesta

2009-11-24T18:18:00.000-06:00

El Concierto para violín en re mayor Op. 61 de Ludwig van Beethoven, escrito en 1806, es el único concierto del compositor para este instrumento. Es una importante obra del repertorio violinístico, y es frecuentemente interpretada y grabada hoy en día. La obra se estrenó el 23 de diciembre de 1806 en el Theater an der Wien de Viena. Beethoven escribió el concierto para su colega Franz Clement, destacado violinista del momento, que anteriormente le había aconsejado durante la composición de su ópera Fidelio.

Se cree que Beethoven terminó el solo tan tarde que Clement tuvo que leer a primera vista una parte de su actuación. Quizás para expresar su disgusto, o para mostrar de lo que habría sido capaz si hubiera tenido tiempo para prepararse, Clement interrumpió el concierto entre el primer y el segundo movimiento, tocando una composición propia.

La obra no tuvo buena recepción por parte de los espectadores, y el concierto fue ejecutado pocas veces durante las décadas siguientes. La obra fue resucitada hacia 1844, 17 años después de la muerte de Beethoven, interpretada por Joseph Joachim y con la orquesta dirigida por Felix Mendelssohn.

Consta de tres movimientos:

Allegro Ma Non Troppo (re mayor)

Larghetto (sol mayor)

Rondo. Allegro (re mayor)

La interpretación es acargo del violinista Itzhak Perlman, con la Philharmonia Orchestra dirigidos por Carlo Maria Giulini.

http://www.mediafire.com/?mzodinnanw3

Una interpretación fantástica, extremadamente buena, la cadenza fue escrita por Kreisler, que lo disfruten...

Paganini - Concierto para violin y orquesta No. 4

2009-11-21T23:02:00.000-06:00

Niccolò Paganini compuso su Concierto para violín N º 4 en Re menor entre el otoño de 1829 y el invierno de 1830. Pero sintió la necesidad de un nuevo repertorio al mismo tiempo que realizaba una gira por Alemania, Paganini escribió el cuarto concierto entre las actuaciones, y aunque le escribió a su editor que tenía la intención de "desvirgar" el trabajo en París, realmente lo interpreta varias veces en Alemania. En su reseña de la obra, Ludwig Spohr escribió "en su composición y su estilo es una extraña mezcla de talento consumado, infantilismo y falta de sabor que encanta alternativamente y repele". Sobre el estreno parisino, el crítico de Castil-Blaze, dijo que el trabajo tenía una "forma más original" y "varios efectos muy pintorescos." El Concierto se abre con un Allegro maestoso tormentoso en re menor seguido de un sentimentalismo muy emocional en el Adagio con flebile en Fa sostenido menor y se cierra con un galante Rondó en Re menor.

La interpretación a cargo de Salvatore Accardo; acompañado por la London Philharmonic Orchestra dirigida a su vez por Charles Dutoit una interpretación magnífica, y un magnífico concierto.

http://www.mediafire.com/?mztggjor1m5

Que lo disfruten, a mi personalmente me parece fascinante...

Chopin - Concierto para piano No. 2

2009-11-18T15:19:00.001-06:00

El Concierto para piano y orquesta n.º 2 en fa menor, Op. 21 de Frédéric Chopin es uno de los dos conciertos para piano del compositor polaco. Pese a haberse publicado en segundo lugar, en realidad es anterior al Concierto para piano y orquesta n.º 1, Op. 11 en mi menor. Está dedicado a la condesa Delphine Potocka. Se terminó al final del invierno de 1829 y fue estrenado por el propio compositor al piano el 17 de marzo de 1830 en Varsovia.

El concierto consta de tres movimientos:

Maestoso. Escrito en forma sonata. Es una amplia introducción orquestal que expone los dos temas principales. El primero de ellos es de suave hermosura, con un fraseo amplio y lírico; el segundo es íntimo, desarrollado por el solista. Cuando tras un fortissimo el piano irrumpe con brillantez, ya no dejará su puesto privilegiado: éste será el que lleve el protagonismo en todo el movimiento.

Larghetto. Intimista y amoroso, fue inspirado por un amor de juventud de Chopin, la soprano Konstancia Gladkowska. Tiene estructura tripartita, con las secciones extremas plenas de efluvios amorosos, mientras que la central tiene un contrastado sentido dramático. La línea cantabile está adornada en una escritura a veces lánguida y otras de indudable contemplación erótica.

Allegro vivace. Escrito en forma de rondó, este tiempo final consta de dos temas principales: el primero está dotado de sencillez y encanto, mientras que el segundo es prácticamente una mazurca de claro sabor polaco. El piano juega con ambos temas, en un clima desenfadado y muy luminoso acompañado por una orquesta en la que domina la cuerda. La última sección está escrito a moto perpetuo.

La interpretación del concierto corre a cargo del pianista Arthur Rubinstein, con la Symphony of the Air y Alfred Wallenstein en la batuta, grabación de 1958, con remasterización en 2005.

http://www.mediafire.com/?wzut4rzmzrg

Que lo disfruten; una interpretación maravillosa...

Paganini - Tercer Concierto para Violin y Orquesta

2009-11-12T18:18:00.000-06:00

El Concierto para violín N º 3 en Mi mayor fue compuesto por Niccolò Paganini en 1826. El 12 de diciembre de 1826, Paganini escribió desde Nápoles a su amigo LG Germi, tras haber completado recientemente su segundo concierto de violín, que ahora tiene "acabado de orquestar un tercero con una Polacca", y agregó: "Me gustaría probar estos conciertos con mis propios paisanos antes de producirlos en Viena, Londres y París. " Pero el tercer concierto para violín fue estrenado hasta julio de 1828 en Viena.

El concierto consta de tres movimientos:

Introduzione. Andantino - Allegro marziale

Adagio. Cantabile spianato
Polacca. Andantino vivace

La interpretación a cargo del violinista italiano Salvatore Accardo.

http://www.mediafire.com/?odwmeg5nwgy

Que lo disfruten, es un concierto bastante tranquilo y melodioso.

LA PIEDAD

2009-11-11T23:17:00.000-06:00

La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizada por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Esta maravillosa obra es de bulto redondo, lo que significa que se puede ver en todos los ángulos, pero el punto de vista preferente es el frontal.

Una Virgen joven, bella y piadosa cuyas vestiduras se expanden con numerosos pliegues, sostiene al Hijo muerto y que, intencionadamente, aparenta mayor edad que la Madre, en una composición triangular sosegada y llena de ternura. La juventud de la Virgen es muestra del idealismo renacentista: se trata de representar el ideal de belleza y juventud, una Virgen eternamente joven y bella.

Vasari dice de ella «es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatigue, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol».

La obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha.

El artista contaba entonces veinticuatro años, Miguel Ángel comenzó por escoger personalmente en las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana el bloque de mármol más apropiado, sobre el que después no haría más que seguir los impulsos de su arte como escultor, es decir, como refiere Vasari, quitando toda la materia pétrea sobrante del bloque hasta conseguir la forma pensada, pues para Miguel Ángel en el interior de un bloque de mármol está contenida toda la Naturaleza, el artista ve con los ojos del intelecto las formas encerradas en la piedra

Cuando la obra fue finalizada y entregada, algunos pusieron en duda que hubiera sido Miguel Ángel el verdadero autor de la misma dudando de él por su juventud. Al enterarse, Buonarroti en un arranque de furia grabó a cincel su nombre en la escultura, siendo esta la única obra firmada del artista. En la cinta que cruza el pecho de la Virgen puede leerse: «Michael A[n]gelus Bonarotus Florent[inus] Facieba[t]» («Miguel Angel Buonarroti, florentino, lo hizo»).

En esta escultura predominan las armonías de contraste. Hay tres:

Primera armonía: Los ejes del cuerpo de Jesús (líneas quebradas) se contraponen a los pliegues curvilíneos y angulados de los vestidos de la Virgen María.
Segunda armonía: El brazo derecho de Jesús cae inerte. Éste se contrapone al brazo izquierdo de la Virgen, que esta lleno de vida y conmiseración
Tercera armonía: Los pliegues de la Virgen con oquedades forman contrastes de claroscuro. Estos se contraponen a las superficies claras y lisas del cuerpo de Jesús, expresados en "sfumato".

LA MISERIA DEL FANATISMO:

El 21 de mayo de 1972 la imagen sufrió un brutal atentado cuando un perturbado golpeó el rostro de la Virgen con un martillo, motivo por el que hubo de ser restaurada y luego protegida con medidas de seguridad.

Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Piedad_del_Vaticano"

Beethoven - Septima Sinfonía

2009-11-11T18:51:00.001-06:00

La Sinfonía n.º 7 en La mayor (Op. 92) de Ludwig van Beethoven fue compuesta en 1811, cuando estaba en la ciudad bohemia de Teplice, intentando mejorar su salud. La obra fué terminada en 1812 y Beethoven dedicó la composición al conde Moritz von Fries.

La obra fue estrenada en Viena el 8 de diciembre de 1813 durante un concierto de caridad para los soldados heridos en la Batalla de Hanau. El propio Beethoven dirigía la orquesta y estaba llena de músicos de cualidades ilustres, tales como Louis Spohr, Giacomo Meyerbeer, Johann Nepomuk Hummel, Ignaz Moscheles, Domenico Dragonetti, Andreas Romberg y Antonio Salieri; que se encontraban en la orquesta. La pieza fue muy bien acogida por la crítica del momento y el allegretto tuvo que ser repetido el día de su estreno.

Tiene cuatro movimientos:

I. Poco sostenuto — Vivace

II. Allegretto

III. Presto

IV. Allegro con brio

La interpretación suele durar 34 minutos aproximadamente.

Una gran obra, bajo la batuta de un gran director Carlos Kleiber y la orquesta filarmónica de Viena, una grabación considerada de referencia¡¡¡¡¡

http://www.mediafire.com/download.php?zeo5dmrmqdv

Que la disfruten

Rachmaninoff - Sonata para piano No. 2

2009-11-07T07:34:00.001-06:00

Hoy les presento otra interpretación de la sonata para piano no. 2 Op. 36, fue compuesta en 1913. Revisada en 1931. Al piano el excelente pianista cubano Santiago Rodríguez, su interpretación de esta sonata es puro fuego, se siente su pasión al ejecutarla, desde el primer momento lo hace de una forma sorprendente.

http://www.mediafire.com/download.php?tmmijmv0zzz

Que la disfruten.

Además les presento una obra muy interesante de Rachmaninoff, su Scherzo in F major.

http://www.mediafire.com/download.php?miqymzztnm0

Que lo disfruten

Liszt - Rapsodia Húngara No. 2

2009-11-04T18:31:00.001-06:00

La Rapsodia húngara n.º 2, S. 244/2 forma parte de las diecinueve Rapsodias húngaras del compositor húngaro Franz Liszt y es, con seguridad, la más famosa de todas. Muy pocas piezas para piano solo han conseguido tanta popularidad, por lo que ofrece al pianista la oportunidad de mostrar su virtuosismo al mismo tiempo que atrae enormemente al público.

Está escrita en Do sostenido menor y está dedicada al conde Ladislas Teleky ("au Comte Ladislas Teleky"). Fue compuesta en 1847 y fue publicada por primera vez como pieza para piano solo en 1851 por Senff and Ricordi.

La Rapsodia húngara n.º 2 apareció en el cortometraje The Cat Concerto de Tom and Jerry, en 1947; en el Convict Concerto, del Pájaro loco (1954); y en el Rhapsody Rabbit de Bugs Bunny (1946), y Mario Moreno "Cantinflas" dirigió en su película Si yo fuera diputado la Rapsodia húngara n.º 2.

Les presento para descargar la interpretación de Josef Hofmann, y además en la parte de abajo de la página; encontrarán el video de la interpretación del pianista canadiense Marc-André Hamelin; que contiene una cadeza muy especial.

http://www.mediafire.com/download.php?jmz3mjceyjg

Además pueden descargar la interpretación de Vladimir Horowitz

http://www.mediafire.com/download.php?mwoydzamnmd

Y la interpretación de Sergei Rachmaninoff

http://www.mediafire.com/download.php?mmoyew4ohzy

Que la disfruten, (los invito a comparar las cuatro interpretaciones) si alguien quiere el video de Hamelin, en formato Avi, que lo solicite en los comentarios y lo subiré.

Richard Strauss - Violin Piano Sonata, Violin Concierto

2009-11-04T07:44:00.001-06:00

Richard Georg Strauss (Múnich, 11 de junio de 1864 — 8 de septiembre de 1949) fue un compositor alemán. Hijo de un intérprete de trompa de la corte de Múnich, Franz Strauss, Richard fue «niño prodigio».

Les presento la Sonata para violin y piano Op. 18 y el concierto para violin Op. 8 de Richard Strauss, interpretado por la violinista Sarah Chang, y al piano Wolfgang Shwallisch.

Sonata para violín y piano Op. 18 en Mi bemol: Esta obra es considerada como la última pieza "clásica de Strauss,". Todavía bajo la influencia de su padre conservador, su producción de cámara, de la que sólo dejó un puñado de obras que datan de antes de 1890, sigue los patrones clásicos de aceptación general.

Strauss dejó sólo tres obras en el género de sonata, es decir, la "Sonata para violonchelo, la Sonata para piano, y la Sonata para Violín. La última es considerada la obra más madura de las tres, y su lenguaje musical, que iba a ser tan evidente en sus obras posteriores, ya está presente. Las dos partes, el violín y el piano, están densamente escritas, y las líneas melódicas se entrelazan, creando una textura sinfónica. A pesar de que es una sonata, es casi como si los dos instrumentos estubieran tocando un concierto doble.

Strauss compuso la Sonata para violín bajo el encanto romántico de Pauline de Ahna, que más tarde se convirtió en su esposa. La obra está llena de energía juvenil, esperanza y anticipación.

Aunque no se considera en la cumbre de la literatura violín, la Sonata para Violín de Richard Strauss ha estado en el repertorio activo de la mayoría de los violinistas más importantes del siglo 20 y sigue ofreciendo su encanto y melodías sinceras a los oyentes de hoy

Fuente: http://www.gotomidori.com/english/musicnote-200302/musicnote58.html

El concierto para Violin y orquesta en Re menor, Opus 8, fue escrito entre 1881 y 1882. A pesar de su virtuosismo, está fuertemente influenciado por la época clásica. Se divide en tres movimientos:

Allegro

Lento, ma non troppo

Rondo. Presto

http://www.mediafire.com/download.php?lnoymmtwyyn

Que los disfruten

Rachmaninoff - La isla de los muertos Op. 29

2009-11-01T15:15:00.000-06:00

La Isla de los Muertos opus 29, es un poema sinfónico del compositor ruso Sergei Rachmaninoff compuesto en 1908 en Dresde. La obra está inspirada por el cuadro homónimo de Arnold Böcklin, que había visto en París en 1907. Esta obra está considerada como un claro ejemplo del postromanticismo ruso de principios del siglo XX.

La duración aproximada de la pieza oscila entre los 18 y los 25 minutos. La música comienza suavemente, con un movimiento de vaivén que sugiere el rumor de las olas mientras Caronte rema por el río Estigia. A lo largo de esta obra, Rajmáninov utiliza una figura recurrente en un compás de 5/8 para imitar el movimiento del agua y del remo de Caronte. Al comienzo de la obra, el tema principal se repite en un prolongado crescendo; en la sección central, la orquesta explora distintas variaciones del tema, hasta llegar a un momento de silencio tras el cual, al igual que sucede en varias de sus obras, Rajmáninov introduce el motivo de la música del Dies irae como referencia a la muerte. Al mismo tiempo, el vaivén de la música también sugiere el sonido de una respiración, indicando de esa manera que la vida y la muerte se entrelazan.

La isla de los muertos es una conocida serie de cuadros del pintor suizo Arnold Böcklin.

Böcklin creó múltiples versiones del mismo cuadro, en el que se representa un remero y una figura blanca sobre una pequeña barca, cruzando una amplia extensión de agua en dirección a una isla rocosa. El objeto que acompaña a las figuras en la barca se identifica generalmente como un ataúd, y la figura blanca con Caronte, el barquero que en la mitología clásica conducía a las almas al Hades.

Böcklin nunca explicó el significado de su pintura, y de hecho el título de la obra no se debe a él sino al tratante de arte Fritz Gurlitt, quien la bautizó así en 1883.

La primera versión del cuadro, que actualmente se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, fue creada en Florencia en 1880 a petición de Marie Berna, cuyo marido, el Dr. Georg Berna, había fallecido recientemente.

La segunda versión del cuadro es llamada Basel,
y se encuentra en Basilea (Suiza) pintada en 1880

La tercera versión del cuadro
data de 1883 y se encuentra en
Berlín.

La cuarta versión del cuadro, que existía en Rotterdam fue destruida durante la segunda guerra mundial.

La quinta versión del cuadro
de 1886 se encuentra en la ciudad
de Leipzig (alemania).

Una obra magnífica, muy buena representación musical del cuadro de Böcklin. La interpretación es por la Orquesta Filarmónica real de Inglaterra, y el director Enrique Batiz, grabación de 1994.

http://www.mediafire.com/download.php?eyfzdmy5yyt

Que la disfruten.

Jozef Hofmann - Chopin Concierto para Piano y Orquesta No.1

2009-10-28T11:52:00.000-05:00

Józef Kazimierz Hofmann nació el 20 de enero de 1876 y murió el 16 de febrero de 1957. Fue un compositor, pianista virtuoso e inventor. Él es ampliamente considerado como uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos.

Su padre era el compositor, director y pianista Kazimierz Hofmann, y su madre era la cantante Matylda Pindelska. Fue un niño prodigio, que dio un recital de debut en Varsovia a la edad de 5 años. Dio una larga serie de conciertos en toda Europa y Escandinavia, que culminó en una serie de conciertos en Estados Unidos en 1887-88, donde se convirtió en una celebridad instantánea (a los doce años). Después de escuchar (a los siete años de edad) tocar a Hofmann en Varsovia, el legendario músico ruso Anton Rubinstein, declaró que Hofmann era un niño prodigio como el mundo nunca antes habia visto. Por insistencia de Rubinstein ell empresario alemán Hermann Wolff ofreció una beca para el niño y mandarlo en una gira por Europa, pero el padre de Hofmann se negó a permitir los viajes de niño hasta que cumpliera 9 años de edad.

A los 9 años, Hofmann dio conciertos en Alemania, Francia, Holanda, Noruega, Dinamarca, Suecia y Gran Bretaña. El año siguiente, una gira por Estados Unidos fue organizada en la que el joven Josef Hofmann tocó ochenta conciertos, realizan cuatro presentaciones por semana y se convirtió en una celebridad en los medios de comunicación de los Estados Unidos. Después de todo este trabajo la Sociedad para la Prevención de la Crueldad a los Niños intervino citando la frágil salud de Hofmann. Sin embargo, según el contrato de presentaciones de Hofmann él estaba legalmente obligado a completar el recorrido. Por último, el contrato se hizo nulo y sin efecto por Alfred Corning Clark, quien donó $ 50.000 y, a su vez, legalmente le prohibió a Hofmann actuar en público hasta que cumpliera los 18 años. El resto de la gira fue cancelada y la familia regresó a Alemania.

El legendario virtuoso ruso Anton Rubinstein tomó a Hofmann como su estudiante privado en 1892 y dispuso el debut de Hofmann como adulto en Hamburgo, Alemania en 1894. Hofmann viajó y trabajó extensamente en los próximos 50 años, y fue el pianista más famoso de una gran parte de esta era.

Como inventor tenía más de 50 patentes en su haber y su invención de amortiguadores neumáticos para automóviles y aviones le valió una fortuna en el siglo 20.

Hofmann tenía manos pequeñas pero excepcionalmente fuertes. Steinway le construyó un teclado personalizado con las teclas ligeramente más estrechas. A diferencia de su famoso maestro Rubinstein, Hofmann era tranquilo y poco demostrativo en el piano ya que raramente levantaba las manos por encima del nivel del hombro. El enfoque y estilo de Hofmann probablemente se resume en su lema: "Un aristócrata nunca se apresura". Hofmann se adhirió estrictamente a la partitura impresa y al sentimentalismo.

El repertorio de Hofmann se limita principalmente a la música publicada antes del inicio del siglo 20. En 1913 dió una serie de conciertos en San Petersburgo, sin repetir una sola pieza, tocando 255 obras diferentes.

Una vez que había aprendido una pieza musical, al parecer en su mente y los dedos quedaba grabada para siempre.

En el diario que su esposa llevó durante su gira de 1909, ella menciona que Hofmann vió la partitura de las Variaciones sobre temas de Handel, escritas por Brahms; una pieza que no había tocado ni practicado, y que ni siquiera miró durante dos años y medio y que luego las interpretó en un concierto, sin un pensamiento o una vacilación.

Se dice que poseía la capacidad de Franz Liszt para escuchar una composición una sola vez y tocarla de nuevo sin problemas, sin ver las notas impresas. Maurice Aronson, quien se desempeñó como asistente del pianista Leopold Godowsky, relata como Hofmann aprendió la transcripción de Godowsky sobre la opereta Fledermaus de Johann Strauss: Godowsky y Hofmann se reunieron en Berlín en 1900, convirtiéndose en amigos de toda la vida. Hofmann visitó el estudio de Godowsky y se sentó con la boca abierta, mientras Godowsky se encontraba trabajando sobre la transcripción del Fledermaus. El padre de Hofmann un día se encontró con Godowsky y le preguntó: "¿Qué has hecho con Josef? Él se sienta en casa todo el día y toca valses de Strauss." Una semana después, Hofmann visitó Godowsky y tocó la transcripción completa, nota por nota. Hofmann, nunca había visto la partitura, de hecho, Godowsky aún no había anotado. Schoenberg ha señalado que la transcripición de Godowsky sobre el Fledermaus de Strauss es una de las más fantásticas, ingeniosas y complicadas transcripciones jamás escritas para el piano.

Como un niño prodigio que se hizo famoso, siendo alumno privado de uno de los virtuosos más legendarios (Anton Rubinstein), Hofmann llegó a disfrutar de una larga carrera como el pianista más famoso de su época. Schoenberg ha argumentado que Hofmann fue el más perfecto y posiblemente el más grande pianista del siglo 20.

Josef Hofmann murió en Los Ángeles, California en 1957. El Concurso de Piano Josef Hofmann, co-patrocinado por el Consejo Americano para la Cultura Polaca y la University of South Carolina Aiken se creó en su honor en 1994.

Luego de esta basta biografia...

Con ustedes una grabación de 1938 de Josef Hofmann interpretando el concierto para piano No. 1 de Chopin.

http://www.mediafire.com/download.php?hmz23qewx1d

Que la disfruten.

Rachmaninoff - Elegiac Piano Trio No.1

2009-10-27T11:08:00.001-05:00

El Trio elegiaco No.1 en sol menor es una composición para piano, violín y chello de Sergei Rachmaninoff. El trio fue escrito en del 18 al 21 de enero de 1892 en moscú, cuando el compositor tenía 19 años de edad. La premiere del trabajo fue el 30 de enero del mismo año, con el compositor al piano, David Dreyn en el violín y Aatoliy Brandukov en el Chello. La obra esperó hasta 1947 para que la primera edición saliera a la luz, sin tener número de opus.

Este trio elegiaco fue consevido en un solo movimiento, en contraste con los demás trios para piano, que tienen tres o cuatro movimientos. Est movimiento tiene la clásica forma de una sonata, pero la exposición está construida sobre doce episodios que simetricamente serán representdos en la recapitulación. El tema elegiaco es presentado en la primera parte como un Lento lugubre por el piano. En las partes siguientes la elegía es presentada por el chello y el violín, mientras que el espiritu evoluciona constantemente (più vivo - con anima - appassionato - tempo rubato - risoluto). el tema de la última melodía es presentado como una marcha fúnebre.

A pesar de su juventud Rachmaninoff muestra su virtuosismo en el piano y su habilidad para cubrir una amplia gama de colores musicales.

Es una obra de belleza sublime, los pasajes con el chello son maravillosos. Les presento la grabación del trio Borodín (Rostislav Dubinsky - violin, Luba Edlina - piano, Yuli Turovsky - chello), grabación de 1984.

http://www.mediafire.com/download.php?qonozkz3moz

Que lo disfruten

Música Clásica

Beethoven El emperador

Leopold Stokowski - Musica Rusa

Nathan Milstein

Ruggiero Ricci - Paganini 24 Caprichos - Op 1

Bach - Transcripciones

Rachmaninoff - Sinfonia No. 3 - Maurice Abravanel

Rostropovich - Bach Suites para violonchelo solo

Rachmaninoff - Sinfonia Juventud

Mstislav Rostropovich

Scheherazada - Sergiu Celibidache

Rachmaninoff Segunda Sinfonía

Dinu Lipatti - The master pianist

Dinu lipatti: The master pianist

Les presento la colección de EMI Classics de Dinu Lipatti, una colección de 7 CDS

CD 1

Nathan Milstein

Edouard Lalo - Concierto para Cello

Astor Piazzolla - Concierto para bandoneón

Yefim Bronfman - Rachmaninoff piano concierto 3 Video

Beethoven - Piano Sonatas

Ludwig van Beethoven - Chello sonatas

Alfredo Campoli

Van Cliburn - Rachmaninoff Piano concierto No. 2

Arturo Benedetti Michelangeli

Emil Gilels

Tchaikovsky - El cascanueces Op. 71

Max Bruch - Concierto para violín n.º 1

Wolfgang Amadeus Mozart - REQUIEM

Vladimir Sofronitsky

Haydn - Chello concierto No. 1

Boccherini Concierto para Chello No.9 - Jacqueline du Pré

Arthur Rubinstein

Sviatoslav Richter

Alicia de Larrocha

Van Cliburn y el Emperador

Van Cliburn, Un Gran Pianista

"No dejes que los que no tienen sueños te detengan"

Tchaikovsky - Quinta Sinfonía Op. 64

Rachmaninoff - Las Campanas Op. 35

Ormandy - Rachmaninoff Segunda Sinfonía

Rachmaninoff - Versiones Originales de los conciertos para piano 1 y 4

Gelber y el emperador de todos los conciertos

Franz Liszt - Études d'exécution transcendante d'après Paganini

Semana mundial de la lactancia materna

Erik Satie - Obras para piano

Glazunov - Piano concierto No. 2

Glazunov - Piano concierto No. 1

Chopin - Polonesa Op. 53 - Arthur Rubinstein

El Danubio Azul - Karajan Video

Vivaldi Concierto para tres violines - Isaac Stern

Rachmaninoff - Études-Tableaux

Ignacy Jan Paderewski - Piano Concierto

Niccolò Paganini

Henri Vieuxtemps - Concierto para violin y orquesta No. 1 Op. 10

Rachmaninoff - Warenberg - Piano concierto No. 5 (en base a la segunda sinfonía)

GLINKA - RUSLAN Y LUDMILA

Vasily Kalinnikov - Primera sinfonía

Chopin - Sonata para Chello y piano Op. 65

Rachmaninoff - Fantasia La Roca Op. 7

Edvard Grieg - Concierto para piano y orquesta en la menor

Brahms - Concierto para piano n.º 2 en si bemol mayor, Op. 83

Rachmaninoff - Tercera Sinfonía Op. 44

Rachmaninoff - Sinfonía n.º 1 en re menor, Op. 13

Rachmaninoff - Russian Rhapsody

Mozart - Concierto para Arpa y Flauta K 299

Beethoven - Concierto para piano y orquesta n° 4 en Sol mayor Op. 58

Richard Wagner - Transcripción para piano de la novena sinfonía de Beethoven WWV 9

Mijail Glinka - Prince Kholmsky

Louis Spohr - Violin Concerto No. 8 in A minor, Op. 47, "in modo di scena cantante

Louis Spohr - Obras para violin y arpa No.1

Mendelssohn - Sonata para chello y piano No. 1

Beethoven - Violin Concierto Op 61, Jascha Heifetz 1956

Scriabin - Tercera sinfonía (El poema divino)

Rachmaninoff - Concierto para piano y orquesta No. 3

Reinhold Glière -

Rachmaninoff - Las vísperas

Edouard Lalo - Concierto para violin en fa mayor Op. 20

Édouard Lalo - Sinfonía Española Op. 21

Chopin - Waltzes Nos. 1-14 - Dinu Lipatti